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Entrevista a Jaime Anglada

9:45 Autor: Mikel 10 Comentarios
 Jaime Anglada es un rockero de la vieja escuela, un veterano músico que se siente más joven que nunca. El curso pasado firmó uno de los mejores discos del año (Stereo) y acaba de presentar un álbum grabado en riguroso directo en el que podemos comprobar que está en un estado de forma envidiable. En SextoHombreDigital teníamos muchísimas ganas de hablar con este mallorquín desde hace tiempo y hoy, por fin, tenemos el enorme placer de ofreceros la entrevista que le hicimos hace unos días...

 - Empecemos como es debido; ¿quién es Jaime Anglada? Una rápida presentación para todos aquellos que no te conozcan

Jaime es un tipo de aspecto y corazón muy mediterráneo, que aparte de su familia , lo que más ama es escribir canciones y poder compartirlas. Este tipo nació en el 72.


- ¿Cómo es tu primer contacto con la música? ¿En qué momento de tu vida te das cuenta de que quieres dedicarte a ella?

La verda es que mi primer contacto con la música son esas primeras clases de solfeo con nueve años más o menos. Empezé tocando saxo alto. Pero apareció una guitarra en casa de mi hermana, mi amigo Hugo me enseñó esos discos de Sam Cooke y los Beatles y a partir de ahí me parecía natural el querer hacer lo que hoy hago.

- ¿Cuál fue la razón por la que cambiaste el saxo por la guitarra?

Como te he contestado…no lo sé…pero… Elvis tocaba guitarra. Puede ser una de las razones

"Mi primera canción fue para una chica, así es el rock. Quería ser como Richy Valens y tener mi Danna"

- ¿Recuerdas la primera vez que subiste a un escenario? ¿Y la primera canción que escribiste?

Recuerdo con cariño y vergüenza aquella primera vez. ¡¡¡Rompí tres cuerdas de mi guitarra!!!!! ¡Fue un desastre!

Mi primera canción fue para una chica, así es el rock. Quería ser como Richy Valens y tener mi Danna.

- Publicaste tu primer disco en 1996 de la mano de un importante sello como Virgin Records, ¿cómo te llegó la oportunidad?

La verdad es que no estaba preparado para grabar un primer disco pero…¿cuándo se está preparado para algo que tanto has deseado y soñado?
Fue el principio de todo. Estoy muy agradecido a toda aquella gente que hizo posible ese contrato.


- En este momento de tu vida me veo obligado a hacer un pequeño paréntesis; En aquella época hiciste el papel de cantautor en la serie A las once en casa de Ana Obregón y Antonio Resines. ¿Cómo conseguiste el papel? ¿Qué recuerdos tienes de la experiencia? ¿Volverías a repetirla?


Somos la consecuencia  de todo lo que hemos hecho y sido .Yo solo quería escribir canciones y crecer como tal y formar parte de la pantalla sin guitarra no era mi sueño.
Pero tuvo su momento y sí, lo volvería repetir.¿Por qué no?


"Antes jugaba a emular a mis héroes, ahora los héroes han de ir a salvar a otros chicos"

- Desde entonces has publicado cuatro discos más, uno de ellos grabado en directo. ¿Crees que con el paso del tiempo tu sonido ha ido evolucionando? ¿Ves cambios importantes respecto a tus primeros trabajos?


Veo seguridad en mí. Antes jugaba a emular a mis héroes, ahora los héroes han de ir a salvar a otros chicos. Hoy sueño y trabajo para escribir canciones y poderlas cantar y compartir.


- Hablemos de Stereo, tu último disco y personalmente el que más me ha gustado. Tenías ganas de rock, ¿me equivoco?

Tenía y tengo esa seguridad de la que te hablo. Quizás en STEREO  no están mis mejores canciones, pero si es mi mejor disco.

- Para la grabación contaste con músicos de la talla de Toni Jurado, David Gwynn o Jose Luis Hernández. ¿cómo conseguiste “reclutarlos”?

Son buenos amigos, aceptaron enseguida . Sólo tengo buenas palabras para ellos tanto como personas como músicos.

- Rebeca Jiménez canta contigo en Palabras que nunca te he dicho y es una auténtica debilidad en la redacción de SextoHombreDigital así que, cuéntanos, ¿cómo se siente uno al trabajar con ella? ¿Alguna anécdota?

La facilidad de cómo cantó y el talento y humildad que desprende.
Toni Jurado me dijo;”Rebeca ha de cantar en este disco”. Unos meses después pienso que debería haber una voz femenina en STEREO. Recuerdo lo que me dijo Toni y…el resultado es “Palabras que nunca te he dicho".


- Acabas de presentar un disco grabado en directo; ¿es un regalo para los fans más fieles o una manera de reflejar el gran momento musical que vives?

Es una sorpresa incluso para mí.
No estaba en mis planes,pero hicimos un buen concierto en la finca de Galatzó en Calvia, Mallorca ¡¡¡¡y ahí está!!!!!
Es como una tarjeta de visita para que se vea cómo somos en directo.




- Hablemos de gustos musicales; ¿quiénes dirías tú que han sido los músicos que más te han influído a lo largo de tu vida?

¡¡¡Springsteen me salvó la vida!!! Dylan , Neil Young y Van Morrison me obligan a escribir canciones. Pero cuando escucho Mediterráneo de Serrat , digo”soy así”.

- Dinos qué tres discos rescatarías de un incendio en tu casa

¡¡¡¡Hoy en día bastaría con rescatar el IPOD!!!!!
Born to run/ Bruce Springsteen
The Freewheelin´/Bob Dylan

¡¡¡¡¡Luego intentaría salvarlos todos!!!!!!!

- El disco que más estés escuchando últimamente y la canción que no puedes quitarte de la cabeza

Imposible Germany .Wilco

- Un artista al que hayas descubierto recientemente y quieras recomendarnos;

My Moornig Jacket,
¡Siento haber llegado tarde!


- ¿Con qué músico te gustaría compartir escenario?

Con cualquiera que quisiese compartirlo conmigo.

- Una de nuestras preferidas; ¿Qué disco o canción escuchas cuando estás solo y sabes que nadie te ve y escondes cuando tienes visita?

Nunca he hecho eso…pero…últimamente escucho "De niña a mujer" de Julio Iglesias, ¿mola eh?


- Cambiando un poco de tema; Jaime, como veterano de la música que eres, ¿cómo estás viviendo el momento actual de la industria? ¿Crees que hay solución?

La solución es seguir creando y escribiendo y que vuelvan a apostar por canciones nuevas. ¡¡¡¡Basta de recopilaciones y covers!!!!!
Nuestro trabajo es escribir, para escribir no necesitamos a nadie más que nuestras emociones. ¡Para vender es otra historia! El autor y artista es el único damnificado  y al que luego la industria utiliza como escudo.


- Qué es Internet para Jaime Anglada, ¿un enemigo o un aliado?

Un amigo que a veces te traiciona.


 

"Siempre habrá una guitarra, una voz y una historia, ¡eso se llama rock and roll!"

- Para ir terminando, en SextoHombreDigital tenemos la tradición de que cada invitado deje una pregunta a ciegas para el siguiente entrevistado. En este caso, Fon Román dejó esta para ti; “Mi sensación es que artísticamente estamos en un momento de poca ruptura, de repetición de fórmulas. ¿Que nuevo movimiento artístico/musical vaticinas o ves en el horizonte ?”

Siempre habrá una voz, una guitarra y una historia, ¡¡¡¡eso se llama rock and  roll!!!!!

- ¿Te animas a dejar una?

¿Qué canción pondrías el día que escuchemos que la guerra ha terminado para siempre? Sólo una.
 

- ¿Qué proyectos tienes para este 2011?

Escribir canciones nuevas, interpretarlas y cuidar y ver crecer a mi familia.


- Nada más, Jaime, gracias por regalarnos un poco de tu tiempo, ha sido un placer. Un abrazo.

 
Encantado, un abrazo y muchas gracias


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La Biblioteca: El dedo en el corazón, Javier Giner

9:19 Autor: Samuel 7 Comentarios
En su primera novela, apenas una sucesión de relatos más o menos breves, Javier Giner (Baracaldo, 1977) nos presenta a un conjunto de personajes que naufragan en unas vidas que no han querido o que no han sabido vivirlas de otro modo.

A caballo entre Nueva York y Madrid, a un vuelo intercontinental de distancia, se desarrollan un conjunto de historias que no tienen mucho de ejemplares pero que desbordan humanidad. La humanidad de los perdedores, de aquellos que saben que nunca podrán ganar.

¿Sus nombres? Sus nombres no importan. Es un amante que espera en un decrépito hotel; es un vagabundo que gasta sus últimas monedas en una llamada que devolverá la luz a su vida; es un profesor universitario que prepara una fiesta para celebrar el divorcio de su mejor amigo; es un reportero ‘estrella’ que se hospeda en la misma habitación de hotel donde se hospedó mucho tiempo atrás, esperando revivir un instante que marcó su vida; es una anciana que no duda en quedar con un desconocido para aliviar su soledad; es una amiga le cuenta a otra un encuentro de lo más intrascendente, o quizá no tanto; es un marido escribe una carta de amor a su esposa muerta; es un hijo que se venga de su madre, que lo abandonó siendo niño, de la manera más cruel posible… Son seres extraños, grotescos y, a la vez, cercanos. Dolorosamente cercanos.

Todos ellos intentan buscar la felicidad, pero acaban por perderse en sus propias miserias. Todos mienten para sentirse a salvo, pero esa mentira acaba por consumirlos y, cuando ya es demasiado tarde, intentarán comenzar de nuevo. Pero no siempre hay segundas oportunidades.

‘El dedo en el corazón’ es una novela, hecha de retazos, de momentos vitales, que comienza con un accidente de avión donde dos desconocidas hablan por primera y última vez y que acaba en un taxi que atraviesa la fría noche de Madrid, veinte años después.

Algunos de sus protagonistas no han conseguido llegar a este punto. Ellos son de los pocos supervivientes de un mundo en ruinas.

¿Sus nombres? Sus nombres no importan.



Se queda quieto con las luces apagadas y las cortinas corridas, sumido en la oscuridad que no teme o que teme demasiado, representando un papel que conoce a la perfección. El del ser inexistente. El del ser que no se ve, ni se escucha y que nunca ha existido ni existirá hasta que sea capaz de recuperar el poder que deja en otros para darse sentido.




El dedo en el corazón
Javier Giner
Barcelona: Ático, 2006. 188 p.
ISBN: 84-934476-2-5


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Old Goodbyes - Pájaro Sunrise (2011)

9:19 Autor: sextohombredigital 11 Comentarios

Pájaro Sunrise
, tiene nuevo álbum, Old Goodbyes. Durante un par de semanas, hemos tenido la gran suerte de degustarlo y saborearlo lentamente, una y otra vez. Nos ha gustado tanto, que en la redacción temíamos haber perdido la objetividad con este grupo.

Para cercionarnos de que no era así, decidimos ofrecer la reseña del álbum a un buen amigo nuestro, con un gusto musical exquisito y uno de los mejores blogs musicales del mercado. Aquí dejamos la genial reseña de Lu para Sextohombredigital! Simplemente genial, no tiene desperdicio!


Texto: Ezlekuek

Debe haber 1 millón de formas de empezar un disco. Y luego está “Old Goodbyes, el tema que abre el álbum homónimo del leonés Yuri Méndez , tercero en su aventura al frente de Pajaro Sunrise. Acompañada de un Hammond tembloroso , la voz narcotizante de Yuri nos recibe con una sobrecogedora historia de despedidas, culpabilidades y líneas que no se borran. Y de paso nos deja con un nudo en el estómago del tamaño de Alaska, que será nuestro compañero de viaje hasta la última de las ocho canciones que componen este disco de belleza colosal.

Grabado durante Septiembre del año pasado junto a la gente de Amigos Imaginarios y Barrunto Bellota Band ( tras sólo dos tardes de ensayo), el disco funciona a la perfección como apéndice de aquella bendita locura que fue su anterior trabajo “Done / Undone”, un caleidoscopio de 22 canciones que recorrían la geografía de la emoción y dónde Yuri hacía público su balance de situación vital entre las cosas ya agotadas (done) y las vías nuevas a explorar (undone). Entre las heridas que deben cicatrizar y la esperanza de lo que está por venir.

Precisamente “song for Evangeline” , la segunda canción de “Old Goodbyes” ,fue concebida originalmente para figurar en el Undone del que – tal como cuenta Yuri- “ se cayó cuando me quedé sin fuerzas para seguir mezclando “ . En todo caso estamos ante una joya de belleza imponente . Una balada que rezuma una luminosa melancolía y dónde es imposible que la letra no te parta en dos : “Y no llores por mí, Evangeline, no seas como esas reinas fingidas, no llores. No llores ahora, porque el amor que nace debe morir un día”. Con un carraspeo en falso arranca la telúrica "Don't Want to Love You No More ( una versión de Jackson C. Frank , “ the most famous folksinger of the 1960s that no one has ever heard of” ) , esencias de folk/country desnudo, que sino fuera por los arreglos de violines, encajaría como un guante en el “Nebraska” de Springsteen. Y para poner el punto y aparte a la cara A, nada mejor que "look what we,ve become” una caricia de puro terciopelo con aroma oldie

Si en el Done/Undone la brecha entre los dos discos era deliberada y explícita , en “Old Goodbyes” la cara B se inaugura con un grito que da el testigo a la briosa “love like a drummer” y que nos rescata del estado de abandono y aturdimiento emocional que nos habían dejado las primeras canciones. “Ribbon” confirma el apabullante magisterio de Méndez para los arreglos, sobre todo en la segunda parte de la canción donde la percusión se acelera entre una aleación mágica de violines, sintetizadores y sobre todo un acordeón desbocado.

Para la parte final quedan “November”, un tema que podría firmar Eef Barzelay cuando juega a deformar y juguetear con el sonido “americana” y “(I am done) making fun of myself, : de nuevo vuelve la intimidad, las luces se apagan y un murmullo acompañado de una desolada guitarra- ponen un broche crepuscular a este disco enorme.

Hay una máxima, que dice que Bill Callahan ( Smog), es incapaz de componer una canción mala. Pajaro Sunrise , o lo que es lo mismo, Yuri Méndez , va por el mismo camino. Seguimos esperando.



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Sr. Nadie en directo.

9:28 Autor: Carlos J. 5 Comentarios

Hazme aparecer… seré el Sr. Nadie

No ha pasado un año desde que salió a la luz “En la ciudad del aire”, el primer disco en solitario y en castellano de Jaime García Soriano, y por fin este viernes tuvimos oportunidad de verlo en directo. Un buen concierto es una buena manera de comenzar el fin de semana.




Acompañado por un miembro del grupo Amarillo y sus guitarras, el Sr. Nadie nos fue paseando de la mano por la ciudad del aire, por cada una de sus canciones, demostrando que las canciones se defienden por si mismas. Tambien hubo hueco para Sexy Sadie, con la canción de la que ha tomado el nombre y con a scratch in my skin.

Que Sr. Nadie tiene tablas, es un gran músico, y realmente disfruta tocando, es algo que se puede ver a kilómetros de distancia, y es capaz de hacerte participe desde el primer momento.

Las cosas bien hechas, siempre están bien hechas.

(esta vez no grabé videos, este lo he tomado prestado de youtube)




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Álex Ferreira - Dulus Dominicus EP (2011)

9:11 Autor: Mikel 2 Comentarios
Que Álex Ferreira es un músico de lo más prolífico es algo que ya sabíamos los que le seguíamos la pista antes de que lanzara su primer LP, Un Domingo Cualquiera. El dominicano afincado en España desde hace seis años había estado preparando su salto mortal publicando varios EPs, y para cuando presentó su primer álbum ya había conseguido ganarse a un público fiel, además de haber despertado el interés de la crítica especializada. Siguiendo con su alto ritmo de producción, Álex acaba de presentar Dulus Dominicus, un cuidado EP con cinco canciones con el que sigue saciando su necesidad de vacíarse entre acordes, frases y estribillos.


Silencio de Ascensor es el tema encargado de abrir el último trabajo de este dominicano de acento dulce, una canción acústica que habla sobre secretos e incómodos silencios, acolchada por unos coros casi espirituales. Con la fuerza de Dulus Dominicus y Sal (un ágil juego de palabras) llegamos hasta el mismísimo corazón del EP, y en Los discos daban vueltas uno se ve obligado a hacer un parón. Este tema, una debilidad personal,  tiene color grisáceo y tono oscuro y grave, y habla del ritual que antes suponía disfrutar de un buen disco de vinilo, una liturgia casi olvidada, sepultada por las prisas y la tecnología que los melómanos echan de menos y a las nuevas generaciones les resulta prehistórico. Cierra el EP El blu del ping pong, una versión del afamado tema de Rita Indiana en la que Álex muestra su lado más latino y desenfadado, una buena manera de ponerle el broche final con una sonrisa dibujada en la boca.

Con Dulus Dominicus Álex Ferreira demuestra que es un músico valiente y dinámico, que no le cierra la puerta a ningún estilo y siempre tiene algo que ofrecer a su cada vez más numerosa fiel legión de seguidores. Un artista inquieto que bebe de las mejores fuentes y nos ofrece un pequeño trago para refrescar nuestras gargantas ansiosas de buenas canciones como las suyas.


 

Podéis escuchar el EP completo en Spotify

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Kiss each other clean - Iron & Wine (2011)

9:15 Autor: H 8 Comentarios

Cambio de aires

El nuevo trabajo del genial singer songwirter Sam Beam, no ha dejado indiferente a nadie. El máximo referente del indie folk a nivel internacional, acaba de publicar su cuarto álbum de estudio (quinto contando Around the well, -caras B y rarezas-). Un discazo que a priori, poco tiene que ver con lo publicado hasta el momento.

Con Kiss each other clean, Iron & Wine, da un golpe encima de la mesa. Abandona definitivamente el folk desnudo y clásico de sus inicios, para adentrarse en otros sonidos, otros estilos, otros ritmos, que poco tienen que ver con sus trabajos iniciales (aunque dicho cambio se intuyera ya en su último).

Es evidente que Sam Beam buscaba un cambio de aires. Abandonar un tanto su faceta más intimista y dar paso a composiciones más elaboradas, con arreglos más complejos. De esta manera amplía su gama de registros y porqué no, también su público.

En su nuevo trabajo, flirtea descaradamente con la electrónica, introduciendo modernos arreglos en sus temas. Fusiona su habitual folk, con el pop, con el soul, con el funk, incluso con el jazz, consiguiendo así una riqueza sonora importante, pecando quizás un tanto, de sobreproducir algún tema.


A pesar de toda la innovación introducida y el evidente cambio de estilo, el gran mérito de Beam, es seguir sonando a Iron & Wine, y no sólo por esa maravilla llamda Godless brother in love, que podía haber formado parte de cualquiera de sus álbumes anteriores. El espíritu de sus canciones, su esqueleto, sigue siendo el mismo al que nos tenía acostumbrados. Bajo todas esas capas de maqulilaje, seguimos encontrando las brillantes melodías habituales y su portentosa voz, sonando mejor que nunca!

Resumiendo, estamos ante un señor discazo. Una propuesta valiente, que busca arrastrar el folk hacia otros horizontes. Quizás sea el punto de inflexión en su carrera, o quizás no sea más que una experimentación puntual, queriendo investigar hasta dónde se puede llevar su música. Como decimos, bajo esa densa instrumentación y esos arreglos, quizás algo excesivos, siguen las mismas raíces y el mismo estilo inconfundible. Un cambio de aires, que no le sientan nada mal al de Florida, que gana con cada escucha, y que aunque quizás sea prematuro decirlo, lo convierten en uno de los álbumes del año! Gran trabajo Mr. Beam!

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"Después Del Incendio Y Otras Cosas Así", desde dentro

9:08 Autor: Mikel 5 Comentarios
Los amantes de la buena música y las canciones de verdad estamos de enhorabuena, y es que nuestro admirado amigo Fabián acaba de publicar su tercer disco, Después Del Incendio Y Otras Cosas Así, el que sin duda está siendo el álbum más escuchado en esta redacción en las últimas semanas. Tuvimos la suerte de hablar con el leonés, que nos contó algunas cosas sobre su nuevo disco y además se animó a comentar cada una de las diez canciones que le dan forma a un LP que no somos capaces de sacar de nuestros reproductores...

- Fabián, apenas ha pasado una semana desde que publicaras Después Del Incendio Y Otras Cosas Así, ¿qué tal están siendo los primeros días de la criatura?

- Está yendo todo muy bien, dentro de lo que cabe. Es un trabajo totalmente autoproducido, así que no llegará a toda la gente a la que me gustaría, pero me está sorprendiendo muy gratamente la respuesta del público. La tienda online funciona, y el otro día se agotaron las entradas en Madrid. Estoy muy contento.

- Este es ya tu tercer disco, ¿tienes la sensación de que es el mejor que has publicado hasta la fecha o es demasiado pronto para pensar en ello?

- No lo sé, no pienso en esos términos. Claro que me gusta pensar que cada vez hacemos las cosas mejor, pero cada disco tiene su punto para mí, cada uno es especial a su manera.

- Sorprenden y agradan mucho algunos ramalazos “pop” del disco como La Huida o Planes, Auténticos Planes; ¿son parte de una posible evolución o simplemente “canciones puntuales”?

- Yo siempre me he considerado un compositor pop, solo que tengo cierta querencia por los sonidos acústicos, pero creo que todas mis canciones pueden englobarse dentro de este estilo, que por otra parte es tremendamente amplio. No sé, “Páginas Tuyas” es de mi primer disco, y es una canción muy pop. Ya sabes, hago las canciones que me apetece en cada momento.

- Has encontrado un sonido limpio y muy característico a lo largo de estos años; ¿cuánta culpa de ello tienen Yuri Méndez y Pepe López?

- Pues mucha. Son los músicos con los que trabajo, y me entienden muy bien, y yo les entiendo a ellos. Pepe es un instrumentista superdotado, y Yuri tiene una concepción de la música tremendamente hermosa y pura. Tengo mucha suerte.

- Con este disco, además, te has lanzado a la autoedición de mano de un sello que has creado junto a otros amigos, La Viejita. Cuéntanos cuándo se os ocurre formarlo, quiénes lo componen y cuáles son vuestros objetivos.

- Sí. Más que un sello es un concepto. Hace unos meses, tuve la oportunidad de tocar en Bogotá y Medellín con mi amigo Manolo Tarancón, invitados por la Fundación Barrio Colombia. Estuvimos hablando un montón de lo mucho que nos gustaría llevar las cosas nosotros mismos, con cariño y dedicación, sin depender de promesas y expectativas que nunca se cumplen, simplemente ofreciendo nuestra música de una forma humilde y honesta.


La Viejita es algo que yo quería hacer con el disco anterior, pero al final no me animé. Gracias al empuje y la ayuda de Manolo, lo hemos hecho realidad con este disco, y aunque nos sabemos diminutos, estamos muy contentos con todas las pequeñas cosas que vamos consiguiendo, aunque sea muy poco a poco.

- Pronto comenzarás la gira de presentación del disco, ¿qué ciudades vas a visitar? ¿Actuarás sólo o con banda?

- Sí, los primeros conciertos han sido en Valladolid y Salamanca, donde me acompañó Pepe López, y en Madrid el día diecisiete. Este último fue un concierto muy especial, rodeado de amigos.
Dentro de poco toco en Oviedo, Barcelona, Vigo, Coruña, Santiago, Valencia, Murcia, Zamora… tengo muchas ganas de tocar en León, que es mi casa.


En cuanto a la gente que me acompaña, todo depende de la disponibilidad de cada uno, y de las características del bolo. Siempre me gusta tocar con amigos, así que seguro que viviremos momentos muy especiales.


- ¿Tienes algún proyecto más en mente?

Yo siempre estoy componiendo, intentando aprovechar el tiempo, grabando demos… ahora toco mucho el piano, me relaja.

Fabián, para terminar nos gustaría que nos contaras algo sobre cada una de las canciones de Después Del Incendio Y Otras Cosas Así, ¿te animas?

"Piedras"

Habla de la idea de no bajar la guardia, de buscar hasta en las piedras, incluso después de haber encontrado eso que andábamos buscando.

"La Huida"

Me la inspiró una canción muy cortita de Super Furry Animals: "The Getaway Song".
Hey Venus! Es uno de mis discos favoritos de la vida.

"Diecisiete"

"Diecisiete" es la historia de una camarera de la que me enamoré muchísimo una tarde, sin ningún motivo aparente. Me fui a casa y le escribí una canción, pensando en cómo hubiese sido nuestra vida juntos. Toma ya.

"Nieve en el tejado"

Habla de tomarse un respiro. “Sácame a la calle, llévame a algún bar, deja que se apaguen las luces”. Es algo así como “Tú lo sabes, yo también lo sé, pero vamos a olvidarnos del mundo por un rato. Sácame por ahí.”

"Oh, María"

Ésta es muy evidente: Se la escribí a una chica que se llama María, y que es un amor de persona.

"Oh, tú"

"Oh, tú" es un empeño de Pepe; le apetecía mucho grabar un instrumental ruidoso sobre la progresión de acordes de "Oh, María". Al principio yo no quería, pero al escucharla, le di las gracias por ella.

"La Tempestad Etc"

"La Tempestad" es una de las dos canciones de este disco que podrían formar parte del anterior cedé. Tiene un rollo muy clásico, como de standard cincuentero. Es la favorita de Pepe.

"Planes, Auténticos Planes"

Una vez, hablando con Carlos Madrid y Fran Cano, uno de ellos (creo que Carlos), dijo que había visto una peli en la que uno de los protagonistas le decía al otro: “Teníamos planes, auténticos planes. ¿Dónde se perdieron?” Decidimos, entonces, que había que hacer una canción con esa frase.

El primero que la hizo fui yo, y por eso se la dedico a los dos en el disco.

"Después del Incendio"

Esta es, quizá, la canción más honda del disco. Habla de tener miedo y de afrontarlo a pesar de todo, no porque seamos especialmente valientes, sino porque no hay otra salida, en realidad, si queremos ser honestos con nosotros mismos.

"La Primera Canción"

Es el otro tema que podría estar en Adiós, Tormenta. Me atraía mucho la idea de que "La Primera Canción" fuese en realidad la última, invitando a poner el disco una y otra vez.

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El "debut" de Beady Eye en Madrid

9:11 Autor: jmgil 4 Comentarios
Sensaciones post-ruptura: El efecto gaseosa

En las inmediaciones de La Riviera, lo habitual en cualquier evento que incluya "Gallagher" en los créditos: una fila de lambrettas aparcadas en la puerta, decenas de mods perfectamente uniformados y hordas de británicos, a esas horas ya “alumbrados” para la ocasión.

Dentro de la sala, se podían distinguir claramente varias generaciones según la posición que ocupaban. En las primeras filas, las nuevas generaciones: jóvenes hambrientos de la habitual socarronería del menor de los Gallagher. En la parte central, los “alumbrados” más preocupados de tener fácil acceso a la barra central de la sala que de otra cosa. Al fondo, los treintañeros nostálgicos que crecimos con los primeros discos de Oasis como banda sonora. Todo en orden. Se apagan las luces.

Ya avisaron que ninguna canción de Oasis formaría parte del repertorio en directo de Beady Eye (interpretaron su disco debut al completo excepto Wigwam), algo que más allá de sentimentalismos me parece de una coherencia aplastante. Comenzaron con Four letter Word, una de las más enérgicas de Different gear, still speeding. Y la euforia se apoderó de una sala repleta. Lo primero apreciable fue el buen estado de forma de la voz de Liam, algo a lo que habíamos renunciado desde hace años. Debe de estar cuidándose. ¿O acaso lo hacía para fastidiar a Noel? Cosas de hermanos.

La simplona pero efectiva Beatles & Stones mantuvo el nivel de intensidad que poco a poco fue decayendo con Millonaire (al acabarla se coreó por primera vez, que no última, el nombre de Noel) y For anyone, para recuperar la apoteosis por unos minutos con The roller, el primer single de la banda.

Wind up dream precedió a Bring the light, otro de los momentos de la noche. Standing on the edge of the noise nos devolvió al sonido más directo y sucio de Definitely Maybe para llegar a la calma con el baladón Kill for a dream, que sonó excesivamente plana y carente de emoción.

Con Three ring circus iniciamos la parte final de un concierto que apenas duró 60 minutos. The beat goes on, para un servidor el mejor tema de la banda hasta la fecha, sonó épica y mostró con todo esplendor el potencial de una banda, que más allá del siempre deficiente sonido de La Riviera demostró una solvencia impoluta. Recuperaron también la cara B Man of misery, de las más contundentes de la noche, para finalizar con lo más parecido a Champagne Supernova que Liam ha podido componer: The morning son. Fantástico final.

Regresaron para un único bis, con la impecable versión de Sons of the stage de World of Twist, dejando a los asistentes la sensación de que Beady Eye tienen recorrido, pero que la sombra de Noel Gallagher siempre planeará sobre ellos.

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Desbandados por Santander

9:05 Autor: sextohombredigital 9 Comentarios
El pasado viernes comenzó en Santander la gira Desbandados, en la que tendremos la oportunidad de ver a Quique González en estado puro, unicamente acompañado por su inseparable Jacob. Temas desnudos, muchos de ellos rarezas, caras b o simplemente temas que estaban en el olvido serán rescatados en pequeños recintos como pide a gritos el proyecto para deleite de sus muchos incondicionales.

Y como en Sextohombredigital nos gusta estar en todos sitios pero a veces nos es imposible, agradecemos infinitamente la colaboración de nuestra amiga Miriam, que nos cuenta con todo lujo de detalles lo que nos vamos a encontrar en Desbandados.

Texto: Miriam

Al escuchar "La primera canción" de nuestro amigo Fabián no puedo evitar pensar en "Aunque tú no lo sepas". Con ella descubrí no sólo a su autor, si no también que hay mucha más música que la comercial con la que nos bombardean a todas horas, y que encima "engancha" mucho más. De alguna manera, es mi primera canción.

Pocos gestos del chico tímido quedan, no sé si por estar "en casa", entre amigos. Así fue como nos hizo sentir Quique ayer: entre amigos, contando anécdotas, con seguridad y un gran sentido del humor. Y su único acompañante en esta nueva aventura, Jacob, no pasó inadvertido y demostró ser mucho más que un músico discreto en público, pero rotundo con su música. Hasta se atrevió con la guitarra acústica!!!
No podía faltar algún despiste, que justificó con un: "estando solos se nos ven hasta las costuras" (pa’ comérselo :P)

Todo comenzó al piano con un maravilloso "Reloj de plata" al que hilvanó con puntadas muy finas "Discos de antes", perfecto. De ahí nos llevó por "Justin y Britney", "En el disparadero", "La vida te lleva por caminos raros" (canción de Diego Vasallo), "Crece la hierba" hasta llegar a un tema de Jackson Browne que ya había traducido y versionado su referente, Enrique Urquijo: "These days". A "Trucos fáciles para los días duros" le siguió "Nos invaden los Rusos". Para presentar "La casa cuartel" sacó todo su sentido del humor contando su entretenida relación con la guardia civil de su pueblo que provocó más de una carcajada.

Quique siguió desgranando muchas de sus mejores canciones como “Polvo en el aire”, “Los desperfectos”, “Cajita de música” y “Dos tickets”, para luego sorprendernos con una versión del “Hoy puede ser un gran día” de “Serrat” y con “De haberlo sabido”, enlazando el final de ésta con “el sitio de mi recreo” del gran Antonio Vega.

Tras “Doble fila” y "Peleando a la contra" interpretaron una de las más solicitadas en sus conciertos, "Fito". El primer intento de despedida lo hicieron con la canción con la que yo he empezado esta crónica: "Aunque tú no lo sepas" (yo no contaba esta vez con ella, pero siempre es un placer escucharla)

Después de unos minutos de descanso, como era de esperar, volvieron al escenario con la maravilla creada a raíz de un texto de Kirmen Uribe, "No es verdad", una deliciosa versión del "Adelita" de principios del siglo XX, que de no haberla oído, nunca hubiera imaginado, para despedirse definitivamente después de un emotivo "Avión en tierra", con un final diferente para esta ocasión.

Como siempre llevar a alguien a sus conciertos es acertar, como esas recetas que te dan diciendo: con ella siempre quedas bien. Pues está claro que con Quique también!!!
"Desbandados" se anunciaba como "un repertorio mucho más libre, más intimista y en acústico" con caras B, versiones, rarezas y canciones no editadas y no defraudó. La única pega que le pongo a este espectáculo es su precio, demasiado elevado para muchas economías, incluida la mía.

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Silvia Penide - Las erres dobles (2010)

9:23 Autor: jmgil 0 Comentarios
Una de las voces más peculiares y emocionantes del panorama musical regresa a la actualidad con el EP Las erres dobles, cuatro años después de sus últimas canciones incluidas en el ya lejano Desafinante crónica.

La gallega ha conseguido crear un mundo propio en el que viajan inquietudes tanto personales como musicales, con aire a las vertientes más “cantautoriles” pero con un poso a inquietud artística no tan propia de ese movimiento.

En apenas cinco canciones y en menos de quince minutos nos trasmite rabia, dolor y alguna dosis de esperanza. Eleva la voz en “En voz baja”, nos inquieta en “Dulce”, popea en “Estamos girando”, se muestra más sensible en “Erres dobles” para acabar de estallar en “Una tormenta”. Y por aquí nos gustan mucho las tormentas, los incendios y las canciones bonitas.

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Dustin O’Halloran – Lumiere (2011)

9:18 Autor: Samuel 1 Response
En su nuevo disco de estudio, Dustin O´Halloran se ha sabido rodear muy bien. ACME Ensemble se ocupa de la sección de cuerda, Adam Wiltzie, componente de Stars of the Lid, de la guitarra y, mi adorado Peter Broderick del violín. Y Dustin, como no, se reserva el papel principal: el piano.

Totalmente autoproducido y compuesto a caballo entre Nueva York, Berlín e Italia, ‘Lumiere’ supone un avance en el sonido de O`Halloran. Sin abandonar la vereda de lo neoclásico, esta vez el resultado es un álbum instrumental mucho más orquestado y recargado, alejándose de la sobriedad que marcaban los anteriores (Piano Solos, 200 y Piano Solos, Vol. 2, 2006). El piano clásico marca de la casa está más arropado que nunca, como si las diferentes melodías se abrazasen entre sí.

Los nueve cortes que componen ‘Lumiere’ son pequeñas piezas sinfónicas, breves fragmentos de una banda sonora inexistente. No es casual que su autor haya colaborado en películas como ’Marie Antoinette’ (Sofia Coppola, 2006) o ’An American Affair’ (William Olsen, 2010).

Si bien el comienzo del disco, con ‘A Great Divide’, nos podría llevar a la conclusión de que se trata de otro disco ambient, no es así. Pronto esos pasajes quedan atrás y es entonces cuando un piano mínimo reclama su lugar para no abandonarlo nunca. El ‘diálogo’ del disco se establece con un violín desgarrado en busca de complicidad.

El resultado: 45 minutos intensos, emocionales, de alto voltaje romántico que te dejan completamente aturdido, casi sin respuestas, al final, a medida que la última nota se va perdiendo en tu oído.


"Fragile N. 4"


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Smile - All Roads Lead To The Shore (2011)

10:07 Autor: Mikel 3 Comentarios

 Sonrían, por favor

 Mientras algunos se llevan las manos a la cabeza y se limitan a repetir, una y otra vez, lo mal que está el mundo de la música, lo poco que se venden los discos o el daño que internet ha hecho a la industria, otros, los músicos de verdad, se dedican a hacer canciones. En algunos casos, como en el de Smile, canciones redondas, cercanas al sobresaliente en su mayoría, que han ido madurando a lo largo de los últimos años para acabar dándole forma a All Roads Lead To The Shore, uno de los mejores discos que ha caído en mis manos en los últimos meses.

Los de Getxo, como decía, se han tomado con calma la elaboración de su segundo disco; han sumado un guitarrista más a la banda y han dejado que las canciones crezcan de manera natural y se inclinen hacia un sonido más rockero que les sienta mucho mejor. El tono optimista de sus canciones, las buenas vibraciones que desprende cada uno de sus estribillos y la excelente producción convierten All Roads Lead To The Shore en uno de los candidatos a mejor trabajo del año desde ya, qué más da que aún estemos en marzo. Además, por si todo lo mencionado anteriormente fuera poco, los vizcaínos cuentan con colaboraciones de auténtico lujo como las de Neal Casal o Johnny Kaplan, casi nada.

Resulta difícil resaltar alguna de las doce magníficas canciones del disco, pero haremos un esfuerzo; Nothing More, Let Go y Sweetest Scene son auténticas bombas de relojería, hits elevados a la máxima potencia en los que encontramos el lado más surfero de la banda, donde mejor se desenvuelven. All He needs no se queda atrás, y la cálida Do As I Want, la emocionante Nº1 (qué voz la de de John) o Time To Go son también razones de peso para darle una oportunidad a un disco que no decepcionará a nadie.

All Roads Lead To The Shore es un disco que sabe a mar, a sol, a verano. Un disco, al fin y al cabo, destinado a dibujar una sonrisa en la cara de todo aquel que lo escuche.



Podéis escuchar el disco completo en Spotify

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Nacho Vegas - La zona sucia (2011)

9:13 Autor: jmgil 4 Comentarios
Cosas que hay que contar

Una de ellas, es que ésta no es la típica crítica al artista que acaba por conseguir el reconocimiento que tantos años lleva mereciéndose por el mero hecho de haberlo conseguido y que haya dejado de ser algo “minoritario”.

Otra. ¿Qué porcentaje de culpa tiene su ya extinta y morbosa relación con la dama blanca del pop en que ahora llene conciertos y todo el mundo sepa de él tanto como de Love of Lesbian? No sé qué pensáis vosotros, pero de aquella unión la más beneficiada fue la música de ella. A Vegas sin embargo, le quedó El manifiesto desastre.

Y por último, más allá de que este disco este o no al nivel esperado, Nacho Vegas es el mejor letrista, o contador de historias como me gusta llamarle, del siglo XXI. Y me habré quedado a gusto.

Un nuevo Vegas se vislumbra en La Zona Sucia, su quinto disco largo, el de sonido más acústico. No diré que al escucharlo den ganas de salir a la calle a dar saltos de alegría, pero sí que se nota un cierto tono optimista y una mejor y más clara utilización del humor y el sarcasmo en sus canciones.

Nos sigue contando historias sobre la vida y la muerte, aunque nos sorprende con quizás su primera canción de amor, Cuando te canses de mi, y por la casi completa desaparición de la temática de las drogas, apenas mencionada en la oscura y siniestra El mercado de Sonora.

Sin embargo, canciones como Reloj sin manecillas (de pegadizo estribillo) o Perplejidad y Lo que comen las brujas, ambas con coros infantiles incluidos, suenan más accesibles que nunca. No es una crítica, pero no es lo que nos tenía acostumbrados y a uno le cuesta asimilarlo. Cuando la última canción editada en un LP por Nacho Vegas es Morir o matar es complicado reconocerlo en esta nueva vertiente.

Más reconocible resulta en la abrasadora Incendios y en el himno para borracheras de órdago que es Taberneros, una adaptación de una canción popular asturiana llevada a su terreno con gran acierto. O en la dupla La comedia humana y Cosas que no hay que contar, ambas composiciones con sello de denominación NV y a la postre dos de las composiciones más brillantes del álbum.

Y como no, La gran broma final. Más allá de juegos post-ruptura, estamos ante el clásico tema de Nacho que perdurará y que la gente continuará pidiendo en sus conciertos dentro de unos años. A este ritmo, como no, con todas las butacas vendidas.

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Paupers field - Dylan Leblanc (2010).

9:11 Autor: H 8 Comentarios

DYLAN LEBLANC

Paupers field es el primer trabajo de la nueva sensación del country folk americano. Hablamos del jovencísimo Dylan Leblanc.

Este veinteañero de Louisiana, consiguió firmar sin lugar a dudas, uno de los mejores discos debut de 2010. Un disco con aroma de otro tiempo, que podría estar perfectamente firmado por algún viejales con calidad a raudales de los años 60.

Y es que el joven Leblanc no inventa. No trata de innovar ni hacer experimentos con el folk tradicional. Apuesta por lo clásico, por lo que ha mamado desde la infancia, bajo su techo (padre guitarrista de estudio). Y esto se percibe ya desde la portada del álbum.

Paupers field es un disco sereno y elegante. En él, priman las letras y los versos sentidos, dando la importancia debida a las guitarras acústicas y a ese sonido inconfundible del pedal steel, que brilla sobremanera. Así, consigue melodías melancólicas y suaves, que transmiten sosiego y serenidad, a la par que belleza. Pero por encima de todo, brilla la voz de Dylan Leblac. Una voz impropia para la edad de este singer songwriter.

Especialmente brillantes resultan temas como Low, canción con la que abre el disco; If time was for wasting, primer single de paupers field; La serena y delicada Emma Hartley, en la que las brillantes guitarras son abrumadoras; o If the creek don´t rise, en la que cuenta con la gran voz de Emmylou Harris, como ya hiciera en su día el gran Ryan Adams, en aquel temazo llamado Oh My Sweet Carolina, de su álbum debut, Heartbreaker (al que la crítica especializada se empeña en asemejar).



Si hay que poner un pero, diré que el conjunto del álbum, resulta un tanto monótono. Peca de sonar muy parecido a lo largo de las 12 canciones. Pero sin duda alguna, estamos ante un gran álbum debut. Un álbum que hará que estemos muy atentos a lo que sea capaz de ofrecer este joven sinnger songwriter norteamericano.

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La Biblioteca: El Alzamiento, Brian Keene

9:10 Autor: Samuel 1 Response
Jim desliza el revolver sobre su sien. En su refugio, a tres metros bajo tierra, está a salvo, pero sabe que no habrá un futuro. Todos a los que quería y conocía están muertos o algo peor… vivos. Oye los gritos de Carrie, su mujer, vagando en la superficie desde hace una semana con un cuerpo que se cae a pedazos. Perdida toda esperanza, y justo cuando va a apretar el gatillo, suena su móvil…

Baker se siente culpable. Fue uno de los máximos impulsores del experimento que acabó con el mundo. Ahora está hablando con un antiguo compañero de trabajo, que ya no conserva nada de humano. Se hace llamar Ob y está aislado en una habitación indestructible, o eso parece porque ese ser ha comenzado a golpear el cristal blindado que los separa mientras que una pequeña fisura se va formando en su superficie…

Frankie se esconde en los servicios del zoológico de la ciudad. Huye de unos matones que buscan una dosis de caballo que ella misma se acaba de chutar minutos antes. Pronto descubrirá que ellos no son su principal problema. En el exterior comienzan a escucharse extraños ruidos emitidos por unos animales que murieron tiempo atrás de inanición…

Tras el experimento con un acelerador de partículas se abre una brecha espacio-tiempo que conecta el mundo con unos seres de una realidad oscura y salvaje, de la que poco se sabe. (Nota: Tranquilos, no da tanta vergüenza ajena como el guión de El barco). El resultado: nada vuelve a ser lo mismo. Los muertos vuelven a la vida, pero no como esos seres lentos y descerebrados de las pJim desliza el revolver sobre su sien. En su refugio, a tres metros bajo tierra, está a salvo, pero sabe que no habrá un futuro. Todos a los que quería y conocía están muertos o algo peor… vivos. Oye los gritos de Carrie, su mujer, vagando en la superficie desde hace una semana con un cuerpo que se cae a pedazos. Perdida toda esperanza, y justo cuando va a apretar el gatillo, suena su móvil…

Baker se siente culpable. Fue uno de los máximos impulsores del experimento que acabó con el mundo. Ahora está hablando con un antiguo compañero de trabajo, que ya no conserva nada de humano. Se hace llamar Ob y está aislado en una habitación indestructible, o eso parece porque ese ser ha comenzado a golpear el cristal blindado que los separa mientras que una pequeña fisura se va formando en su superficie…

Frankie se esconde en los servicios del zoológico de la ciudad. Huye de unos matones que buscan una dosis de caballo que ella misma se acaba de chutar minutos antes. Pronto descubrirá que ellos no son su principal problema. En el exterior comienzan a escucharse extraños ruidos emitidos por unos animales que murieron tiempo atrás de inanición…elículas. Éstos son rápidos, inteligentes e increíblemente crueles. Saben utilizar armas y son capaces de comunicarse entre ellos. Quieren acabar con la humanidad sirviéndose de ella. Elilum, teraphim, demonios, djinns, monstruos… la humanidad los ha conocido bajo diferentes nombres. Cuando un cuerpo muere y el alma abandona ese recipiente, ellos entran en acción, ocupando su lugar.

Y llegará un momento en que los muertos andarán por la tierra. Y su número superará con creces al de los vivos.

Y en ese mundo acabado, extinguido, varios personajes se verán obligados a sobrevivir a cualquier costa, y a hacer frente a las hordas de no muertos y a no menos vivos. Porque son en las situaciones extremas cuando los límites quedan difuminados, confundiéndose entre sí, y los salvadores se convierten en verdugos.

Jim, Baker, Frankie, Martin, Gusano, Delmas y Jason, Skip, el coronel Schow… El fin del mundo les ha unido en un arriesgado viaje por unos parajes desolados y sin futuro, en el que no todos vivirán para disfrutar de un nuevo día.

Sin llegar a ser una obra que perdure en el tiempo, ‘El alzamiento’ cumple su cometido: entretener. Y lo hace con creces. Su ritmo no baja en ningún momento, con constantes sorpresas y giros argumentales. Es acción pura y dura, y toma su presencia ya desde las primeras páginas, combinada, no podía ser de otra forma, con fuertes dosis de escatología y gore.

Sin embargo, la originalidad de este libro está en los zombis, por llamarlos de alguna forma, ya que, para los puristas del género, poco tienen que ver con la imagen oficial. Como ya dije antes, hablan, piensan, planifican… y matan, de la forma más cruel posible. Los zombis diseñados por Keene son rápidos e inteligentes y se mueven en un mundo apocalíptico diseñado a su medida, contando en muchas ocasiones con la ayuda de ciertos animales. En fin, que el panorama para los supervivientes pinta muy mal. Los no muertos, tanto humanos como animales, parecen ser la raza del futuro.

Por último decir que ‘El alzamiento’ cuenta con una segunda parte, titulada ‘La ciudad de los muertos’ (Dolmen, 2011) y que es de obligada lectura para completar la historia.

‘La ciudad de los muertos’ continúa la historia justo donde acabó la primera, con zombis acercándose por todas partes y con el sonido amortiguado de varios disparos en la oscuridad…


“Pensó en las películas de zombis que había visto durante años. En las películas, las criaturas no eran inteligentes; se tambaleaban de un sitio a otro como máquinas de comer, vacías y sin consciencia. En las películas, los zombis no te devolvían el disparo. El único parecido que podía encontrar entre los de la vida real y los del cine es que ambos eran lentos y comían carne humana.
Su falta de velocidad era una ventaja obvia: lo único que tenía que hacer era poner tierra de por medio entre ellos y él. Pero lo que les faltaba de movilidad lo compensaban con malicia. Eran inteligentes. Podían planear y calcular.
No bastaba con ser más rápido que ellos: tenía que ser más inteligente.”

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Toro y Moi, Underneath The Pine (2011)

9:14 Autor: Antoine 2 Comentarios
Así es como se hace llamar Chazwick Bundick. Este chaval de Carolina del Norte a sus 25 años ha empezado a hacerse un hueco en el panorama "Chillwave".

Y es que acaba de salir a la venta su nuevo trabajo llamado "Underneath the Pine", justo 13 meses después de su primer álbum "Causers of This", con el que ya prometía maneras.

Es inevitable comparar su estilo al de Stereolab, Jamiroquai, Air o el Dream Pop que hacen Beach House, pero Bundick consigue fusionar esas influencias americanas y europeas, y, a la vez conseguir algo realmente único.

Con canciones íntimas muy cercanas al Lo-fi consigue mantener el interés por como combinarlas con sus ritmos cósmicos. Un Pop alegre a ritmo de música negra se puede disfrutar con temas como ‘Got Blinded’ o ‘How I Know’, el piano sale de suplente pero lo notas y de que manera en temas como ‘Divina’ o en ‘Good Hold’ y remata con el funky arrollador y bailón de ‘Still Sound’ o de ‘Elise’

El título del disco hace referencia al lugar donde le gustaría ser enterrado, y es que empezó a grabarlo un día después de enterrar a un amigo.
Diría que un grandísimo homenaje........disfruten


"Still sound"


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Depedro en Logroño

9:17 Autor: Mikel 4 Comentarios
Una vez más, y con esta ya van tres, Jairo Zavala, ahora conocido como Depedro, visitaba la ciudad de Logroño. Pisó La Rioja por primera vez en el Actual de hace tres años, volvió en septiembre para regalarnos un concierto inolvidable en una bodega de Navarrete y, de nuevo, el pasado viernes, cubrió el cielo de la ciudad con sus Nubes de Papel.

El Biribay lucía buen aspecto para la ocasión, y Depedro, bastante puntual, subió al escenario entre aplausos, silbidos y piropos varios para coger la guitarra y empezar a desnudar canciones. La primera en caer, Diciembre, hizo que hasta los más ruidosos se callaran y giraran la cabeza hacia el escenario. Jairo invitó a su banda, y en cuanto todos cogieron posiciones, comenzó uno de esos conciertos que te dibujan una sonrisa en la cara. Depedro y los suyos aprovecharon los primeros momentos del show para rescatar algunos de los mejores temas de su aclamado debut como Two parts in one, Llorona, Don´t leave now o La memoria, para después, poco a poco, ir sumergiéndonos en su segundo álbum, el que venía a presentar.

De Jairo poco se puede decir que no se haya dicho ya, tiene una de las voces más personales y sugerentes de la escena española, y además, aunque sus cuerdas vocales se empeñen en quitarle protagonismo, es un guitarrista excepcional. Perdonad que no recuerde el nombre de sus músicos, pero sería injusto no resaltar a cada uno de ellos; desde el batería al bajo, pasando por el contrabajista sin olvidarme del trompetista, todos ellos maestros en su oficio que consiguen que las canciones lleguen siempre a buen puerto.

Entre Empty Fields, Nubes de Papel, Te sigo soñando (la eterna preferida del público), Como el viento, una sorprendente versión de Blister in the sun de los Violent Femmes, Chilla que tiemble y otras muchas se nos fue pasando la noche, con ese inconfundible aroma a mestizaje que desprenden sus deliciosas canciones hasta que Jairo y sus músicos se despidieron. Volvieron al escenario, cómo no, y sin duda este bis fue lo mejor de la noche; arrancó con Jairo de nuevo en solitario interpretando La brisa (mi preferida), continúo con una animada versión de Cançao do Mar de Dulce Pontes, prendió la mecha final con otra versión, esta vez la de What goes on de la Velvet Underground y explotó definitivamente con Comanche, un grito de guerra perfecto para poner fin a una exquisita noche de música en directo. Otra más a cuenta de Depedro.

Aquí os dejo el set list y algunos vídeos que grabamos;

Diciembre
Two Parts in One
Llorona
La Memoria
Tomorrow
Don´t Leave Me Now
Mientras Espero
Empty Fields
Equivocado
Nubes de Papel
Te Sigo Soñando
Blister In The Sun (Violent Femmes)
Chilla Que Tiemble
Como El Viento
La Brisa
Cançao Do Mar (Dulce Pontes)
What Goes On (Velvet Underground)
Comanche








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Radiohead - The King of Limbs (2011)

9:24 Autor: jmgil 3 Comentarios
No recuerdo críticas tan injustificadas y precipitadas (¿en 1 día se puede analizar la calidad y repercusión de un disco?) como las que en avalancha hemos podido leer en las dos últimas semanas sobre el nuevo e inesperado disco de Radiohead.

El octavo disco de los de Oxford llegó por sorpresa, con apenas unos días de preaviso y sin tiempo para la reacción. Y con las mismas prisas la crítica se ha apresurado a machacar a The King of Limbs por ser, ojo, previsible.

Y es que en cada nuevo disco tienen la “obligación” de inventar el teléfono o la luz. Mínimo. Supongo que ser los mejores en su campo no es suficiente. Queremos más.

Me parece casi absurdo mencionar que Radiohead ya no son un grupo de guitarras. De hecho apenas lo fueron y la electrónica es la base de su mapa sonoro. The King of Limbs es más un viaje que un disco. Así te hacen sentir los primeros y asfixiantes compases de Bloom, como el inicio de un trayecto entre placentero e incómodo. Bloom te introduce en una espesa niebla, que apenas lograremos quitarnos de encima a lo largo de los 8 cortes del disco.

Los ritmos desacompasados de Morning Mr. Magpie y la hipnótica (y fantástica) Fedal, deudora de la corriente dubstep, forman una primera parte del álbum más experimental e impactante, con Little by Little como único guiño algo más clásico. Brillante.

Lotus Flower es el inicio de la parte más amable del disco. En ella encontramos el único estribillo reconocible de la colección y que sirvió de inmejorable presentación del disco gracias al impactante video, en el que descubrimos las dotes casi contorsionistas de Thom Yorke. Codex es belleza en estado puro. Apenas un piano y LA VOZ de Yorke. Podría haber sido el corte nº13 del Ok Computer. Un instant classic. Uno más.

En la recta final, Give up the ghost y las múltiples capas de voces superpuestas es otro de los hitos del disco. Delicada y sofisticada a la vez, acabarás por suplicar con Thom aquello de don’t hurt me. Separator (muchos son los que creen que el título es indicativo de que tendremos un The King of Limbs 2.0) abre las ventanas para que entre algo de luz justo antes de llegar al final, pero ya es demasiado tarde: estamos empapados.


"Lotus Flower"


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Christina Rosenvinge, en Murcia

9:19 Autor: jmgil 0 Comentarios
Nuestra musa favorita presentaba nuevo disco en Murcia y allá que fuimos a recibirla como merecía. La Joven Dolores ha sido acogido con entusiasmo entre público y crítica y anoche pasó con nota la reválida del directo, la prueba más complicada.

Hace algo más de un año que tuve la ocasión de verla en el mismo auditorio (Victor Villegas) y misma sala (Ángel Clarés) presentando Tu labio superior, en aquella ocasión con Steve Shelley (Sonic Youth) a la batería, Chris Brokaw (ex Come) a la guitarra, Jeremy Wilms al bajo y Charlie Bautista en guitarras y teclados, el único que repitió en la formación anoche. Aún notando una bajada de intensidad con respecto a dicho concierto y con la falta de rodaje lógico de las nuevas canciones, vivimos un concierto emocionante y lleno de momentos de empatía con una de las artistas más en forma del panorama nacional.

Interpretó al completo su nuevo disco, comenzando con Jorge y yo y terminando con una interpretación magistral de Canción del Eco, desde ya convertida en clásico. Las canciones más celebradas de La Joven Dolores fueron Weekend (La gran broma final 2.0), La idiota en Mi mayor (¿sobran las palmas?), La noche del incendio (crece y crece y crece), Desierto (¿la interpretó demasiado pronto?), y Debut (eléctrica y electrizante).

Tu labio superior sirvió de complemento inevitable al setlist del concierto: Negro cinturón, Anoche, Nadie como tú y las que supusieron los momentos más karaoke de la noche, La distancia adecuada y Animales vertebrados (nunca nos cansaremos de ella). Sonó también A contrapelo, incluida en el EP Tu labio inferior, pero ni rastro de cualquier referencia a su discografía anterior. La Christina más introspectiva es pasado.

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Sometimes I wish we were an eagle - Bill Callahan

9:21 Autor: H 6 Comentarios

Bill Callahan


¿Bill Callahan? Puede estar preguntándose más de uno ahora. Quizás si dijera Smog, seudónimo bajo el que ha firmado su obra durante casi 20 años...

Sometimes I wish we were an eagle, es el último Long Play publicado por el singer songwriter de Maryland. Segundo álbum que publica con su nombre propio. Y ¿cómo resumir en pocas palabras esta gran colección de canciones?

Dicen que una imagen vale más que mil palabras. Bastaría mostrar como se le iluminaba la cara a un amigo, al hablar maravillas sobre él ...

Pero como no es posible, diré que es uno de esos discos que merece la pena tener bien guardado en casa. Un disco actual, que rezuma a clásico. Uno de esos que no te cansas de escuchar una y otra vez, y que en cada escucha, te vuelve a sorprender con pequeños matices inadvertidos hasta ese momento.

Un disco redondo. Sencillo, tranquilo, coherente y adictivo. Todas las canciones mantienen una misma línea, pero sin sonar a lo mismo. No peca de esa redundancia habitual en muchos álbumes de folk americanos. Hablando en plata, para la 5ª canción no está uno aburrido de escuchar más de lo mismo.



El secreto está en la calidad vocal y musical de Bill Callahan y en una gran producción. No abusa ni sobrecarga los temas con demasiados arreglos. Pero introduce unos imponentes arreglos de cuerdas e incluso electrónicos en ocasiones, o con aires asiáticos, perfectos para engrandecer cada una de sus composiciones, resultando un lujo para los oídos.

Grandes letras y una magnífica instrumentación cuidada al detalle, acompañan a la imponente voz de Callahan. Todo parece girar al rededor de su portentosa voz .Y es que vaya timbre gasta el americano. Súbitamente te transporta a la América profunda de los años 60.

Resumiendo, uno de esos discos que disfrutas incluso antes de que arranquen los primeros acordes de Jim Cain, porque sabes lo que te espera. 9 grandísimas canciones, 45 minutos de tranquilidad sosiego y disfrute. Sin excesos, donde todo encaja y suena de manera brillante. Una demostración de madurez, y claridad de ideas, adquirida durante una dilatada carrera. Un disco para de escuchar y degustar poco a poco, sin prisas. Sólo hay que dejarse llevar y disfrutar. Muy recomendable!




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Beady Eye - Different Gear, Still Speeding (2011)

9:10 Autor: jmgil 5 Comentarios
Modern family

Como cuando tus padres se divorcian, si tu grupo favorito se separa te queda el consuelo de que de cualquier celebración siempre obtendrás dos regalos en vez de uno. El primer regalo surgido de las cenizas de Oasis viene de parte del padre, Liam. Bueno, de Our kid y de los restos del naufragio, es decir, Gem Archer y Andy Bell. Nombrar al batería de cualquier banda en que estén involucrados los Gallagher no merece la pena porque es probable que no dure ni dos telediarios.

El que esperara algo de este disco que levante la mano, pero no nos lo creemos. A pesar de alguna aportación de mérito a la discografía de Oasis (Songbird, Born on a different cloud), Papa Liam es un compositor más que limitado y de los tímidos Gem y Andy tampoco esperábamos fuegos artificiales. Sorpresa!

Nos hemos encontrado con un disco más que decente, con un sonido heredero de los últimos Oasis pero que da más importancia a los teclados y con cierto toque soul que acaricia las bonitas melodías de las 13 canciones que componen Different Gear, Still Speeding. Lo de los plagios a los clásicos sería repetirnos.

La cosecha de Liam es más que cumplidora. Bring the light fue lo primero que escuchamos de Beady Eye y nos enamoraron esos teclados tan setenteros y los coros femeninos. For anyone es otra vuelta de tuerca más (¿más?) para lograr ser la reencarnación de Lennon. Beatles & Stones es, obvio, otro homenaje más. Wigwam (Hey Jude 2.0) y The Morning son (gran final de disco) son de corte más épico pero igual de interesantes. Sus letras son más que olvidables, pero ha aprendido de Noel el arte de crear melodías.

Andy se encarga de abrir el disco con el tema más potente de la colección, Four letter word. Millionaire flojea pero lo compensa con la preciosa The beat goes on. Curiosamente, el corte con sonido más puramente Oasis lo firma Bell con Kill for a dream, una balada marca de la casa.

Gem firma el tema más directo y sucio del disco con Standing on the edge of the noise, y a la vez el tema más pop y mainstream, The roller (Instan Karma 2.0), que sirvió de carta de presentación del disco. Wind up dream es otra aproximación a la época solista de Lennon y Three ring circus parece hecha a medida para el lucimiento vocal de Liam.

¿Influye en mi análisis del disco las bajísimas/nulas expectativas que tenía sobre este disco?
Es posible, pero arañando un poco de objetividad a mi yo fan, veo este disco al menos al nivel de Heathen Chemestry o Don’t Believe the Truth. Y aunque sea compararlo con los peores discos de Oasis, eso es más de lo que jamás hubiera imaginado viniendo de un tipo como Liam Gallagher.

Ahora le toca a Mama. Lo tiene más difícil porque las expectativas son infinitamente mayores.

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Fabián - Después del incendio y otras cosas así (2011)

9:17 Autor: Nathaniel 6 Comentarios
Jugar con fuego

“Las traiciones durante la guerra resultan infantiles comparadas con nuestras traiciones en tiempos de paz. Los amantes, primero se muestran nerviosos y tiernos hasta que lo hacen todo añicos, porque el corazón es un órgano de fuego.” (El paciente inglés)

Ardamos, pues.

Después de esperar a la primavera y despedir a la tormenta, llega el momento de analizar los restos del incendio, el poso de todo aquello que pudo ser y no fue, las brasas de aquel fuego vivo que alumbró con fuerza los mejores días y buscar otras horas de luz bajo nuevos soles, no sé si más grandes o más brillantes. Simplemente, distintos.

Fabián, como ya es costumbre, vuelve a desnudar sentimientos, a doler, a curar, a recoger hermosos fotogramas y traducir emociones cotidianas en Después del incendio y otras cosas así, su tercer disco (La Viejita Música, 2011), a través de diez soplidos de vida que no hacen más que avivar nuevas lumbres en las que recibir calor, cuando creíamos que la leña ya no podía prender, que todo era ceniza.

Resulta casi insultante la facilidad con la que el leonés es capaz de canalizar belleza y sencillez en las canciones, desde la naturalidad de Piedras, pasando por la candor de Diecisiete y La tempestad, etcétera, la pasión de Después del incendio y Nieve en el tejado, o la fuerza desgarradora de La huida y Planes, auténticos planes, dos ganchos a la mandíbula en forma de pop, muy en la línea de las ya lejanas Páginas tuyas que ahora ya son nuestras. Seda y más seda, al fin y al cabo. Y las canciones convirtiéndose en caminos.



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Christina Rosenvinge - La Joven Dolores (2011)

9:12 Autor: Carlos J. 4 Comentarios

"Entre pálidas flores, hay puntas de alfiler"

En “La Joven Dolores”, Christina Rosenvinge vuelve a hacer las cosas como mejor sabe, contando/cantando sus temas a golpe de susurro y sensualidad, con ese aire de aparente fragilidad que la acerca a las musas.

Con estas 11 canciones historiadas, (o historias cantadas), Christina abre su universo interior, ese en el que mezcla mitología con secretos e historias totalmente personales, llenas de pequeños guiños fácilmente interpretables, y otros detalles incluso más íntimos y picarones.

Las guitarras, bajos, pianos, violonchelos y baterías se funden entre sí para formar una única melodía que se convierte en el marco perfecto para estas canciones y crea ese halo mágico de ensoñación que envuelve todo el disco.

Pero al contrario de lo que puede parecer, la mayoría de las canciones hablan de desamor y/o ruptura (excepto Jorge y yo), aunque de forma sosegada, desde el tiempo necesario para haberlas superado. En cada una de ellas encontramos una o varias frases totalmente rotundas de las que se quedan grabadas a fuego.

Un disco capaz de dar vueltas una y otra vez sin resultar pesado, un trabajo bien hecho que da gusto escuchar. Si es para que salga un disco así, merece la pena dejarlo con Christina, por duro que pueda ser.




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Los Últimos Bañistas - Nadia

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