sextohombredigital

Planes, auténticos planes

2011-06-24T23:38:00.000+02:00

Todavía recuerdo los nervios del estreno. Fue hace algo más de 2 años y algunos comentábamos las dudas típicas de cualquier blogger que estrena proyecto: ¿nos leerá alguien? ¿realmente interesa lo que podamos contar? ¿le caeremos bien a google?

Casi 700 posts después, esas preguntan carecen de sentido porque lo que hemos logrado va mucho más allá de una estadística. Sextohombredigital ha logrado que gente que vive a no menos de 700 kilómetros de distancia y con aparentemente pocas cosas en común, puedan considerarse amigos pase lo que pase. Y es que la música crea vínculos a priori inimaginables.

El año pasado celebramos nuestros primeros 12 meses juntos con un inolvidable concierto en Albacete compartiendo risas y cervezas con nuestros amigos Manolo Tarancón, Edu Vazquez, Dani Merino, Fabián, Pablo Moro, Carlos Madrid y Alfredo González. Este año el reto era similar pero en la otra punta del país: San Sebastian era el lugar y Fabián, de nuevo, y Pájaro Sunrise los amigos encargados de poner música a nuestra celebración.

Poco importaron los problemas de sonido o el murmullo que hizo difícil la labor de los músicos (desgraciadamente algo habitual en cualquier concierto que requiera cierta intimidad). El pasado sábado pusimos entre todos un broche de oro a 2 años intensos en trabajo y dedicación, en los que todos fuimos madurando de la mano compartiendo música, cine, literatura, televisión y también nuestras propias inquietudes. Como en cualquier familia que se precie, reímos, compartimos, sufrimos y nos ayudamos para hacer más llevadera la existencia.

En la noche del sábado, cada nota, cada canción sonó como algo nuestro, algo a compartir entre todos los miembros de esta gran familia que formamos junto con todos vosotros, que de una forma u otra nos habéis acompañado a lo largo de este tiempo. El más sincero agradecimiento para todos.

Hasta la próxima!

2º Aniversario Sextohombredigital!

2011-06-12T21:20:00.001+02:00

730 días!

Se dice pronto! Pero 730 días han pasado ya desde que Sextohombredigital abriera sus puertas al mundo. 730 días con sus largas noches.

En este tiempo, hemos escuchado infinidad de discos; hemos leído algún que otro libro; hemos conocido a grandes artistas, que nos han dejado una huella imborrable; y a grandes personas, que han dado sentido a cada una de las líneas que aquí hemos plasmado.

Hemos reído, compartido ilusiones, recibido regalos, disfrutado de pequeños logros, y alucinado con algunas dedicatorias que jamás hubiéramos imaginado.

Además de escribir sobre lo que nos llena, nos toca la fibra, o directamente las pelotas, nos pegamos el lujo de organizar un concierto (que se dice pronto!).

Siempre llevaremos a Albacete y a la gente que quiso acompañarnos en nuestro primer aniversario, muy dentro! Gracias de nuevo a MANOLO TARANCÓN, ALFREDO GONZÁLEZ, DANIEL MERINO, EDU VÁZQUEZ, FABIÁN, PABLO MORO, CARLOS MADRID e IVO (Muñeco Vudú), por aquella mágica noche!

Y como lo bueno perdura para siempre en la memoria y lo menos bueno, tendemos a dejarlo pronto de lado, estamos dispuestos a organizar otro CONCIERTACO DE LOS BUENOS, para celebrar nuestro 2º Aniversario!!

Hemos decidido tirar la casa por la ventana y contar con dos de nuestros grupos/artistas predilectos. Con los artífices de dos de los grandes álbumes del año. PÁJARO SUNRISE & FABIÁN. Todo un lujazo!!

Este año, la ciudad elegida es SAN SEBASTIÁN. El Sábado 18 de Junio, a las 21.00 horas en Le Bukowski, tendrá lugar el que para muchos está considerado como EL CONCIERTO DEL AÑO! Entradas limitadas! 8 euros anticipadas, 10 en taquilla! Y con la misma, se sortearán camisetas de la fábrica de colores!

MIL GRACIAS a FABIÁN y a PÁJARO SUNRISE por querer estar y a nuestros amigos patrocinadores, que han puesto su importante grano de arena, para que ésto salga adelante: La fábrica de colores, Miss Manuki, EnterComunicación, Dale Creatividad, Atari, Saltxipi, Interbasque y Buenas y Santas, GRACIAS de los que formamos SEXTOHOMBREDIGITAL!

Gracias chicos de Sextohombredigital por hacer que los sueños se hagan realidad!

Bill Callahan en San Sebastián

2011-06-07T09:40:00.000+02:00

La verdad es que tenía muchas ganas de concierto y muchas ganas de escuchar en directo a una de las que me habían dicho mejores voces del panorama rock alternativo.

Fue en el Teatro Principal con el cartel de entradas agotadas. La noche la abría Sofia Knapp acompañada de su guitarra y de sus teclados programados. Por desgracia poco que resaltar de su música pelín aburrida con tintes líricos y aires ochenteros, que no hizo más que esperáramos con más impaciencia al gran Bill.

Tras una buena charla con el gran H, apareció el trio que nos iban a alegrar la noche, Bill Callahan con un traje gris claro de una década pasada (vaya crack) acompañado de Matt Kinsey a la guitarra y Neal Morgan a la batería y percusión.

Hubo un momento antes y un momento después de que su voz grave y tenebrosa entrara por aquel micro e hiciera traspasar las paredes del teatro hasta llegar a algún profundo lugar donde casi nadie llega.

Con figura estoica y mesiánica, acompañado de su guitarra, de una ocasional armónica y de sus peculiares movimientos el de Maryland hacía viajar a los allí presentes por su universo particular de canciones donde su adictiva voz le daba sentido a todo.

Mientras Kinsey elaboraba unos bonitos arreglos con su guitarra y daba los tonos de bajo, Morgan lo bordaba con una impecable actuación con los tambores y platillos.

El repertorio que nos dejaron escuchar se centró en sus dos últimos trabajos, 'Apocalypse' y ‘Sometimes I Wish I Were An Eagle’ que tan magnífica crónica hizo H.

Destacaron temas impresionantes como 'Too Many Birds', 'Jim Cain' o 'America', y es que hicieron que las canciones dieran vueltas y vueltas como un carrusel hasta que el trio las apagaba. La noche la culminó con un pegadizo 'Bathysphere' que nos hizo disfrutar como en pocas ocasiones.

Von Voyage Bill.....

La Biblioteca: Me acuerdo, Joe Brainard

2011-06-06T10:27:00.000+02:00

Hay libros extraños y que, en su propia peculiaridad, una vez leídos, no te abandonan nunca. Y, sin duda, ‘Me acuerdo’ del escritor y artista norteamericano Joe Brainard (1942 - 1994), pertenece a esta categoría, no muy abundante por cierto. Porque si tuviéramos que catalogar este libro lo englobaríamos como una especie de diario, pero, eso sí, un diario muy, bastante, sui generis.

Y es que todo el libro se estructura, por decirlo de alguna forma, en una serie de pequeños párrafos, de pequeñas frases, que siempre empiezan con un ´Me acuerdo…´, que, como en una especie de invocación, hacen aflorar los recuerdos, las memorias de ese tiempo pasado que siempre corre el riesgo de perderse.

Esa aparente sencillez con la que se despliega el libro esconde un muestrario de obsesiones y de primeras veces (sexo, borracheras, amores…), de la vida en la escuela / instituto, de las primeras novias, de los primeros novios, del amor, del desamor, del mundillo del arte… y de las primeras frustraciones y de las últimas alegrías.

En este libro todo tiene cabida, desde las sentencias más profundas hasta los comentarios más frívolos. No hay grandes historias, pero si hay historias mínimas, cotidianas, de las que todos hemos vivido o viviremos.

Joe Brainard escribe sus particulares memorias, o anti-memorias, deslavazadas e inconclusas, como fragmentos anecdóticos de una vida desordenada, que retratan una vida apurada al límite y sin ataduras y, a la vez, un repaso de la historia reciente de los Estados Unidos, desde la Segunda Guerra Mundial hasta la década de los setenta, época en la que Brainard publicó su libro.

Entre lo cómico y lo surreal, entre lo entrañable y lo intimo, se mueve este ´Me acuerdo´, que consigue empatizar con el lector desde el primer momento, y que logrará, a partes iguales, arrancar una sonrisa y conmover, todo en la misma página.

Aquí van unas muestras de su `particular` estilo:

Me acuerdo de muchos primeros días de colegio. Y de ese sentimiento de vacío.

Me acuerdo de una placa colgada en la pared encima del televisor que decía «Dios bendiga nuestra casa hipotecada».

Me acuerdo de algunas experiencias sexuales precoces y de las rodillas desolladas. Estoy convencido de que el sexo ahora es mucho mejor que antes, pero echo de menos las rodillas desolladas.

Me acuerdo de que me preguntaba por qué, ya que era gay, no era una niña.

Me acuerdo de cuando (fumado) el pensamiento más profundo del mundo se te evapora antes de encontrar un lápiz.

Me acuerdo de una vez en que mi madre hizo desfilar a un puñado de mujeres por el baño mientras yo estaba cagando. ¡Nunca he sentido más vergüenza en toda mi vida!

Me acuerdo de encender el cigarro por el filtro cuando estás intentando parecer «enrollado».

Me acuerdo, luego, de algunos besos. Y de, finalmente, reunir el valor para meter mi lengua en su boca, pero (¿qué viene ahora?) (¡socorro!), y entonces fue todo meter y sacar, meter y sacar, hasta que empezó a parecer un poco raro y comprendí entonces que era un pardillo.

Me acuerdo de intentar imaginarme de qué va todo esto. (La vida.)

Me acuerdo de esas veces en que no sabes si estás muy feliz o muy triste. (Los ojos llorosos y el corazón alegre.)

Este libro se ha convertido en una obra de culto, sirviendo de inspiración a muchos artistas, como los escritores George Perec o Juan Bonilla, la dibujante libia Zeina Abirached (`Me acuerdo`, Sins Entido, 2009) o el actor Marcelo Mastroianni para su autobiografía. Sin embargo, fue el poeta y amigo Kenneth Koch quien lo empezó a utilizar como método para enseñar poesía.

Así que aquí va el reto. Copiando una idea que he visto en un blog, concretamente en blogdeadolfo.wordpress.com, ¿os atrevéis a escribir vuestros propios `me acuerdo´? Os aviso, parece fácil.
Me acuerdo de…

Me acuerdo
Joe Brainard
Traducción de Julia Osuna Aguilar
Madrid: Sexto Piso, 2009. 146 p.
ISBN: 84-96867-45-1

Entrevista a Julio de la Rosa

2011-05-25T09:00:00.000+02:00

Músico, escritor, compositor de bandas sonoras, director de videoclips... Julio de la Rosa es, sin duda, uno de los artistas más prolíficos del panorama nacional. Publicó hace ya unos meses La Herida Universal, un disco que nos maravilló a todos en la redacción, y teníamos muchas ganas de poder hablar con él. He aquí la charla que tuvimos con Julio, no se la pierdan...

Antes de nada, una de rigor; ¿Quién es Julio de la Rosa? ¿Cómo te presentarías a la gente que no te conoce?

Hola, me llamo Julio, qué tal. Encantado.

Si algo se puede decir de ti es que eres una persona polifacética (compositor, músico, escritor…), un artista en todas sus vertientes; ¿a qué se debe tanta curiosidad?

A que me aburro con facilidad, supongo. Me gusta todo, es un drama.

¿Con qué “disciplina” te sientes más cómodo, con la música o con la literatura?

Últimamente, haciendo videoclips. Habitualmente, con la música.

"Me tomé unas pastillas de ésas que te dejan muy feliz, pero me borraron la memoria. Ahora sólo existe el presente, un presente, que es siempre un regalo."

Echándole un vistazo a tu trayectoria musical observamos que, además de tu etapa con El Hombre Burbuja, también participaste en otra formación, Fantasma#3. ¿Qué recuerdos guardas de ambos periodos?

Me tomé unas pastillas de ésas que te dejan muy feliz, pero me borraron la memoria. Ahora sólo existe el presente, un presente, que es siempre un regalo.

¿Has encontrado la estabilidad definitiva en la carrera que has emprendido en solitario, en la que ya has publicado cuatro LPs?

No sé muy bien qué es la estabilidad, pero bueno, el caso es que saco un disco cada dos años y mientras me dedico a hacer bandas sonoras para cine. La última que se ha podido ver es Primos, de Daniel Sánchez Arévalo. El último disco que he hecho La Herida Universal. Pero la estabilidad no existe en esta profesión, te la tienes que fabricar y, a veces funciona a veces no.

Parece que cumples escrupulosamente con la media de un disco cada dos años. ¿Es algo que te has propuesto o simplemente pura coincidencia?

Pues hasta ahora ha sido pura coincidencia. Bien es cierto que hay un momento en que me doy cuenta del tiempo que hace que saqué el disco anterior y me pongo en marcha de nuevo.

Hablemos de tu último disco, ¿Qué vamos a encontrarnos en La Herida Universal?

16 canciones en 47 minutos, a 16 bits y 44.100 hertzios. Pinta bien, ¿no?

Personalmente pienso que es tu mejor disco, ¿cuál es tu opinión?

No tengo al respecto. Pero me quedé muy contento cuando lo terminé.

¿Cómo catalogarías tu música?

Ése no es mi trabajo, gracias a dios. Bastante tengo con hacerla…

El disco parece estar claramente dividido en dos partes; ¿cuál era tu intención al “partirlo” de esta manera?

Eran muchas canciones y había que estructurarlo bien. Además quería hacer un vinilo, con su cara A y su cara B, lo que me ayudó mucho a ordenarlo.

"Mis vacaciones suelen ser una excusa para hacer algo que no tengo tiempo de hacer el resto del tiempo."

Además de componer todas las canciones, tú mismo te has encargado de producir, grabar y masterizar el disco, además de tocar “un poco de todo”, como dices en los créditos. Por si esto fuera poco, también te encargaste de la fotografía del disco y además diriges los videoclips; ¿No resulta agotadora tanta implicación en el disco, o es que la ves necesaria?

Sí que hice de todo, pero la masterización corrió a cargo de Dany Richter y la foto de portada es de Laura Prieto, el diseño de Celia Arcos. Pero es verdad, ahora que caigo, hay en el disco varias fotos de mi casa que las hice yo. Supongo que son etapas, hay veces que delego mucho y otras que quiero hacerlo todo. Soy culo inquieto, así que aunque me canse, es mi manera de pasármelo bien. Mis vacaciones suelen ser una excusa para hacer algo que no tengo tiempo de hacer el resto del tiempo. En mi caso, y según mi experiencia, cuanto más pendiente estoy de los distintos procesos no sólo más contento me quedo, sino más parabienes recibo. Así que procuro implicarme en todo lo que hago.

¿Qué respuesta está obteniendo el álbum por parte del público y de la crítica? A pesar de los tiempos que corren; ¿sigue mereciendo la pena publicar discos?

A mí es que me gusta, qué se le va a hacer. Lo siguiente que voy a hacer es publicar un libro de poemas, ya me dirás tú si eso no tiene menos sentido aún. Pero no puedo dedicarme a lo que merece la pena simplemente porque merece la pena. Entre otras cosas porque la pena nunca se merece nada, valga el ingenioso el juego de palabras.

Entre los músicos con los que grabaste La Herida Universal se encuentra Abraham Boba, un artista al que admiramos muchísimo aquí, en SextoHombreDigital. Cuéntanos, ¿qué tal se trabaja con él?

A ver, Boba es mi vecino, así que no voy a hablar mal de él no vaya a ser que llame a la policía cada vez que me ponga a hacer ruido. Se trabaja muy bien, claro que sí. De hecho es mi colaborador habitual también en algunos de los encargos que me hacen para cine. Domina muy bien el espacio musical, ese espacio que existe entre las notas, que para mí es uno de los aspectos más importantes en el que se ve la calidad de un músico. Si dejas caer las notas donde aún no hay nada, es que eres bueno. Eso es así. Y también es más versátil de lo que parece, a simple vista.

Sobre el escenario; ¿acústico o con banda? ¿Cómo te sientes más cómodo?

La comodidad sobre un escenario no depende de eso, me temo. Es más importante para estar a gusto tu estado de ánimo ese día, el sonido, la sala y, principalmente, el público, que viene a ser el culpable de casi todo lo que ocurre en un concierto.

Cambio de tercio; ¿Qué es Internet para Julio de la Rosa? ¿Un aliado o un enemigo?

Aliado. No sé por qué tendría que ser un enemigo. Entiendo que para las discográficas haya podido serlo, de entrada. Pero o te alías o te aíslas.

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales y su relación con la música? ¿Las utilizas?

Sí, antes usaba Myspace, ahora he olvidado mi contraseña y no puedo entrar. Ahora uso Facebook. Hasta que se me olvide la contraseña, supongo. Quizá debiera hacerme un Twitter, o eso me están diciendo, en fin. Me parecen una gilipollez, si te digo la verdad, pero son una manera de estar cerca de la gente que te oye, de que estén al día de lo que haces, así que ya con eso dejan de serlo (una gilipollez). Es como todo, depende del uso que les des. Hasta un Ak-47 puede ser algo maravilloso, si no lo usas para matar a alguien.

Como consumidor de música; ¿Cd, vinilo o mp3? ¿Por qué?

Me da un poco igual, mientras la calidad de sonido te deje disfrutar la música. Pero lo que es cierto es que el vinilo es más cálido gracias a los armónicos que se generan; el cd es más potente, precisamente porque no existen esos armónicos y las frecuencias se mezclan menos; y finalmente el mp3 puede ser útil para ciertas cosas, yo mismo envío pruebas de piezas de mis bandas sonoras por mp3, a menudo. Pero es una pena querer disfrutar de un disco en mp3 porque sí que pierde bastante calidad, especialmente en sus bitrates más bajos, que deberían desaparecer como posibilidad técnica. Háganselo saber a quien corresponda, por favor.

¿Quiénes dirías que son tus referencias musicales a nivel nacional? ¿Y a nivel internacional?

He escuchado tanta música en mi vida y me han influido tantas cosas, que tendría que hacer una lista muy larga. Ciñéndonos a mi último disco, te puedo decir que están por ahí The Clash, Violeta Parra, el movimiento brasileño de Tropicalia, en general; Radio Futura, Wilco, Norfolk & Western, Ian Dury y hasta Golpes Bajos. Y no es que sean mis favoritos, que por supuesto me gustan, pero son los que se han colado esta vez en mis canciones. Y digo se han colado ellos, que yo no los dejé entrar.

"Si hay un incendio dejaría mis discos arder mientras le hago fotos al fuego."

¿Qué tres discos de tu colección rescatarías de un terrible incendio?

Si hay un incendio dejaría mis discos arder mientras le hago fotos al fuego. Y lo que me llevaría sería la cartera, por aquello de seguir siendo alguien, tras la catástrofe. Si te refieres a tres discos que me gusten mucho mucho, te podría decir por ejemplo The Name of This Band is Talking Heads, The Legendary Marvin Pontiac, de John Lurie, o Live from a Shark Cage, de Papa M.

Si pudieras elegir una voz femenina, la que quieras, para una de tus canciones, ¿a quién escogerías?

En mis últimos discos he llamado a Ainara Legardon, a Queyi, a Marta L. Lázaro. Todas estupendas cantantes, y actrices. Y ahora acabo de grabar un disco a medias (tercios) con Laura Gibson y Rauelsson, que saldrá dios sabe cuándo. Laura tiene una voz como pocas he oído en mi vida, es mágica.

¿Qué disco te ha sorprendido últimamente y nos recomendarías?

Minor Epic, de Dani Llamas, está realmente bien. También el de Abraham Boba, Los Días Desierto (sin ‘s’ final). El de Havalina, Las Hojas Secas, es muy bueno. Y dejando de barrer hacia casa, aunque no es una sorpresa reciente, la banda sonora de Ascensour Pour L´Echafauld, Ascensor hacia el Cadalso, la peli de Louis Malle que musicó Miles Davis, única banda sonora que hizo el hombre. Es ideal para ciertos momentos.

¿Cuál es el mejor concierto al que has asistido últimamente?

Se me acaba de venir a la cabeza uno que dio Beck en el Festimad hace ya una década. ¿Se admite como ‘últimamente’?

Una de nuestras preferidas; Confiesa, ¿qué disco escuchas cuando estás solo y escondes cuando tienes visita?

Ay dios, lamento decepcionaros, pero no escondo discos. Me gusta que mis amigos se rían de mí cuando les enseño el disco que tengo de Fields of the Nephilim, por ejemplo. Pero no lo oigo nunca. Pero lo que más hago cuando estoy de graciosillo es hablar maravillas de Lens Cleaner, ¿Has oído esto? Es la hostia. Hasta que se dan cuenta de que el cd de Lens Cleaner es un limpiador.

Para ir terminando, en SextoHombreDigital tenemos la tradición de que cada invitado deje una pregunta “a ciegas” para el siguiente entrevistado. En tu caso, Javier Almazán (Copiloto) nos dejo ésta para ti; “¿Has dicho que te gustaba un disco que, en el fondo, no soportas, porque se supone que debía gustarte? ¿una vez? ¿más de cinco? ¿más de diez?”

Ni una sola, no, no hago esas cosas. Pero venga va, juego. Una vez, el de Copiloto, que se supone está muy bien pero me resulta insoportable. Un abrazo Javi.

¿Te animas a dejar tú una?

Al río. Una pregunta espesita. ¿Lo que escribes es porque te ha sucedido, o sucede una vez lo has escrito?

Nada más, Julio, un auténtico placer hablar contigo. Un abrazo, nos vemos.

Lo mismo digo. Otro abrazo.

Circo del Sol… Corteo

2011-05-24T09:20:00.000+02:00

Siempre me ha gustado el Circo. Ojo, el Circo con mayúsculas, no el del Parlamento. Sí, me gusta el ‘serio’, el que genera ilusión, optimismo… alegría. El otro, el que me pone de mala, malísima hostia, se lo dejo a otros.

Así que siempre que puedo, y las fechas coinciden, no dudo en dejarme caer por uno de estos espectáculos. Esta vez le ha tocado el turno al Circo de Sol y a su espectáculo Corteo, que anda estos días por Madrid, por la Casa de Campo.

De origen quebequense y con más de veintisiete años a sus espaldas, el Circo del Sol cuenta ahora mismo con cinco espectáculos representándose por todo el mundo, más unos cuantos fijos, en Las Vegas, y uno de ellos anda estos días por aquí.

Corteo (‘Cortejo’), creado en 2005, es su decimocuarto espectáculo. En él se cuenta la historia de un viejo payaso que, al morir, imagina su propio funeral. Así, en su soñada despedida se juntarán amigos de procesión de todo tipo y le rendirán un último homenaje. A partir de ahí, dos horas llenas de acrobacias, contorsiones, unas cuantas sorpresas y, sobre todo, mucho humor y fantasía. Echando mano de casi cualquier cosa (globos gigantes, una escalera, camas, aros…) conseguirán hacer real la más loca de las alucinaciones.

La música en directo y una escenografía sutil y elegante contribuyen a recrear ese mundo de ensueño en el que el viejo payaso repasará su vida.

Quizá Corteo no tenga la fuerza ni la espectacularidad de otros de sus shows, como por ejemplo ‘Alegria’, pero tampoco le hace falta. Porque esta vez representan el mundo de los sueños, el de la fantasía… Magia, elegancia, virtuosismo… y la posibilidad de las cosas imposibles.

Circo del Sol: instrucciones de uso.

1. Sentarte
2. Abrir los ojos como platos.
3. Volver a creer, como cuando éramos niños, en la magia. En esa magia pura, simple y, por lo tanto, imposible.

Otra vez.

Si os apetece verlos, tendréis que daros prisa. Corteo permanecerá en Madrid hasta el 5 de junio. Si no llegáis a tiempo, no os preocupéis. Tienen otras tres ciudades españolas en su gira. Valencia, del 16 de junio hasta el 10 de julio; Alicante, del 28 de julio hasta el 28 de agosto y Sevilla, del 8 de septiembre hasta el 9 de octubre.

Una de festivales: S.O.S. 4.8

2011-05-18T09:17:00.005+02:00

En tan solo 4 años, el festival SOS 4.8 Estrella Levante se ha convertido en uno de los más importantes del país (quizás el más “españolizado” en cuanto a asistencia) y sirve como punto de partida a la temporada de festivales veraniegos.

En mi tercera experiencia en el evento murciano, he podido ver la evolución de público que ha hecho que este año llegara a niveles máximos (40.000 por noche no es moco de pavo) y quizás algo por encima de la capacidad de la organización, que dicho sea de paso, es de un nivel más que aceptable. Lo de tener cobertura para poder llamar a tu madre o para que tu ex escuche Copenhague a través de tu móvil dentro del reciento es otra cosa.

Con un cartel atractivo como es costumbre, aunque algo más orientado a la música de baile, arrancamos nuestra aventura del viernes en el escenario Jagermeister, el pequeño de los dos principales. Y nuestro primer objetivo eran los catalanes Manel. Que decir, no creo que su música tenga cabida en este tipo de eventos y además, espero que sepáis perdonarnos, teníamos más hambre que otra cosa. Y lo voy a decir: no me van, creo que están sobrevalorados y que tienen más de hype que de otra cosa. Lo solté, me siento mucho mejor.

Después de reponer fuerzas, Arizona Baby fueron nuestra siguiente parada. Con esa imagen tan setentera y un sonido fantástico de guitarras acústicas, se metieron al público en el bolsillo a las primeras de cambio. Un poquito de rock siempre se agradece.

Vetusta Morla era uno de los platos fuertes del primer día de festival. Y así los atestiguaba el llenazo del escenario Estrella Levante, dispuesto a corear los grandes hits de los madrileños. Sin embargo, la primera parte del concierto fue dedicada a presentar su segundo disco, Mapas, lo que hizo que la gente estuviera más fría de lo normal. Particularmente, fue la parte más disfrutable del concierto (fantásticas El hombre del saco o Los días raros), que acabó convirtiéndose es un karaoke cuando llegó la hora de Copenhague, Valiente o La cuadratura del círculo.

Cerramos la noche con MGMT. Basicamente quería comprobar las sensaciones que me producían sus discos y así fue: no me gusta perder en tiempo.

De manera complementaria a las actuaciones programadas dentro del recinto ferial de La Fica, el sábado a mediodía pudimos disfrutar en la céntrica Plaza de las Flores del directo de Mujeres y de Los Últimos Bañistas, de los que ya os hemos hablado alguna vez y que editarán su fantástico disco debut en Junio. Tomad nota.

Ya entrada la tarde, volvimos al “lío” para disfrutar del concierto de los murcianos Second. Con la pose habitual que tanto nos (dis)gusta, dieron un concierto tan enérgico como es habitual y que acabó en éxtasis con los componentes de Barry Barra sobre el escenario. Su segundo disco en castellano, Demasiado Soñadores, les debe de situar en el lugar que merecen en el panorama pop estatal.

Muchas ganas les tenía a los extravagantes Hola a Todo el Mundo, que fueron de menos a más en su concierto dejando a más de uno con la boca abierta con su propuesta con ecos a unos Arcade Fire más hippies todavía.

De ahí partimos raudos hacía el escenario grande para ver uno de los conciertos más esperados por un servidor, el de los británicos Editors. Seré sincero, en los primeros minutos del show me sentí defraudado hasta el punto de plantearme buscar la barra más próxima, pero poco a poco se vinieron arriba para acabar arrasando con todo y dar uno de los mejores conciertos de todo el fin de semana. En temas como Munich, Papillon o You don’t know love demostraron todo su potencial, que es mucho. Y además poseen uno de los mejores front-man del rock actual.

Hablando de front-man, el amigo Brett Anderson y su resucitada banda eran los siguientes en salir al escenario. Suede dieron un concierto plagado de hits y que sin embargo resultó plano y falto de feeling. Los problemas de sonido y los que aparentemente tuvieron entre los mismos miembros del grupo no ayudaron. El mayor gancho del festival acabó por resultar la gran DECEPCION.

Lo que vino a partir de ahí, está algo borroso en mi mente. Pero dicen que Lory Meyers se salieron y que !!! dieron el concierto más loco del día. Os creemos.

La Biblioteca: Hacia rutas salvajes, Jon Krakauer

2011-05-09T09:27:00.000+02:00

Primero la historia

Primavera, 1990. Tras graduarse en la Universidad de Emory (Atlanta), Chris McCandless se marcha de su casa en su viejo Datsun del 82. No volverá nunca más. Su objetivo es recorrer Norteamérica. Y lo hará, con mayor o menor fortuna, de sur a norte, llegando hasta Alaska.

En su peregrinar, llevará una vida nómada. Romperá las relaciones con su familia, salvo con su hermana, Carine, con la que seguirá comunicándose. Cambiará de nombre; pasará a llamarse Alex Supertramp. Autostop, duermevelas al raso a las afueras de grandes ciudades, abordajes de trenes, trabajos precarios, comidas escasas… y amigos en la carretera que le ayudarán y en los que encontrará un tipo de comprensión que jamás encontró en su familia. Pero en ningún lugar se queda lo suficiente como para llamarlo hogar. Su objetivo es otro: llegar a Alaska y cumplir su sueño.

Dos años después, en abril de 1992, Chris / Alex se adentra en Alaska, escasamente equipado, con medios paupérrimos. Una parca sintética, un par de botas de agua, un rifle Remington, un saco de arroz de cinco kilos, dos emparedados, una bolsa de maíz frito, un mapa obsoleto, una brújula y libros, un montón de libros que se convertirán en su única compañía. Cree que no le hace falta más. Pretende vivir, subsistir, de lo que las tierras de Alaska le den, cazando y recolectando frutos y bayas comestibles.

La vida le demostrará de una forma cruel lo equivocado que estaba. Dos meses después, cinco excursionistas encontraron su cadáver dentro de su propio saco de dormir, en un autobús abandonado que le sirvió de hogar improvisado. Un cuerpo consumido por el hambre y que apenas pesaba treinta kilos.

A su muerte, surgieron muchas voces que hablaron sobre su persona. Unos lo acusaban de loco, de temerario, de inconsciente, poco más que un iluminado. El propio Krakauer recibió fuertes críticas por glorificar su figura en el artículo de la revista Outside, en su número de enero del 93, punto de partida de esta novela. En cambio, otros lo veían como el último romántico, como un monje mesiánico que pregonaba, a todo aquel que le quisiese escuchar, que otra vida si que era posible.
Una vida lejos de la sociedad, ajena a sus normas y convencionalismos. Una vida lejos de la vida moderna, sin su seguridad, sin su bienestar, sin su modo de vida, tan tecnificado y opresivo a la vez.

En una carta a uno de esos amigos de la carretera, un jubilado de ochenta años al que curiosamente sí que cambió la vida, lo deja bastante claro.

(…) Sé audaz. Son demasiadas las personas que se sienten infelices y que no toman la iniciativa de cambiar su situación porque se las ha condicionado parta que acepten una vida basada en la estabilidad, las convenciones y el conformismo. Tal vez parezca que todo eso nos proporciona serenidad, pero en realidad no hay nada más perjudicial para el espíritu aventurero del hombre que la idea de un futuro estable. El núcleo esencial del alma humana es la pasión por la aventura. La dicha de vivir proviene de nuestros encuentros con experiencias nuevas y de ahí que no haya mayor dicha que vivir con unos horizontes que cambian sin cesar, con un sol que es nuevo y distinto cada día (…) No eches raíces, no te establezcas. Cambia a menudo de lugar, lleva una vida nómada, renueva cada día tus expectativas (…) Te equivocas si piensas que la dicha procede sólo o en su mayor parte de las relaciones humanas. Dios la ha puesto por doquier. Se encuentra en todas y cada una de las cosas que podemos experimentar. Sólo tenemos que ser valientes, rebelarnos contra nuestro estilo de vida habitual y empezar a vivir al margen de las convenciones (…) Espero que la próxima vez que nos veamos seas un hombre nuevo y hayas acumulado un sinfín de aventuras y experiencias. No lo pienses dos veces. No intentes encontrar justificaciones para aplazarlo. Sólo tienes que salir y hacerlo. Así de simple. Sentirás una gran alegría por haber emprendido un nuevo camino (…)

Después la leyenda.

Sobre McCandless se ha dicho y escrito mucho, pero también es cierto que toda su vida es un gran misterio. ¿Por qué ese existir tan extremo? ¿Por qué no intentó pedir ayuda? ¿Por qué se quedo en el autobús mientras se moría de hambre? Sus motivos, sus aspiraciones, lo que pretendía, su vida después de aquella aventura… se lo llevó consigo.

En este sentido, el libro de Jon Krakauer es un intento por reconstruir sus pasos, intentando arrojar algo de luz en los pasajes menos documentados. Para ello mezcla la narración de sus peripecias con cartas, con su escueto diario escrito en tercera persona en las últimas hojas de una guía de plantas, con pasajes subrayados de los libros que llevó consigo y, sobre todo, con los testimonios de esos amigos que dejó por el camino y los familiares para los que parecía casi un desconocido.

Sin duda, la figura de Chris McCandless es muy controvertida; denostada y glorificada a partes iguales. Pero creo que es justo reconocer que, pese a su aparente insensatez, tuvo el coraje de vivir de acuerdo como creía y que, aunque sus consecuencias fueron trágicas, fue capaz de difundir su mensaje, de hacerlo eterno y global, en una historia, su propia historia, tan particular y trágica, que logra conmover y agitar conciencias.

Fue capaz de hacernos ver que hay otra forma de vivir, en unos tiempos en que todos hacemos lo mismo, en que vamos a los mismos sitios, como borregos.

Todo este coctel sirvió también a Sean Penn para dirigir su cuarta película ‘Into the Wild’, de 2007, y protagonizada por Emile Hirsch. Todo un éxito de crítica y público que acercó la figura de McCandless al gran público y lo convirtió prácticamente en una leyenda.

Hacia rutas salvajes
Jon Krakauer
Barcelona: Ediciones B, 2009.
Zeta Bolsillo; 139. 188 p.
ISBN: 84-96778-74-0

Entrevista a Copiloto

2011-05-05T09:28:00.000+02:00

Javier Almazán, más y mejor conocido como Copiloto, es uno de los músicos más prolíficos e inquietos de la escena pop nacional. Con dos maravillosos discos y un fantástico EP a sus espaldas, el oscense acaba de publicar su tercer LP esta misma semana, El inicio, el desencanto y el círculo de confianza, once nuevas canciones en las que demuestra la buena forma en la que se encuentra. En SextoHombreDigital, fans del aragonés como somos, teníamos muchas ganas de hablar con Javier, y aquí os presentamos una entrevista en la que hablamos largo y tendido sobre su carrera, su nuevo disco, sueños... Pasen y lean;

- Para no faltar a la costumbre; antes de nada, ¿quién es Copiloto?. ¿Cómo te presentarías ante la gente que no te conoce?

Soy un tipo al que le encanta escuchar música y que intenta hacer las mejores canciones de las que es capaz.

- Una obligada; ¿Por qué Copiloto? ¿De dónde viene el nombre?

Siempre es complicado elegir un nombre y, aunque soy un solista, no me apetecía presentarme con mi nombre y apellido. Primero fue la canción "Copiloto" y de allí, el nombre. No se me ocurrió otro mejor y me estaba empezando a agobiar.

- ¿A qué edad te diste cuenta de que querías dedicarte a esto? ¿Cómo fue tu primer contacto con la música?

A los 13 años, durante un verano. En el pueblo donde pasaba las vacaciones había un chico que había tocado la batería en un grupo (a esa edad, entonces, que alguien tuviera una batería o un bajo, te parecía alucinante) y la tenía en una casona. Nos juntábamos con otro que tocaba el bajo, otro la batería y bueno, yo no sabía tocar nada y cantaba un poco. Cantaba lo que ellos sabían tocar. Cosas de Loquillo, de Police... cosas así...
Pero creo que desde los 12 años ya tenía esa idea.

- El que presentas es tu cuarto disco como Copiloto; ¿qué ha cambiado desde que publicaras el primero?

En realidad es el tercer LP (el otro es un EP, "Ignatius EP").
Ha cambiado mucho la industria y "lo indie", pero sobre todo ha cambiado mi visión de todo esto. De todo lo que me rodea. Mi punto de vista y mi opinión han cambiado muchísimo. Pasé mi momento de desencanto y ahora estoy renovado.

"Me cuesta creer que si te dedicas en exclusiva a la música, no se pueda grabar un disco al año. Supongo que el ritmo general lo marcan los intereses económicos y el mercado pero, joder, en su primer año como grupo, los Beach Boys sacaron ¡¡cuatro LPs!! Si yo pudiera vivir de esto, no me sacarían del estudio más que para tocar por ahí".

- Teniendo en cuenta el estado actual de la industria discográfica, tu media es de un disco por año; ¿es algo que te has propuesto o la necesidad por ir grabando todos los temas que compones?

Un poco las dos cosas. No sé qué haré en el futuro, quizás pare un poco, no sé. Pero me cuesta creer que si te dedicas en exclusiva a la música, no se pueda grabar un disco al año. Supongo que el ritmo general lo marcan los intereses económicos y el mercado pero, joder, en su primer año como grupo, los Beach Boys sacaron ¡¡cuatro LPs!! ¡¡¡Cuatro!!! Si yo pudiera vivir de ésto, no me sacarían del estudio más que para tocar por ahí. No sé si la calidad se resentiría pero la cantidad de canciones que grabaría, ¡¡¡la de horas que echaría!!!

- Vayamos al lío; ¿Qué vamos a encontrarnos en “El inicio, el desencanto y el círculo de confianza"?

Un disco de pop con arreglos, melodías, coros y un espíritu más realista e irónico que en mis anteriores discos. Suena a frase hecha pero lo digo convencidísimo: Es mi mejor disco con diferencia.

"Si consigues reconocer y aceptar tus limitaciones y las de los que te rodean, ahí, es cuando todo empieza de verdad a ser auténtico."

- ¿De dónde viene el título del disco?

Habla de mí y de la evolución personal de la que te hablaba. En el inicio es todo ilusión, quizás te pasas de ilusión, yo creo que me pasé. Del primer disco al segundo fue todo tan rápido que no me paré a plantearme qué estaba ocurriendo ni de qué iba todo el rollo. Cuando frené y miré a mi alrededor, todos esos trajes nuevos del emperador, todas esas franquicias, todo lo que me había creído y no era verdad... me desilusioné hasta el punto de plantearme si dejarlo. Y cuando estaba a punto, volví a descubrir la verdadera razón por la que me metí en esto; para hacer canciones, tocarlas y grabarlas conla gente con la que disfruto. Y ya está. El resto es superfluo. O no depende de ti o es cuestión de suerte o de asuntos en los que no me apetece meterme porque tengo cosas más importantes que hacer (como escribir, tocar y grabar) Si consigues reconocer y aceptar tus limitaciones y las de los que te rodean, ahí, es cuando todo empieza de verdad a ser auténtico. Estar tú y un círculo de gente con la que tienes confianza, estás a gusto. Por eso a la banda la hemos llamado "El círculo de confianza". Disfrutar de la intimidad de la habitación donde se compone, de los ensayos, del estudio... Lo que sustenta todo.
En fin, es un poco zen. Tendré que inventarme una explicación más mundana o más cool. Pero ahora sólo se me ha ocurrido contarte la verdad.

- Las canciones del disco, ¿corresponden a una misma etapa de tu vida o no existe conexión alguna entre ellas?

Son todas de la misma época, de un año a esta parte más o menos. No he "rescatado" ninguna. Con la banda trabajamos en algunas canciones "viejas" pero, aunque estaban bien, estaban fuera de lugar en este disco.

- Como bien sabes, vivimos en una sociedad en la que todo, absolutamente todo, parece necesitar una etiqueta, así que, ¿cómo catalogarías tu música?

Pop. Lo que me gusta de verdad es llamarla música popular. Que es lo que es. Pero bueno... Decide tú. Pon la que quieras de las dos.

- A la hora de componer, por dónde empiezas, ¿por la música o por la letra?

Hasta hoy, generalmente por la música. Toco ruedas de acordes o riffs y voy canturreando por encima hasta que considero que tengo una melodía más o menos decente. Luego viene lo difícil; encajar la letra en la melodía medio decente. EL problema es que las melodías chulas (al menos en mi opinión) son muy deudoras del inglés. O sea, muchos monosílabos y muchas palabras llanas. Nuestro idioma, tan rico, anda escaso de monosílabos. Por eso, a mí, me resulta más fácil hacer letras en inglés que en castellano. Melódicamente, quiero decir. No quiero que se me malinterprete. Hago canciones en inglés relativamente buenas que destrozo cuando adapto al castellano.

- Con qué instrumento te sientes más cómodo ¿con la guitarra o el piano?.

De momento con la guitarra, pero me estoy poniendo las pilas con el piano. Amplía el abanico de posibilidades. Y compones de manera diferente. Cuando tu profesión (o lo que te gustaría que fuera tu profesión) es hacer canciones, tienes que aprender y mejorar cada día. Formación continuada, lo llaman en los trabajos "de verdad".

- A la hora de tocar, qué prefieres, ¿hacerlo en acústico o acompañado por tu banda?

Hoy por hoy, con banda.

"Que las musas me pillen trabajando. No soy ningún genio. Tengo que estrujarme la cabeza más a menudo de lo que aparento."

- Uno de los temas de tu anterior álbum se llamaba “Moleskine”. ¿Eres de los que siempre lleva una libreta para apuntar lo que se le pueda llegar a ocurrir?

Totalmente. Ese soy yo. Que las musas me pillen trabajando. No soy ningún genio. Tengo que estrujarme la cabeza más a menudo de lo que aparento.

- Una de las canciones que más nos ha gustado de tu nuevo disco es "S.P." ¿Por qué elegiste a Ana Muñoz (Louisiana) para que la cantara contigo?

Bueno, Ana es muy amiga mía y una chica con mucho talento. Me hacía especial ilusión cantar con ella. Nos daba un poco de miedo a los dos que la canción quedara en plan "duet" pero no queríamos que eso nos echara atrás. Creo que lo hemos hecho bastante bien en ese sentido. No hemos hecho gorgoritos ni hemos sobreactuado ja ja ja.
A mí siempre me ha encantado la voz de Ana. Y más, incluso que su voz, su fraseo. Es tan suyo... Es imposible de falsificar. Ana sólo hay una.

- Cambiemos un poco de tema; Qué es Internet para Copiloto, ¿un aliado o un enemigo?

Aliado sin ninguna duda. Tienes que aguantar alguna cosa que no te hace especial gracia pero en general es algo muy bueno.

- ¿Qué opinión tienes de las redes sociales?

Entiendo que te refieres al ámbito de la música (y no al plano sociológico-pedagógico). No tengo ninguna opinión especial. Ni bueno ni malo. Es lo que hay, es el signo de los tiempos. A mí me gustan, las uso muy a menudo a nivel personal y a nivel de estrella del rock.

"Soy un creditófilo. Me encanta saber qué ha tocado quién, quien ha escrito tal música o tal letra, en que estudio se ha grabado, el productor, los técnicos, los agradecimientos..."

- A la hora de consumir música; ¿Cd o vinilo?

Me encantaría decirte que vinilo. De hecho tengo tocadiscos y compro vinilos pero, amigo, a la hora de la verdad soy perezoso y tiro de CD. Lo que sí que hago es el ritual de llegar a casa con el cd, y escucharlo mientras ojeo el libreto, leo las letras, soy un creditófilo. Me encanta saber qué ha tocado quién, quien ha escrito tal música o tal letra, en que estudio se ha grabado, el productor, los técnicos, los agradecimientos... Me lo leo todo.

- ¿Qué haces cuando llegas a casa y dejas de ser Copiloto y te conviertes en Javier Almazan?

Difrutar de mi mujer y de mi hijo. Con el tiempo he aprendido a separar las diferentes parcelas de mi vida y que ninguna se coma a la otra. Antes era un desastre con eso... De todo aprendes... Y sigues aprendiendo.

- Hablemos de gustos musicales; ¿Cuáles dirías que son tus mayores influencias a nivel nacional? ¿Y a nivel internacional?

No se si me han influído pero sí he quemado sus discos de tanto escucharlos:
Nacionales (Me dejo miles)
La Costa Brava, La Granja, el Niño Gusano, Serrat (desde niño, en casa sonaba muy a menudo), los tres primeros de Los Planetas me marcaron profundamente, quizá demasiado. Como a muchos otros, demasiados quizás. Pero es que fueron discazos.

Internacional:
Beatles; EELs; REM; Stone Roses; Suede; Blur; Jesus and Mary Chain; The Smiths; The Lemonheads...

- ¿Cuál es el disco que más estás escuchando estos días? ¿Y la canción que no puedes quitarte de la cabeza?

"Collapse Into Now" de REM.
"EveryDay is yours to win" de ese disco.

"Con tantísima oferta llega un momento en que te bloqueas y vuelves a tus viejos discos como si fueran un refugio seguro. Como cuando viajas y viajas y viajas y sólo quieres volver a casa."

- Cuéntanos; ¿hay algún grupo que hayas descubierto recientemente y nos quieras recomendar?

Soy más de que me descubran grupos a mí. Lo que ocurre es que con tantísima oferta llega un momento en que te bloqueas y vuelves a tus viejos discos como si fueran un refugio seguro. Como cuando viajas y viajas y viajas y sólo quieres volver a casa.

- Tu banda favorita de todos los tiempos;

Beatles.

- El músico o grupo con el que te gustaría compartir escenario;

Cualquiera al que respete.

- Imagina que tu colección de discos empieza a arder y sólo puedes salvar tres; ¿con cuáles te quedarías?

Beatles: "White Album"
EELS: "Blinking Lihgts and other revelations"
REM: "Automatic for the people"

- Una de nuestras favoritas; ¿qué disco escuchas cuando estás solo y sabes que nadie puede verte y escondes cuando tienes visita?

"Bienaventurados" de Serrat. Y lo canto entero con vibratos y acento y todo.

- Para ir terminando, en SextoHombreDigital tenemos la tradición de que cada invitado deje una pregunta “a ciegas” para el siguiente entrevistado. En tu caso, Álex Ferreira dejó ésta para ti; ¿Cambiarías todo lo que sabes por saber la mitad de lo que ignoras?

¡Joder con Alex! Pues creo que no, que no lo cambiaría. Soy de buen conformar.

- ¿Te animas a dejar una?

Sí.
¿Has dicho que te gustaba un disco que, en el fondo, no soportas, porque se supone que debía gustarte? ¿una vez? ¿más de cinco? ¿más de diez?

- Antes de terminar; ¿qué ciudades visitarás en los próximos meses para presentar el disco?

De momento sólo me voy a mojar con los concierto que ya estás cerrados, que son Zaragoza y Madrid. Pero vamos a ir confirmando más próximamente.

- ¿Algún proyecto más entre manos?

Siempre tengo cosas en la cabeza, pero ya hablaremos de ellas cuando sean una realidad.

- Nada más, Javier, ha sido un auténtico placer poder hablar contigo. Un abrazo fuerte, nos vemos en algún concierto.

El placer ha sido mío, de verdad. Nos vemos seguro.
Un abrazo.

Belcos - Las Palabras (2011)

2011-05-04T11:37:00.000+02:00

Desde Pamplona llega la que sin duda ha sido una de las sorpresas musicales más agradables de los últimos meses, el primer trabajo de Belcos, Las Palabras. El músico, un buen conocido de la escena pamplonesa por su trayectoria al frente de otras formaciones, busca ahora la intimidad y el calor de una carrera en solitario, un nuevo camino al que se enfrenta con los bolsillos llenos de canciones y recuerdos. Y es que este primer álbum, si algo tiene, son bellas canciones que se convierten fotografías a color que desprenden el inconfundible olor de la nostalgia y el siempre presente brillo de la esperanza.

Belcos, que ha producido los nueve temas del disco junto a Ion de Luis, firma una notable carta de presentación con este primer álbum, una colección de canciones con espíritu folk, acento americano y esencia pop que lo convierten en un apetecible bocado de algo más de media hora. Las Palabras te conquista desde el primer corte, La vieja estación ("todos los otoños habitan en mí..."), con Por la frontera, el segundo y mi preferido, te enamora, y antes de que puedas darte cuenta es imposible escapar del encanto de Silvia y Semillas de Tabaco o de la fuerza de Fotos. Canciones arregladas con el gusto y el cariño de quien acaricia sus recuerdos.

Las Palabras es un disco en el que el pasado siempre está presente, intentando arañar la memoria. Belcos mira siempre hacia delante, pero nunca pierde de vista lo que ha ido dejando atrás. Un bonito disco que demuestra lo que muchos sabemos; la nostalgia, bien entendida, siempre es bella.

Podéis escuchar el disco de Belcos desde su Bandcamp.

Historias para no romperse - Cyan (2011)

2011-05-03T09:00:00.002+02:00

Paso de gigante!

Una de las propuestas atractivas que nos trae este 2011, en cuanto a música nacional se refiere, es el nuevo proyecto del grupo catalán Cyan.

Historias para no romperse, es el segundo trabajo de este quinteto barcelonés, formado por Javi Fernández, Gorka Dresbaj, Jordi Navarro, Sebastián Limongi y Antonio Lara. Ellos cinco, han sido los encargados de auto producir su trabajo, contado eso sí, con la inestimable colaboración del pianista de Jazz José Reinoso, en la producción, que dicho sea de paso, consigue abrir un abanico sónico, y dotar a cada corte de un aura especial !

Cyan consigue dar un paso de gigante con respecto a su álbum homónimo, con estas diez historias para no romperse. Diez canciones, en las que conjugan a la perfección el pop vital, alegre, fresco; con el rock contundente y enérgico. Parece evidente que buscaban un equilibrio entre la sensibilidad de sus medios tiempos (más acústicos y melódicos), y la energía que desprenden esos cortes a los que inyectan tintes electrónicos.

Han experimentado con nuevos sonidos, entremezclando la electrónica con instrumentos clásicos, como pianos, trompetas, violonchelos, o incluso bandolones. Han otorgado la importancia que merecen a las guitarras, que llevan el peso de muchas de las canciones (tanto eléctricas, como acústicas). Han cuidado los ritmos y las percusiones. Y han mimado y cuidado sobremanera, la gran voz de Javi Fernández (que en ocasiones recuerda a la de Marcos de Vinodelfin). Si a todo esto le sumas unas letras cercanas y accesibles, que nos acercan a la niñez, para luego devolvernos a la cruda realidad, donde se esfuma la inocencia...

Lo dicho, un paso de gigante en su carrera, y una propuesta musical más que atractiva, la que presentan estos catalanes, a los que habrá que seguir de cerca! Cyan!

Pd.- Gracias a Carlos Bosch! ;)

Supersubmarina en el Bribay Jazz Club de Logroño

2011-05-02T11:22:00.000+02:00

De un tiempo a esta parte, Logroño ha decidido ser una ciudad que lucha por mantener una intereante actividad musical. Gracias sobre todo al impulso de un festival de prestigio como el Actual y a ciclos como Catarsis, los promotores y las salas de la zona se han dado cuenta que el de la capital de La Rioja es un público que siempre responde, más aún si le pones sobre la mesa una propuesta de primer nivel, y por ello han decidido convertir la ciudad en una parada obligatoria para muchas de esas giras que antes sólo miraban hacia aquí de reojo. Hace un par de años habría sido imposible imaginar a una de las bandas del momento tocando en una sala de Logroño, pero, gracias a a esta inercia de la que os hablaba, la semana pasada disfrutamos del directo de uno de los grupos con más proyección del país, Supersubmarina, que vinieron para presentar su exitoso álbum de debut, Electroviral.

El Biribay Jazz Club, una vez más, presentaba el aspecto de las grandes noches, rozando el lleno con un público entre el que se podía ver un buen número de jovenzuelas con la mayoría de edad recién estrenada, los habituales de los conciertos, bastante gente madura y, cómo no, los más modernos de la ciudad. La primera visita de los muchachos de Baeza había despertado más interés de lo que el día (jueves) y la fecha (vacaciones) invitaban a pensar, y los andaluces no se hicieron esperar demasiado e irrumpieron en el escenario entre el aplauso feroz de un público que les tenía muchísimas ganas.

La verdad es que siempre que vas a ver el directo de un grupo por primera vez acudes condicionado por lo que te ha contado, has leído o escuchado sobre su directo, y en este caso me presenté en el Biribay con distintas referencias. Por un lado, me habían dicho que tenían un directo vibrante y divertido, pero también, he de ser sincero, me habían contado que las diferencias entre el sonido del disco y el directo eran grandes, y que les faltaban muchos detalles por pulir sobre el escenario. La única manera de formar una opinión propia, cómo no, era abrir bien los oídos y dejarse llevar por esa magia electroviral que tanto consiguió engancharme a su primer y de momento único disco publicado.

Como decía, irrumpieron en el escenario con poco retraso y Jose, Jaime, Pope y Juancha comenzaron a sacarle brillo a sus respectivos instrumentos. Las dos primeras canciones transcurrieron entre algo de confusión, y es que debido a un problema técnico apenas se podía distinguir la voz de Jose entre golpes de guitarra, bajo y batería. Solucionaron el problema, sonó Niebla y el concierto arrancó de verdad entre la expectación de un público que rozaba la sobre excitación. Los de Baeza, empujados por el calor de una sala sedienta de pop, tiraron de repertorio, y ahí es donde está su fuerte. Electroviral es un disco con un buen puñado de hits potenciales, y los hicieron funcionar de una manera muy efectiva. LN Granada, Eléctrico, Supersubmarina, Ola de Calor, Ana, Cientocero, Elástica Galáctica, XXI y demás temazos del disco iban desfilando ante nuestros ojos sin apenas darnos un momento de respiro, y daba la sensacón de que a medida que el tiempo iba pasando, ellos se sentían más cómodos y se hacían más fuertes sobre las tablas.

Pero, que nadie se equivoque, el concierto no fue una simple presentación de su primer disco; los Supersubmarina hicieron un guiño a los fans de más recorrido con No es así y OCB , y además nos presentaron algunas de las canciones que incluirán en su inminente nuevo EP recientemente grabado en Barcelona como Kevin McAllister o Destrozar, que mantienen la esencia del grupo y funcionaron a la perfección en directo. El público respindió a lo grande y sudamos, bailamos y cantamos con ellos tanto que, en ocasiones, costaba esfuerzo escuchar la voz de Jose, sepultada como estaba entre berridos varios (los míos incluídos, por supuesto) y suspiros adolescentes.

El concierto finalizó después de hora y media, con el público empapado en sudor y pidiendo más a los músicos de Baeza, que lo dieron absolutamente todo sobre el escenario. Se mostraron simpáticos, cercanos y accesibles, y dejaron una gran impresión entre la gente que acudió a verlos. Como he dicho, tienen el material necesario para convertir cada uno de sus conciertos en un incendio, y personalmente los vi en un excelente estado de forma para afrontar la temporada de festivales que se les viene encima.

Un concierto intenso, y una muy buena primera impresión, para qué mentir. Qué decir, a mí ya me han convencido, ¿a vosotros?

7 meses en la caseta del perro - full (2011)

2011-04-29T13:41:00.002+02:00

Buena carta de presentación

Desde luego, a originales no les gana nadie! Hablamos del título elegido por los sevillanos Full, para su puesta de largo y presentación en sociedad. 7 meses en la caseta del perro, es el curioso título del primer Ep, de este quinteto andaluz, al que habrá que seguir de cerca.

Pero más allá de la originalidad del título, 7 meses en la caseta del perro, nos presenta a una banda seria, curtida, con estilo propio y con un sonido redondo adquirido con el paso de los años.

Y es que aunque lancen ahora su primer Ep, full -otrora La Fábrica-, llevan tiempo trabajándoselo sobre los escenarios. Precisamente de la búsqueda de ese nuevo sonido, surgió esta nueva formación, con mismos integrantes, pero con nuevo concepto e identidad.

El resultado, 5 enérgicas canciones, llenas de vitalidad y de energía, con acertados medios tiempos. 5 Canciones, que desprenden luz y color. Aire fresco para el indie nacional, con ritmos poperos que resultan cercanos y tintes rockeros que desprenden buen rollo. Letras accesibles, melodías pegadizas, buena instrumentación y una gran voz, es la carta de presentación de este grupo al que habrá que seguir de cerca.

Miguel Campello - Chatarrero (2011)

2011-04-28T09:54:00.000+02:00

Elbicho se para, no se separa. O eso dicen sus componentes. De momento, su líder y vocalista Miguel Campello se lanza al ruedo en solitario con Chatarrero, un disco que podría ser una evolución natural de la banda más allá de quien lo firme.

Elbicho partía del flamenco para acariciar el rock progresivo, el reggae o el swing, todo con un toque festivo. En Chatarrero, partiendo del mismo punto, Miguel se acerca a ritmos pop/rock más sosegados sin dejar de lado la experimentación marca de la casa. La producción a cargo de Tino di Geraldo y Guillermo Quero es impecable.

Temas llenos de sentimiento como Hojas de papel, De la Elvira o Calavera se mezclan con temas algo más luminosos como Caracol, Por los rincones o No me preguntes. Excelente y embaucadora la canción que da nombre al disco.

Pero más allá de matices estilísticos, la voz de Campello siempre ha sido el signo inconfundible de su grupo, una de las más personales y cautivadoras del panorama actual. Y eso es lo que invita a escuchar una y otra vez esta colección de adictivas canciones.

Un trabajo personal y casi artesanal, como bien demuestra el diseño o el DVD que acompaña al disco, con un videoclip por cada una de las 11 canciones que lo componen.

"Chatarrero"

Second - Demasiado soñadores (2011)

2011-04-27T09:20:00.000+02:00

Segundo disco totalmente en castellano de la formación murciana con el que pretenden consolidarse definitivamente como una de las bandas más cool de la escena electro-pop-rock.

Y ese parece ser el mayor problema, que con tanta dispersión uno no sabe dónde colocarlos, y por ello siguen situados en una zona de nadie que les impide dar ese salto definitivo a un público más masivo, que es lo que su música y su actitud pide a gritos.

El eterno dilema entre la independencia y el mainstream. El disco trata de contentar al público de ambos lados de la línea en la que habitan: cortes guitarreros de corte indie clásico, fundamentalmente medios tiempos, se mezclan con temas enfocados claramente a las pistas de baile como un pupurrí entre Phoenix, Bloc Party y los Arcade Fire más festivos.

Tampoco se trata de ninguna novedad, porque es algo que les ha caracterizado desde sus comienzos y que se hizo más latente en su anterior disco, el exitoso Fracciones de un segundo, con dos claros bloques diferenciados: pepinazos y melosos medios tiempos. En Demasiado soñadores nos encontramos ante un buen disco, pero lejos del nivel de composiciones como Rincón exquisito, Más suerte o Conocerte. La línea continuista quizás resta el factor sorpresa que nos encontramos en 2009.

Aún así, temas como Autodestructivos, Muérdeme o Prototipo lo tienen todo para ser auténticos éxitos de estadio, al fin y al cabo Second son un grupo de directo. Pero yo me quedo con su parte más intimista, que la tienen: la belleza de En pequeñas cosas y la sobria y perfecta N.A.D.A, uno de los mejores temas de su carrera.

"N.A.D.A."

Iván Ferreiro en las Bodegas Olarra de Logroño

2011-04-26T09:23:00.000+02:00

Desde que hace unos meses el Ayuntamiento de Logroño anunciara el programa del Ciclo Catarsis de esta temporada, éramos muchos los que teníamos señalado el día 16 de abril en nuestros calendarios, y es que el gran Iván Ferreiro, después de años y años, por fin visitaba la ciudad. No fue tan fácil, sin embargo; al tratarse de un Ciclo especial que pretende fundir dos artes como el mundo del vino y la música, el concierto contaba con un limitadísimo aforo de 110 personas, y las -pocas- entradas que se pusieron a la venta (algo más de la mitad) volaron en pocos minutos, dejando a muchísimos fans del gallego sin ocasión de disfrutar de su show, en el cual, por cierto muchos de los presentes ni siquiera sabían quién era el tipo bajito sentado al piano que se disponía a tocar. En SextoHombreDigital apuramos hasta el último momento, pero finalmente tuvimos la suerte de entrar, y esto es lo que sucedió...

Llegamos al bonito e impresionante salón de actos de las Bodegas Olarra, un bonito lugar que adecuaron como improvisada sala de conciertos. Iván no se hizo esperar y apareció puntual, acompañado únicamente de su inseparable hermano Amaro y Emilio Saiz, otro de sus fieles guitarristas. En este formato de trío, con Iván sentado al teclado y una mano siempre atenta a la cajita de bases programadas, los tres músicos ofrecieron un divertido concierto que empezó algo frío pero se fue calentando a medida que ellos se iban sintiendo cómodos y las copas de vino iban cayendo una detrás de otra.

Seguramente, si entre los asistentes se encontrara algún crítico musical quisquilloso, diría que el concierto tuvo varios fallos técnicos y alguna que otra confusión, pero creo que mentiría si dijera que los que estuvimos allí no lo pasamos en grande. Iván tiró de simpatía, repertorio y voz (¡qué voz!) y el público respondió a lo grande, acompañándole en cada estribillo, aplaudiendo a rabiar cada vez que había ocasión, dándole a Iván y los suyos el calor de una bienvenida que tanto habíamos deseado ofrecerle.

Iván, lejos de dedicarse a presentar su último trabajo, fue intercambiando canciones de sus cuatro discos en solitario, siempre bien acompañado por las guitarras de Amaro y Emilio, que también disfrutaron de lo lindo, intercambiando constantemente miradas y sonrisas cómplices, haciendo ver que estaban disfrutando de un concierto distinto a lo habitual. Los mejores momentos, en mi humilde opinión, llegaron de la mano de Farenheit 451, Toda la verdad, El Viaje de Chihiro, Turnedo y SPNB (celebradísimas ambas) y, sobre todo, de Promesas, Años 80, "M" y El equilibrio es imposible, canciones de Los Piratas que interpretó en solitario al piano y consiguieron emocionarnos a todos.

Iván, Amaro y Emilio se saltaron el protocolo que marca una hora exacta de concierto y lo alargaron más de media hora, señal inequívoca de lo mucho que estaban disfrutando, y de lo bien que el público estaba respondiendo. Cuando finalmente se despidieron, se llevaron la merecidísima y atronadora ovación de un público siempre fiel a uno de los músicos más importantes del pop español de las últimas décadas, y volvimos a casa con la sensación de que habrán dado decenas de conciertos mejores, sí, pero el buen ambiente que se respiró, la complicidad y la intimidad que se dieron en las Bodegas Olarra, lo compensa todo. Disfrutamos nosotros y disfrutaron ellos, y eso es algo que siempre se agradece. Esperemos que vuelvan pronto, ya se les echa de menos...

Set List

1. La Jeteé

2. Me toca tirar

3. Extrema Pobreza

4. Ciudadano A

5. Farenheit 451

6. Paraísos Perdidos

7. Canciones para el tiempo y la distancia

8. Toda la verdad

9. Jet Lag

10. De mí un pandero

11. El Viaje de Chihiro

12. Mi Furia Paranoica

13. "M"

14. Años 80

15. SPNB

16. Turnedo

17. NY

18. Días Azules

19. Piensa en Frío

20. Promesas

21. El Equilibrio es Imposible

De privilegios, magia y otras cosas así

2011-04-25T09:15:00.000+02:00

Tuvimos la inmensa suerte de acompañar a Fabián en su mini-gira por el levante español, con conciertos en la Sala Matisse de Valencia, en la Cafetería Ítaca de Murcia y en El Varadero de Gandía. En todos ellos estuvo inmejorablemente secundado por el gran Manolo Tarancón, con el que fabricó momentos mágicos sobre el escenario.

Cuando uno ve al leonés sobre las tablas, tiene la sensación de ser un privilegiado. La música de Fabián va sumando adeptos de uno en uno, y mientras tanto, los demás lo disfrutamos en formatos íntimos y tan cercanos que cada nota y cada palabra erizan la piel.

La primera etapa de nuestro viaje fue en Valencia, en la sala Matisse. Ante unos 30 privilegiados, su guitarra y su voz fueron suficientes para impregnar a los asistentes con las cenizas de ese incendio que nos venía a presentar. De su nuevo álbum sonaron Piedras, Nieve en el tejado, Después del incendio, una casi irreconocible Planes, auténticos planes o Diecisiete, una de las más solicitadas y celebradas. No faltaron algunas de las que ya podemos denominar clásicos en su repertorio: Páginas tuyas, Como los gatos, Lugares, Apenas, Atardeceres o Palabras raras. Como broche, Pequeño decimal con Manolo Tarancón y la preciosa Cómo me acuerdo de ti, del repertorio del valenciano.

Nuestra segunda estación pasaba por Murcia. Dicen que ese día hubo partido. Un Barça-Madrid o algo así. Otra veintena de privilegiados supimos escoger en la escala de importancia y disfrutamos de quizá, el mejor concierto de los 3 que tuvimos la ocasión de presenciar. Un setlist similar, pero con un sonido mucho mejor al de la noche anterior que nos acercó un poco más si cabe, al particular universo del leonés. Además de Manolo Tarancón, Carlos Madrid fue el otro invitado especial de la noche, que subió a darle su toque personal a Palabras raras. Casi hora y media de buena música, la cerró el protagonista con una emocionante interpretación de Triunfadores, tema dedicado a sus padres y que cerraba el ya lejano disco debut, Espera a la primavera.

La meta de nuestro particular tour estaba situada en Gandía, en El Varadero. Enmarcado dentro del ciclo Gandiautor 2011, abrió fuego Manolo Tarancón con un concierto de algo más de 40 minutos, en el que repasó algunos de los temas más representativos de su carrera. Sonaron Vendaval, Súper 8, Música fácil o Dos días de tregua. Especialmente feliz me hizo escuchar Postre americano, una de mis favoritas de su cancionero. Concierto corto pero intenso, probablemente de los mejores que le recuerdo al valenciano. Qué mejor manera de enlazar su concierto con el de Fabián que interpretando de nuevo a dúo Como me acuerdo de ti, que sonó soberbia una vez más.

Similar en minutaje e intensidad al concierto de Manolo, Fabián desgranó algunos de sus mejores temas ante una audiencia selecta pero entregada. Calles de arena, Adiós tormenta, Dos violetas, La huida y de nuevo con Manolo, Pequeño decimal y Triunfadores, con la que lograron emocionarnos recordando la primera vez que tuvimos ocasión de verles en directo, en el mismo lugar y con la misma magia.

"Cómo me acuerdo de ti"
Sala Matisse, Valencia

"No estás hecha para mí"
Cafetería Ítaca, Murcia

Pájaro Sunrise en directo

2011-04-20T08:54:00.004+02:00

Pájaro vuelve al norte!

14 y 15 de abril eran las fechas marcadas en rojo en el calendario. Días en los que Pájaro Sunrise, presentaba su último álbum, Old Goodbyes, por el norte. Jueves, San Sebastián. Viernes, Bilbao.

Así que nos dividimos. Sextohombredigital, mandó una representación el jueves hasta el Altxerri donostiarra, y el viernes al Cotton Club bilbaíno.

Hoy, contamos cómo se vivió el esperadísimo concierto de Donosti, y mostraremos (con vídeos) lo bien que sonaron en Bilbao...

Jueves 14 de Abril.

En San Sebastián, se veía venir. La ciudad respiraba intranquila, ante el regreso de los triunfadores de la pasada edición del Festival de Jazz. Y el resultado no se hizo esperar: Cartel de "No hay billetes" luciendo en la puerta, desde horas antes!

Abrió el concierto el talentoso grupo local, Siete C, al que se le augura un buen futuro, por lo poco que pudimos ver de su directo! Tras ellos, subían a la tarima 4 de los seis componentes de Pájaro Sunrise: Yuri Méndez, acompañado por su guitarra y su portentosa voz; Ester Rodríguez, con su xilófono y sus maravillosos coros; Pedro Lópeh, con esa prolongación de su cuerpo llamada acordeón y Javier Jiménez, con su exquisita sensibilidad musical para hacer "gemir" su violín.

A partir de ahí, comenzó la magia. Comenzó ese sueño del que uno nunca quiere despertar. Comenzaron los primeros acordes de Salt & Spoon, para deleite de los allí presentes; y con ella, un chorreo continuo de sensibilidad y belleza en forma de canciones, inundaron la sala. Belleza a raudales, como la que desprenden las magníficas Song for Evangeline, Ribbon o Done. Dejan sin respiración temas brillantemente interpretados en solitario por Yuri Méndez, como Old Goodbyes, I don´t want to love you no more, o I am done making fun of myself.
Gozamos sobremanera con canciones llenas de vida, que bordan al interpretar los cuatro juntos, como Beggar/Lover o Young & free; al igual que con las geniales improvisaciones de temas propios como November, o de otros autores, como el gran Jesus etc, de Wilco.

Antes de poner el punto y final al concierto, Pedro y Javi (Barrunto Bellota Band), hicieron enmudecer a la abarrotada sala, interpretando una maravilla de canción tradicional del pueblo gitano en los balcanes, llamada Ederlezi. Broche de oro para poner punto y seguido a un concierto brillante e inolvidable.

Punto y Seguido, porque el Pájaro pronto volverá a sobrevolar tierras vascas. Así lo anunció en su concierto. Será en San Sebastián en el mes de Junio, cuando volvamos a verlos en directo, con otro concierto de altos vuelos!

Vídeos enlazados en títulos: Concierto de Bilbao (Mikelón)
Foto: Concierto Donosti (Facebook).

La Porra del Clásico II

2011-04-19T13:36:00.000+02:00

Amigos, se acabó el primer Clásico, con un triste empate a uno como todos bien sabéis. Después de tanto esperarlo, el partido resultó intenso y luchado, pero creo que todos esperábamos más de un duelo decisivo como el del Bernabeú, en el que, al final, ambos equipos parecieron dar por bueno el empate. De todos modos, esta sólo era la primera etapa de una serie de encuentros a vida o muerte que mañana mismo tendrá un nuevo capítulo; la final de la Copa del Rey. Mañana, durante 90 minutos, el Barça y el Real Madrid volverán a verse las caras, esta vez en un estadio neutral - Mestalla- con la intención de levantar un trofeo que los blancos llevan sin ganar 17 años y los culés pretenden llevarse para aumentar su distancia como dueños indiscutibles de esta competición. El espectáculo está servido y, éste sí, tiene pinta de ser el partido del Siglo, ¿defraudará?. No lo creemos.

Después de que oramalaC se llevara la porra (¡enhorabuena!) al acertar el empate a uno que se dio en el Santiago Bernabéu, en SextoHombreDigital queremos seguir jugando con vosotros, y para ello os proponemos una nueva porra. La manera de jugar es la misma; quien acierte el resultado gana, y como no vale repetir resultado, el que primero lo publique en comentarios se lo queda. El premio también es el mismo; un disco, a gusto del ganador. ¡Jueguen, jueguen!.

La Biblioteca: Retratos, Truman Capote

2011-04-18T09:58:00.000+02:00

Truman Capote conoció de primera mano las dos caras del éxito. Durante mucho tiempo se movió entre la flor y nata de la sociedad de la época. No había fiesta o sarao en el que él no estuviera presente, apoderándose de ella con su ingenio, locuacidad y su puntito de mala hostia. Podríamos decir, sin lugar a dudas, que era el alma de cualquier fiesta. Pero nada es eterno. La publicación de ‘A sangre fría’ en 1965 cambió su suerte. Capote nunca se recuperó de esa experiencia y quedó marcado de por vida. A partir de ahí: excesos, adicciones y olvido. Apenas escribió nada más en una cuesta abajo que le llevó a dejar este mundo antes de tiempo. Pero antes del fin dejó un puñado de obras maestras eternas, tanto en formato largo como en corto, que nunca envejecerán, que, al contrario que su autor, nunca caerán el olvido.

En ‘Retratos’ nos encontramos con una recopilación de piezas, más o menos breves, más o menos agudas, que hizo Capote a lo largo de su vida de personajes de primer nivel del mundo del cine, la literatura, del arte y de la sociedad de su época. Estos escritos dispersos -el primero data de 1956 y el último de 1983- se encuentran a medio camino entre la semblanza y el chismorreo, pero llevando siempre impreso el estilo del que era portador Capote, convirtiendo momentos banales y anécdotas insustanciales en verdaderas obras de arte.

La ‘primera parte’ del libro está compuesto por una serie de seis artículos, los más amplios y personales de todo el libro.

A Jane Bowles, la autora de ‘Dos damas muy serias’, y a Cecil Beaton, todo un talento con una cámara de fotos en la mano, los describe como dos almas errantes, de vida atípica y nómada. En ‘El duque en sus dominios’, describe la vida de Marlon Brando en Kyoto, donde protagoniza la película ‘Sayonara’. Bajo su afilada pluma, Brando aparece como un hombre complejo, sensible e intenso que se refugia en sí mismo -y en la filosofía zen y budista- y que no deja que nadie se acerque a él. Elizabeth Taylor, recientemente desaparecida, se convierte en el «sueño de un presidiario» amparada por esos míticos ojos color lila que han marcado toda una época (aquí no es muy original que digamos). Con ella habla de amigos comunes, como el malogrado actor Montgomery Clift, y es testigo de momentos tortuosos en su relación con Richard Burton, llena de peleas suicidas en un matrimonio tan pasional como destructivo.

Sin embargo, son en los retratos que hace de sus amigos Tennesse Williams y de Marilyn Monroe donde Capote despliega parte de su maestría, creando los capítulos, a mí entender, más perfectos y hermosos de todo el libro.

Marilyn, un ser a punto de quebrarse, y Capote quedan en el funeral de una amiga común. Marilyn llega tarde, como siempre, y se ven obligados a sentarse en la última fila. Durante las exequias, ambos mantienen una conversación, a ratos profunda, hilarante por momentos, donde mezclan secretos y amantes por doquier. En un momento de la misma, Marilyn preguntará a Capote cómo la describiría. Pillado por sorpresa, Truman no sabe qué contestar. Será tiempo después, en un muelle donde están dando una vuelta, con la silueta de Brooklyn recortando el horizonte, cuando por fin encuentre la respuesta: «una adorable criatura.»

Truman y Tennesse Williams fueron grandes amigos, con sus altibajos, hasta la muerte de Williams. Sus últimos años fueron muy malos, agravados por la muerte de su pareja y convertidos en una espiral de sexo, alcohol y drogas. Pero Truman prefiere recordarle en sus buenos tiempos, cuando sus obras teatrales, como ‘Un tranvía llamado deseo’ triunfaban en los teatros de Nueva York.

“Pero al recordar ahora a Tennesse, pienso en los buenos tiempos, en los momentos divertidos. Era una persona que, a pesar de su tristeza interior, jamás dejaba de reír. Poseía una risa extraordinaria. No era ni tosca ni vulgar ni especialmente fuerte; simplemente, tenía un asombroso tono ronco de lugareño del Mississippi. Resulta fácil distinguir cuándo había entrado en una habitación, por mucha gente que hubiera en ella.”

’Observations’ es la segunda, y última, parte del libro y fue publicada originalmente por la editorial neoyorquina Simon and Schuster en 1959. El proyecto surgió de la colaboración entre el fotógrafo Richard Avedon y el propio Capote. En esta parte, las reseñas son mucho más breves y sirven de comentario a las fotografías que poblaban su edición original. Lástima que esas fotos hayan desaparecido de la edición española. Todo una pena porque habrían enriquecido mucho más el texto. Para los que tengáis curiosidad, podéis entrar en la página de Avedon (www.richardavedon.com), en Archive/Portraits y ver esas fotos, junto a muchas otras. Os lo aseguro, merece la pena dedicarlas un tiempo.

Volvamos al libro. En este conjunto, desfilan retratados, bajo la pluma y bajo el objetivo, personalidades del todo dispares, como la del propio Avedon, paranoico en su perfeccionismo; John Huston; un cada vez más hastiado Chaplin; Coco Chanel; un poco inspirado Marcel Duchamp; Mae West, como un mito sexual extrañamente insegura; Humphrey Bogart, todo un moralista militante (¡¿?!); el escritor William Somerset Maugham; otro escritor, Erza Pound, un «loco incurable», cuyas ideas fascistas le condujeron a la cárcel y a su posterior auto-exilio o esa figura que todo lo eclipsaba: Picasso.

Para el final dejo los tres retratos que más me han gustado de todo este conjunto, como el de la extraña pareja formada por los escritores franceses Jean Cocteau -«un anciano niño terrible»- y André Gide -«un moralista inmoral»-, donde ninguno de los dos se soportaba. A Louis Armstrong le conoció siendo Truman un niño y recuerda el dúo que formaron un verano para entretener a los turistas en un barco que surcaba el Mississippi. Y el más entrañable, dedicado a Isak Dinesen, la autora de `Lejos de África`, novela que fue la base de la película `Memorias de África`. Una mujer que rompió moldes: aventurera, cazadora, amante… y ahora, ya en su vejez, tan frágil y minúscula que parece a punto de romperse, pero que, como en su juventud, continuaba enganchada a la vida, exprimiéndola con ambas manos.

En resumidas cuentas, `Retratos` no esta hecho sólo para melómanos; nada de eso, este libro es otra forma de acercarse a la vida y milagros de grandes personajes de la mano de uno de los mejores escritores norteamericanos de su generación. Otra forma de contar sus grandes aciertos, y también sus pequeñas miserias.

Vidas de famosos, al fin y al cabo. Pero, ojo, aquí los famosos si eran famosos por algo. Escribiendo esta reseña, me he dado cuenta. Joder, Truman, cuánto echo de menos tu lucidez en estos tiempos de campanarios y estébanes. Perra vida.

Truman Capote, fotografiado por Richard Avedon.
Nueva York. 10 de octubre de 1955

Retratos
Truman Capote
Traducciones de Mauricio Bach, Francesc Roca y Benito Gómez Ibáñez
Barcelona: Anagrama, 2006
Compactos; 239. 163 p.
ISBN: 84-339-6670-4

Mission Bell - Amos Lee (2011)

2011-04-15T09:22:00.000+02:00

Apunten, apunten!

Tomen papel y lápiz, que ahí va otro de los discos del año, o de los últimos años, que no hay que perderse! Y es que vaya genialidad de álbum se ha sacado de la manga el señor Lee.

Cuarto álbum de Amos Lee. Cuarta joya publicada. Pero me atrevo a decir que este Mission Bell, es sin duda el mejor de todos. Está por encima del resto, incluso supera a su ópera prima! Y es que Amos se ha tomado a conciencia este álbum. Se ha asociado con un productor de la talla de Joey Burns (Calexico), casi nada! Ha contado con los grandes músicos que componen su banda, y por si esto fuera poco, se ha permitido el lujo de contar con colaboraciones estelares, como las de Sam Beam (Iron & Wine), Lucinda Williams, Willie Nelson...

Una bestialidad de álbum 100% recomendable. Y es que aunque en nuestro país Amos Lee, sea un auténtico desconocido, este hombre tiene una de las voces más privilegiadas del panorama musical, y una clase para componer e interpretar, fuera de lo común! Aturde el álma que le pone a sus interpretaciones el mejor representante del soul contemporáneo. Su fusión del mejor folk con el Soul, el R&B, y el country, es pura delicatessen.

Por una vez haré caso a mi amigo Jota y no dejaré más chapa. Simplemente diré que dudo que este año haya muchos más discos que estén a la altura de Mission Bell... apunten, apunten y si se animan, dense el gustazo de escucharlo, que no se arrepentirán!

La porra del Clásico

2011-04-14T15:32:00.000+02:00

Este sábado, a las 22:00, el Real Madrid y el Fútbol Club Barcelona jugarán el primero de los cuatro partidos que los enfrentarán en el próximo mes en tres competiciones distintas (Liga, Copa del Rey y Champions League). Como cada vez que los dos clubes más poderosos de nuestro fútbol se ven las caras, el mundo se parará durante los noventa minutos largos que dure el partido, y los seguidores de ambos equipos serán un manojo de nervios hasta que el árbitro pite el final. De un duelo entre los dos pesos pesados del fútbol mundial sólo puede salir un vencedor, y el que se lleve los tres puntos en el combate del Santiago Bernabeú afrontará con más garantías de éxito los encuentros de Copa Y Champions que vendrán después. Pocas veces el fútbol nos ha brindado una lucha como la que se nos viene encima; dos de los mejores entrenadores del mundo en los banquillos, muchos de los fútbolistas mejor valorados del panorama internacional sobre el césped y cuatro partidos en los que demostrar quién es el rey de la temporada. Casi nada...

En SextoHombredigital queremos vivir el clásico de los clásicos con pasión, y por eso queremos organizar una de nuestras tradicionales porras. Es muy simple, sólo tenéis que decirnos qué resultado creéis que se dará en el Bernabéu en el partido de este sábado, y quien lo acierte (no vale repetir resultado, quien antes lo deje en comentarios se lo queda) se lleva el premio; un disco, el que más le guste, que recibirá en su casa lo antes posible. ¿Os animáis?

Entrevista Álex Ferreira

2011-04-13T09:08:00.000+02:00

Álex Ferreira es un escritor de canciones dominicano afincado en España desde hace unos años. Llamó la atención de la crítica y el público con dos maravillosos EPs y ya el curso pasado firmó uno de los mejores trabajos del año, Un Domingo Cualquiera. Álex está de vuelta con un EP recién estrenado, Dulus Dominicus, y en SextoHombreDigital tuvimos el enorme placer de hablar con él sobre éste trabajo, sus proyectos, sueños, gustos musicales y muchas cosas más...

Antes de nada, preséntese; ¿Quién es Álex Ferreira?

Cancionista postmoderno melodramático, solipsista, apátrida y rabiosamente hereje.

Hace ya seis años que vives en España, ¿por qué elegiste este país?

Soy fan de Europa y me gusta hablar en castellano. España parecía el lugar perfecto.

Durante tu infancia viviste en Santo Domingo, New York y Miami, ¿dejarás de subirte a aviones alguna vez en tu vida? ¿Te ves envejeciendo en España o es sólo una etapa más en tu vida?

Si me detengo en un sitio me mareo, necesito viajar por mi bienestar mental. Tampoco me quiero comprometer con una ciudad o estilo de vida. Ahora tengo mi casa en Madrid, pero mañana quién sabe, a lo mejor me quedo toda la vida o a lo mejor no. Aunque estaría bien envejecer en una playa del caribe.

"Si me detengo en un sitio me mareo, necesito viajar por mi bienestar mental"

Has publicado recientemente un EP, Dulus Dominicus, ¿necesitabas presentar estas cinco canciones o ves lejana la publicación de un segundo LP?

Estoy maquetando el siguiente disco y estas canciones no me encajaban en él. Me parecía un buen momento para publicar algo, pero no tiene nada que ver con el siguiente disco. No creo que tarde más de un año sin sacar un LP.

“Dulus Dominicus” es el nombre latino de la cigua palmera, un ave típica de la República Dominicana entre otras zonas, ¿tiene algún significado especial para ti?

Es más bien el nombre científico. Me crié rodeado de estos pajaritos y cuando estuve grabando el EP me encontraba constantemente con alguno.

A la hora de catalogar tu estilo, según los cánones históricos se podría decir que eres un cantautor, ¿te consideras como tal?

Sí. Escribo canciones y las canto, supongo que soy un cantautor.

"Escribo canciones y las canto, supongo que soy un cantautor"

Siguiendo tu trayectoria, parece que tu música cada vez se inclina más hacia el pop, ¿has pensado alguna vez en rodearte de una banda estable con la que girar y grabar?

Es muy difícil, pero me encantaría. Se puede decir que es una meta que tengo pero ahora no me lo puedo permitir por cuestiones económicas.

A la hora de tocar, ¿cómo te sientes más cómodo, en la intimidad del acústico o acompañado de otros músicos?

Las dos maneras tienen su aquel. Lo bueno es que cuando estoy muy saturado de alguna forma puedo pasar a la otra y todo me parece nuevo. Las canciones cambian mucho según el formato.

Llama la atención la cantidad de artistas con los que colaboras habitualmente en conciertos, ¿disfrutas poniendo tu voz en temas “ajenos"? ¿Quiénes son los músicos con los que mejores ratos has pasado sobre un escenario?

Me encanta poner voz en temas ajenos y que de pronto una voz ajena cante una canción mía. Con quien mejor me la he pasado en escenarios podría mencionar a Ivan Ferreiro, Xoel López o toda la Caravana Americana. A fin de mes voy a cantar en el concierto de Havalina, eso me tiene muy emocionado.

En Dulus Dominicus incluyes una canción, Los Discos Daban Vueltas, que habla sobre el casi extinto ritual de escuchar discos en vinilo. ¿Eres coleccionista de este formato? En la redacción de SextoHombreDigital estamos divididos, convéncenos, ¿vale la pena invertir en “plástico”?

Sí, tengo vinilos, pero también tengo CDs, cassettes y MP3s. Escuchar música es una cosa muy personal, cada quien lo hace a su manera. La canción "Los Discos Daban Vueltas" no es una crítica a cómo se escucha la música ahora ni mucho menos, es más bien una añoranza a unos tiempos que recuerdo con mucho cariño, pero eso no quiere decir que ahora no estemos en un momento emocionante. El otro día hice un viaje de 8 horas y si no fuera por mi iPod aquello habría sido un infierno.

Hablemos un poco de tus gustos musicales; para empezar, ¿quiénes dirías que son tus mayores referentes?

Antonio Machín.

Imagina que un caprichoso incendio quema tu colección de discos. Si estuviera en tus manos, ¿qué tres salvarías?

Kind Of Blue de Miles Davis, Pink Moon de Nick Drake, Ok Computer de Radiohead.
Pero perdería demasiado tiempo buscándolos, igual ya estoy cocido antes de.

¿Cuál es la canción que más te ha marcado en la vida?

"Cumpleaños Feliz".

Si pudieras elegir, ¿con qué músico o banda te gustaría compartir escenario?

Flaming Lips.

Recomiéndanos algún grupo que hayas descubierto recientemente y te haya enganchado;

James Blake

Una de nuestras preferidas; ¿Qué disco escuchas cuando estás solo y sabes que nadie puede verte y escondes cuando tienes visita?

Te aseguro que todos mis discos están a la intemperie de la multitud y ninguno me ruboriza.

"Te aseguro que todos mis discos están a la intemperie de la multitud y ninguno me ruboriza"

Para ir terminando, en SextoHombreDigital tenemos la tradición de que cada entrevistado deje una pregunta a ciegas para el siguiente invitado. En tu caso, fue Jaime Anglada quien te dejo esta pregunta; “¿Qué canción pondrías el día que escuchemos que la guerra ha terminado para siempre? Sólo una.”

"Hallelujah", pero la versión de Jeff Buckley.

¿Te animas a dejar una?

¿Cambiarías todo lo que sabes por saber la mitad de lo que ignoras?

¿Qué proyectos tienes en mente para este 2011? ¿Tendremos nuevas canciones de Álex Ferreira?

Espero que sí, en eso estamos. Pero será como muy pronto para finales de año.

Nada más, Álex, es un auténtico placer que contestes a nuestras preguntas, un fuerte abrazo.

El placer es mio, ¡gracias!

"Los Discos Daban Vueltas"

Podeis escuchar toda la discografía de Álex Ferreira en Spotify.

Quique, Jacob y las expectativas

2011-04-11T09:29:00.000+02:00

Quique González se quedó con ganas de tablas después de la larga gira de presentación de su último disco, Daiquiri Blues, y junto con su inseparable amigo Jacob ha ideado una nueva serie de conciertos en formato más íntimo con la única ayuda de un piano, guitarra acústica y contrabajo.

En principio la idea no puede resultar más atractiva, sin embargo, y discúlpenme la osadía, uno salió algo decepcionado del concierto que el pasado sábado el madrileño ofreció en el Auditorio Victor Villegas de Murcia.

Y más allá de la subjetividad que pueden dar los estados de ánimo y las apetencias puntuales, hay algo que tengo claro: de la casi decena de actuaciones del señor González que he tenido el placer de disfrutar ésta es la que peor sabor de boca me ha dejado. De lejos.

Y eso que el comienzo fue alentador. Reloj de plata con Quique al piano, precioso, por cierto, enlazando con Discos de antes. Pero el problema no fueron las canciones. Las tiene de todos los colores y todas de un nivel de notable en adelante. Sin embargo, aquello no acabó de sonar lo cálido que uno esperaba. La guitarra sonó algo baja, la voz algo alta y el sonido del contrabajo oscilaba entre lo excesivo y lo inapreciable.

El repertorio, el habitual a lo largo de esta gira. Muy celebradas Fito, Ayer quemé mi casa o Rompeolas. Como curiosidades más notables, la versión ralentizada de Hoy puede ser un gran día del maestro Serrat, la de La casa cuartel de Kiko Veneno y These days de Jackson Browne, que ya adaptó al castellano Enrique Urquijo.

Lo dicho, siempre es un gran plan sentir de cerca las canciones de este genio pero, para un servidor, ésta vez el show no estuvo a la altura de las expectativas.

Mäbu - Buenos Días (2011)

2011-04-07T09:32:00.000+02:00

En SextoHombreDigital lo teníamos claro desde hace mucho tiempo, así que el éxito de Mäbu no nos ha pillado por sorpresa. Sí, tuvimos la suerte de conocerla hace algunos años, en un concierto en un pequeño bar de Bilbao, y nos enamoramos perdidamente de su voz, algo que, por otra parte, le pasa a todo aquel que la escucha. Ahora está en boca de todo el mundo, llegando a públicos muy diferentes y cumpliendo el sueño de pasear sus canciones por las principales ciudades del país, donde, lógicamente, la reciben con los brazos abiertos. Lejos queda ya María Blanco, la tímida cantautora que escondía sus ojos detrás de su guitarra. Mäbu es ahora una consolidada banda de pop con cinco miembros (María, Txarlie, Daniel, César y Aridai) y un bonito primer disco bajo el brazo, Buenos Días.

Mäbu ya habían avisado de lo que eran capaces con Hallo, un pequeño EP publicado hace unos meses con el que pretendía ir allanando el camino del siempre complicado primer disco, momento clave en la carrera de cualquier banda. Hallo cumplió su cometido; sació la sed de los que esperábamos escuchar sus canciones grabadas en estudio y consiguió enganchar a mucha gente que no los conocía. Para cuando Buenos Días salió a la venta, Mäbu había despertado la curiosidad de un nuevo público que, sumado a los fieles que se había ido ganando en los últimos años, convirtieron este álbum en una de las sorpresas más agradables de la temporada.

¿Qué vamos a encontrar en Buenos Días?. Ante todo, una VOZ. Dulce, enérgica, colorida, suave... Cualquier adjetivo vale, porque no hay lugar al que no lleguen sus cuerdas vocales, que ella maneja a su antojo. La voz de María es el eje sobre el que gira el disco, una colección de canciones que nacieron vestidas por una sola guitarra acústica y que ahora florecen, como la primavera, llenas de colores y olores nuevos. Y es que María ha encontrado en su banda el soporte perfecto para sus canciones, unos músicos que han crecido junto a ella y han encontrado el envoltorio adecuado para cada una de ellas, dándole un sonido mucho más cercano al pop que a la canción de autor, sembrando cada tema de ricos y acertados matices.

Canciones de sobra conocidas por sus seguidores como Hazme el amor, Quiéreme, o Estoy bien como estoy siguen latiendo como el primer día, pero lucen más guapas que nunca con sus nuevos y recién estrenados vestidos. Mención aparte merecen A Solas y Buenos Días, sin duda alguna las dos joyas del disco y las que mejor muestran las virtudes de esta mujercita a la que estábamos esperando desde hace tiempo.

Buenos Días es un disco agradable, con un punto inocente y rebosante de magia. Apto y recomendable para todos los públicos. ¿A qué esperáis?.

Nacho Vegas en Murcia: la sobriedad y el humor

2011-04-04T21:36:00.009+02:00

Te diré entre tu y yo…

Mi primer concierto de Nacho Vegas. No hace tanto me parecería impensable acudir a un concierto de Nacho, y sin embargo, cuando consigues conectar con él, te llega hasta dentro, es imposible quitarselo de la cabeza. Puede costar que te entre, pero una vez que lo ha hecho, estás atrapado en su tristeza y oscuridad irremediablemente.

Un escenario sin demasiada luz, con un par de mesitas con velas, y un Nacho trajeado, con zapatos impolutos. Coherencia absoluta, cabizbajo y triste, sin levantar la cabeza para saludar hasta la tercera canción, pero capaz de hacer gala de un gran sentido de humor en varias ocasiones. Impagable la dedicatoria de Dry Martini SA a Jose Mourinho.

Como apertura, Cuando te canses de mí, al igual que en el disco, y así nos fue sirviendo de guía a lo largo de casi toda la zona sucia. Pero no estuvo solo en este paseo guiado, y no hablo sólo de sus músicos, (entre ellos el gran Abraham Boba y la ausencia de Xel Pereda y sus guitarras), también se trajo a Marlén, Ezequiel, Miss Carrusel, y casi conocimos a Michi Panero. Quedó espacio para Canción de Palacio o Me he perdido, con El extranjero para los bises, (seguramente me dejo alguna).

Cada instrumento sonó como debía sonar, en el momento apropiado, sin duda el Sr. Vegas se ha rodeado de los mejores músicos para hacer crecer (si se puede) sus canciones aún más. Podría contaros la cantidad de veces que me puso los pelos de punta, pero acabaríamos antes diciendo cuantas no. Momentos fuertes fueron Marlén, El hombre que casi conoció a Michi Panero o La gran broma final, a pesar de que no podamos hablar de picos ya que el concierto se mantuvo en lo más alto de principio a fin.

Entrevista a Jaime Anglada

2011-03-31T09:45:00.000+02:00

Jaime Anglada es un rockero de la vieja escuela, un veterano músico que se siente más joven que nunca. El curso pasado firmó uno de los mejores discos del año (Stereo) y acaba de presentar un álbum grabado en riguroso directo en el que podemos comprobar que está en un estado de forma envidiable. En SextoHombreDigital teníamos muchísimas ganas de hablar con este mallorquín desde hace tiempo y hoy, por fin, tenemos el enorme placer de ofreceros la entrevista que le hicimos hace unos días...

- Empecemos como es debido; ¿quién es Jaime Anglada? Una rápida presentación para todos aquellos que no te conozcan

Jaime es un tipo de aspecto y corazón muy mediterráneo, que aparte de su familia , lo que más ama es escribir canciones y poder compartirlas. Este tipo nació en el 72.

- ¿Cómo es tu primer contacto con la música? ¿En qué momento de tu vida te das cuenta de que quieres dedicarte a ella?

La verda es que mi primer contacto con la música son esas primeras clases de solfeo con nueve años más o menos. Empezé tocando saxo alto. Pero apareció una guitarra en casa de mi hermana, mi amigo Hugo me enseñó esos discos de Sam Cooke y los Beatles y a partir de ahí me parecía natural el querer hacer lo que hoy hago.

- ¿Cuál fue la razón por la que cambiaste el saxo por la guitarra?

Como te he contestado…no lo sé…pero… Elvis tocaba guitarra. Puede ser una de las razones

"Mi primera canción fue para una chica, así es el rock. Quería ser como Richy Valens y tener mi Danna"

- ¿Recuerdas la primera vez que subiste a un escenario? ¿Y la primera canción que escribiste?

Recuerdo con cariño y vergüenza aquella primera vez. ¡¡¡Rompí tres cuerdas de mi guitarra!!!!! ¡Fue un desastre!
Mi primera canción fue para una chica, así es el rock. Quería ser como Richy Valens y tener mi Danna.

- Publicaste tu primer disco en 1996 de la mano de un importante sello como Virgin Records, ¿cómo te llegó la oportunidad?

La verdad es que no estaba preparado para grabar un primer disco pero…¿cuándo se está preparado para algo que tanto has deseado y soñado?
Fue el principio de todo. Estoy muy agradecido a toda aquella gente que hizo posible ese contrato.

- En este momento de tu vida me veo obligado a hacer un pequeño paréntesis; En aquella época hiciste el papel de cantautor en la serie A las once en casa de Ana Obregón y Antonio Resines. ¿Cómo conseguiste el papel? ¿Qué recuerdos tienes de la experiencia? ¿Volverías a repetirla?

Somos la consecuencia de todo lo que hemos hecho y sido .Yo solo quería escribir canciones y crecer como tal y formar parte de la pantalla sin guitarra no era mi sueño.
Pero tuvo su momento y sí, lo volvería repetir.¿Por qué no?

"Antes jugaba a emular a mis héroes, ahora los héroes han de ir a salvar a otros chicos"

- Desde entonces has publicado cuatro discos más, uno de ellos grabado en directo. ¿Crees que con el paso del tiempo tu sonido ha ido evolucionando? ¿Ves cambios importantes respecto a tus primeros trabajos?

Veo seguridad en mí. Antes jugaba a emular a mis héroes, ahora los héroes han de ir a salvar a otros chicos. Hoy sueño y trabajo para escribir canciones y poderlas cantar y compartir.

- Hablemos de Stereo, tu último disco y personalmente el que más me ha gustado. Tenías ganas de rock, ¿me equivoco?

Tenía y tengo esa seguridad de la que te hablo. Quizás en STEREO no están mis mejores canciones, pero si es mi mejor disco.

- Para la grabación contaste con músicos de la talla de Toni Jurado, David Gwynn o Jose Luis Hernández. ¿cómo conseguiste “reclutarlos”?

Son buenos amigos, aceptaron enseguida . Sólo tengo buenas palabras para ellos tanto como personas como músicos.

- Rebeca Jiménez canta contigo en Palabras que nunca te he dicho y es una auténtica debilidad en la redacción de SextoHombreDigital así que, cuéntanos, ¿cómo se siente uno al trabajar con ella? ¿Alguna anécdota?

La facilidad de cómo cantó y el talento y humildad que desprende.
Toni Jurado me dijo;”Rebeca ha de cantar en este disco”. Unos meses después pienso que debería haber una voz femenina en STEREO. Recuerdo lo que me dijo Toni y…el resultado es “Palabras que nunca te he dicho".

- Acabas de presentar un disco grabado en directo; ¿es un regalo para los fans más fieles o una manera de reflejar el gran momento musical que vives?

Es una sorpresa incluso para mí.
No estaba en mis planes,pero hicimos un buen concierto en la finca de Galatzó en Calvia, Mallorca ¡¡¡¡y ahí está!!!!!
Es como una tarjeta de visita para que se vea cómo somos en directo.

- Hablemos de gustos musicales; ¿quiénes dirías tú que han sido los músicos que más te han influído a lo largo de tu vida?

¡¡¡Springsteen me salvó la vida!!! Dylan , Neil Young y Van Morrison me obligan a escribir canciones. Pero cuando escucho Mediterráneo de Serrat , digo”soy así”.

- Dinos qué tres discos rescatarías de un incendio en tu casa

¡¡¡¡Hoy en día bastaría con rescatar el IPOD!!!!!
Born to run/ Bruce Springsteen
The Freewheelin´/Bob Dylan
¡¡¡¡¡Luego intentaría salvarlos todos!!!!!!!

- El disco que más estés escuchando últimamente y la canción que no puedes quitarte de la cabeza

Imposible Germany .Wilco

- Un artista al que hayas descubierto recientemente y quieras recomendarnos;

My Moornig Jacket,
¡Siento haber llegado tarde!

- ¿Con qué músico te gustaría compartir escenario?

Con cualquiera que quisiese compartirlo conmigo.

- Una de nuestras preferidas; ¿Qué disco o canción escuchas cuando estás solo y sabes que nadie te ve y escondes cuando tienes visita?

Nunca he hecho eso…pero…últimamente escucho "De niña a mujer" de Julio Iglesias, ¿mola eh?

- Cambiando un poco de tema; Jaime, como veterano de la música que eres, ¿cómo estás viviendo el momento actual de la industria? ¿Crees que hay solución?

La solución es seguir creando y escribiendo y que vuelvan a apostar por canciones nuevas. ¡¡¡¡Basta de recopilaciones y covers!!!!!
Nuestro trabajo es escribir, para escribir no necesitamos a nadie más que nuestras emociones. ¡Para vender es otra historia! El autor y artista es el único damnificado y al que luego la industria utiliza como escudo.

- Qué es Internet para Jaime Anglada, ¿un enemigo o un aliado?

Un amigo que a veces te traiciona.

"Siempre habrá una guitarra, una voz y una historia, ¡eso se llama rock and roll!"

- Para ir terminando, en SextoHombreDigital tenemos la tradición de que cada invitado deje una pregunta a ciegas para el siguiente entrevistado. En este caso, Fon Román dejó esta para ti; “Mi sensación es que artísticamente estamos en un momento de poca ruptura, de repetición de fórmulas. ¿Que nuevo movimiento artístico/musical vaticinas o ves en el horizonte ?”

Siempre habrá una voz, una guitarra y una historia, ¡¡¡¡eso se llama rock and roll!!!!!

- ¿Te animas a dejar una?

¿Qué canción pondrías el día que escuchemos que la guerra ha terminado para siempre? Sólo una.

- ¿Qué proyectos tienes para este 2011?

Escribir canciones nuevas, interpretarlas y cuidar y ver crecer a mi familia.

- Nada más, Jaime, gracias por regalarnos un poco de tu tiempo, ha sido un placer. Un abrazo.

Encantado, un abrazo y muchas gracias

La Biblioteca: El dedo en el corazón, Javier Giner

2011-03-30T09:19:00.000+02:00

En su primera novela, apenas una sucesión de relatos más o menos breves, Javier Giner (Baracaldo, 1977) nos presenta a un conjunto de personajes que naufragan en unas vidas que no han querido o que no han sabido vivirlas de otro modo.

A caballo entre Nueva York y Madrid, a un vuelo intercontinental de distancia, se desarrollan un conjunto de historias que no tienen mucho de ejemplares pero que desbordan humanidad. La humanidad de los perdedores, de aquellos que saben que nunca podrán ganar.

¿Sus nombres? Sus nombres no importan. Es un amante que espera en un decrépito hotel; es un vagabundo que gasta sus últimas monedas en una llamada que devolverá la luz a su vida; es un profesor universitario que prepara una fiesta para celebrar el divorcio de su mejor amigo; es un reportero ‘estrella’ que se hospeda en la misma habitación de hotel donde se hospedó mucho tiempo atrás, esperando revivir un instante que marcó su vida; es una anciana que no duda en quedar con un desconocido para aliviar su soledad; es una amiga le cuenta a otra un encuentro de lo más intrascendente, o quizá no tanto; es un marido escribe una carta de amor a su esposa muerta; es un hijo que se venga de su madre, que lo abandonó siendo niño, de la manera más cruel posible… Son seres extraños, grotescos y, a la vez, cercanos. Dolorosamente cercanos.

Todos ellos intentan buscar la felicidad, pero acaban por perderse en sus propias miserias. Todos mienten para sentirse a salvo, pero esa mentira acaba por consumirlos y, cuando ya es demasiado tarde, intentarán comenzar de nuevo. Pero no siempre hay segundas oportunidades.

‘El dedo en el corazón’ es una novela, hecha de retazos, de momentos vitales, que comienza con un accidente de avión donde dos desconocidas hablan por primera y última vez y que acaba en un taxi que atraviesa la fría noche de Madrid, veinte años después.

Algunos de sus protagonistas no han conseguido llegar a este punto. Ellos son de los pocos supervivientes de un mundo en ruinas.

¿Sus nombres? Sus nombres no importan.

Se queda quieto con las luces apagadas y las cortinas corridas, sumido en la oscuridad que no teme o que teme demasiado, representando un papel que conoce a la perfección. El del ser inexistente. El del ser que no se ve, ni se escucha y que nunca ha existido ni existirá hasta que sea capaz de recuperar el poder que deja en otros para darse sentido.

El dedo en el corazón
Javier Giner
Barcelona: Ático, 2006. 188 p.
ISBN: 84-934476-2-5

Old Goodbyes - Pájaro Sunrise (2011)

2011-03-29T09:19:00.001+02:00

Pájaro Sunrise, tiene nuevo álbum, Old Goodbyes. Durante un par de semanas, hemos tenido la gran suerte de degustarlo y saborearlo lentamente, una y otra vez. Nos ha gustado tanto, que en la redacción temíamos haber perdido la objetividad con este grupo.

Para cercionarnos de que no era así, decidimos ofrecer la reseña del álbum a un buen amigo nuestro, con un gusto musical exquisito y uno de los mejores blogs musicales del mercado. Aquí dejamos la genial reseña de Lu para Sextohombredigital! Simplemente genial, no tiene desperdicio!

Texto: Ezlekuek

Debe haber 1 millón de formas de empezar un disco. Y luego está “Old Goodbyes, el tema que abre el álbum homónimo del leonés Yuri Méndez , tercero en su aventura al frente de Pajaro Sunrise. Acompañada de un Hammond tembloroso , la voz narcotizante de Yuri nos recibe con una sobrecogedora historia de despedidas, culpabilidades y líneas que no se borran. Y de paso nos deja con un nudo en el estómago del tamaño de Alaska, que será nuestro compañero de viaje hasta la última de las ocho canciones que componen este disco de belleza colosal.

Grabado durante Septiembre del año pasado junto a la gente de Amigos Imaginarios y Barrunto Bellota Band ( tras sólo dos tardes de ensayo), el disco funciona a la perfección como apéndice de aquella bendita locura que fue su anterior trabajo “Done / Undone”, un caleidoscopio de 22 canciones que recorrían la geografía de la emoción y dónde Yuri hacía público su balance de situación vital entre las cosas ya agotadas (done) y las vías nuevas a explorar (undone). Entre las heridas que deben cicatrizar y la esperanza de lo que está por venir.

Precisamente “song for Evangeline” , la segunda canción de “Old Goodbyes” ,fue concebida originalmente para figurar en el Undone del que – tal como cuenta Yuri- “ se cayó cuando me quedé sin fuerzas para seguir mezclando “ . En todo caso estamos ante una joya de belleza imponente . Una balada que rezuma una luminosa melancolía y dónde es imposible que la letra no te parta en dos : “Y no llores por mí, Evangeline, no seas como esas reinas fingidas, no llores. No llores ahora, porque el amor que nace debe morir un día”. Con un carraspeo en falso arranca la telúrica "Don't Want to Love You No More ( una versión de Jackson C. Frank , “ the most famous folksinger of the 1960s that no one has ever heard of” ) , esencias de folk/country desnudo, que sino fuera por los arreglos de violines, encajaría como un guante en el “Nebraska” de Springsteen. Y para poner el punto y aparte a la cara A, nada mejor que "look what we,ve become” una caricia de puro terciopelo con aroma oldie

Si en el Done/Undone la brecha entre los dos discos era deliberada y explícita , en “Old Goodbyes” la cara B se inaugura con un grito que da el testigo a la briosa “love like a drummer” y que nos rescata del estado de abandono y aturdimiento emocional que nos habían dejado las primeras canciones. “Ribbon” confirma el apabullante magisterio de Méndez para los arreglos, sobre todo en la segunda parte de la canción donde la percusión se acelera entre una aleación mágica de violines, sintetizadores y sobre todo un acordeón desbocado.

Para la parte final quedan “November”, un tema que podría firmar Eef Barzelay cuando juega a deformar y juguetear con el sonido “americana” y “(I am done) making fun of myself”, : de nuevo vuelve la intimidad, las luces se apagan y un murmullo acompañado de una desolada guitarra- ponen un broche crepuscular a este disco enorme.

Hay una máxima, que dice que Bill Callahan ( Smog), es incapaz de componer una canción mala. Pajaro Sunrise , o lo que es lo mismo, Yuri Méndez , va por el mismo camino. Seguimos esperando.

Sr. Nadie en directo.

2011-03-28T09:28:00.000+02:00

Hazme aparecer… seré el Sr. Nadie

No ha pasado un año desde que salió a la luz “En la ciudad del aire”, el primer disco en solitario y en castellano de Jaime García Soriano, y por fin este viernes tuvimos oportunidad de verlo en directo. Un buen concierto es una buena manera de comenzar el fin de semana.

Acompañado por un miembro del grupo Amarillo y sus guitarras, el Sr. Nadie nos fue paseando de la mano por la ciudad del aire, por cada una de sus canciones, demostrando que las canciones se defienden por si mismas. Tambien hubo hueco para Sexy Sadie, con la canción de la que ha tomado el nombre y con a scratch in my skin.

Que Sr. Nadie tiene tablas, es un gran músico, y realmente disfruta tocando, es algo que se puede ver a kilómetros de distancia, y es capaz de hacerte participe desde el primer momento.

Las cosas bien hechas, siempre están bien hechas.

(esta vez no grabé videos, este lo he tomado prestado de youtube)

Álex Ferreira - Dulus Dominicus EP (2011)

2011-03-25T09:11:00.000+01:00

Que Álex Ferreira es un músico de lo más prolífico es algo que ya sabíamos los que le seguíamos la pista antes de que lanzara su primer LP, Un Domingo Cualquiera. El dominicano afincado en España desde hace seis años había estado preparando su salto mortal publicando varios EPs, y para cuando presentó su primer álbum ya había conseguido ganarse a un público fiel, además de haber despertado el interés de la crítica especializada. Siguiendo con su alto ritmo de producción, Álex acaba de presentar Dulus Dominicus, un cuidado EP con cinco canciones con el que sigue saciando su necesidad de vacíarse entre acordes, frases y estribillos.

Silencio de Ascensor es el tema encargado de abrir el último trabajo de este dominicano de acento dulce, una canción acústica que habla sobre secretos e incómodos silencios, acolchada por unos coros casi espirituales. Con la fuerza de Dulus Dominicus y Sal (un ágil juego de palabras) llegamos hasta el mismísimo corazón del EP, y en Los discos daban vueltas uno se ve obligado a hacer un parón. Este tema, una debilidad personal, tiene color grisáceo y tono oscuro y grave, y habla del ritual que antes suponía disfrutar de un buen disco de vinilo, una liturgia casi olvidada, sepultada por las prisas y la tecnología que los melómanos echan de menos y a las nuevas generaciones les resulta prehistórico. Cierra el EP El blu del ping pong, una versión del afamado tema de Rita Indiana en la que Álex muestra su lado más latino y desenfadado, una buena manera de ponerle el broche final con una sonrisa dibujada en la boca.

Con Dulus Dominicus Álex Ferreira demuestra que es un músico valiente y dinámico, que no le cierra la puerta a ningún estilo y siempre tiene algo que ofrecer a su cada vez más numerosa fiel legión de seguidores. Un artista inquieto que bebe de las mejores fuentes y nos ofrece un pequeño trago para refrescar nuestras gargantas ansiosas de buenas canciones como las suyas.

Podéis escuchar el EP completo en Spotify

Kiss each other clean - Iron & Wine (2011)

2011-03-24T09:15:00.000+01:00

Cambio de aires

El nuevo trabajo del genial singer songwirter Sam Beam, no ha dejado indiferente a nadie. El máximo referente del indie folk a nivel internacional, acaba de publicar su cuarto álbum de estudio (quinto contando Around the well, -caras B y rarezas-). Un discazo que a priori, poco tiene que ver con lo publicado hasta el momento.

Con Kiss each other clean, Iron & Wine, da un golpe encima de la mesa. Abandona definitivamente el folk desnudo y clásico de sus inicios, para adentrarse en otros sonidos, otros estilos, otros ritmos, que poco tienen que ver con sus trabajos iniciales (aunque dicho cambio se intuyera ya en su último).

Es evidente que Sam Beam buscaba un cambio de aires. Abandonar un tanto su faceta más intimista y dar paso a composiciones más elaboradas, con arreglos más complejos. De esta manera amplía su gama de registros y porqué no, también su público.

En su nuevo trabajo, flirtea descaradamente con la electrónica, introduciendo modernos arreglos en sus temas. Fusiona su habitual folk, con el pop, con el soul, con el funk, incluso con el jazz, consiguiendo así una riqueza sonora importante, pecando quizás un tanto, de sobreproducir algún tema.

A pesar de toda la innovación introducida y el evidente cambio de estilo, el gran mérito de Beam, es seguir sonando a Iron & Wine, y no sólo por esa maravilla llamda Godless brother in love, que podía haber formado parte de cualquiera de sus álbumes anteriores. El espíritu de sus canciones, su esqueleto, sigue siendo el mismo al que nos tenía acostumbrados. Bajo todas esas capas de maqulilaje, seguimos encontrando las brillantes melodías habituales y su portentosa voz, sonando mejor que nunca!

Resumiendo, estamos ante un señor discazo. Una propuesta valiente, que busca arrastrar el folk hacia otros horizontes. Quizás sea el punto de inflexión en su carrera, o quizás no sea más que una experimentación puntual, queriendo investigar hasta dónde se puede llevar su música. Como decimos, bajo esa densa instrumentación y esos arreglos, quizás algo excesivos, siguen las mismas raíces y el mismo estilo inconfundible. Un cambio de aires, que no le sientan nada mal al de Florida, que gana con cada escucha, y que aunque quizás sea prematuro decirlo, lo convierten en uno de los álbumes del año! Gran trabajo Mr. Beam!

"Después Del Incendio Y Otras Cosas Así", desde dentro

2011-03-23T09:08:00.000+01:00

Los amantes de la buena música y las canciones de verdad estamos de enhorabuena, y es que nuestro admirado amigo Fabián acaba de publicar su tercer disco, Después Del Incendio Y Otras Cosas Así, el que sin duda está siendo el álbum más escuchado en esta redacción en las últimas semanas. Tuvimos la suerte de hablar con el leonés, que nos contó algunas cosas sobre su nuevo disco y además se animó a comentar cada una de las diez canciones que le dan forma a un LP que no somos capaces de sacar de nuestros reproductores...

- Fabián, apenas ha pasado una semana desde que publicaras Después Del Incendio Y Otras Cosas Así, ¿qué tal están siendo los primeros días de la criatura?

- Está yendo todo muy bien, dentro de lo que cabe. Es un trabajo totalmente autoproducido, así que no llegará a toda la gente a la que me gustaría, pero me está sorprendiendo muy gratamente la respuesta del público. La tienda online funciona, y el otro día se agotaron las entradas en Madrid. Estoy muy contento.

- Este es ya tu tercer disco, ¿tienes la sensación de que es el mejor que has publicado hasta la fecha o es demasiado pronto para pensar en ello?

- No lo sé, no pienso en esos términos. Claro que me gusta pensar que cada vez hacemos las cosas mejor, pero cada disco tiene su punto para mí, cada uno es especial a su manera.

- Sorprenden y agradan mucho algunos ramalazos “pop” del disco como La Huida o Planes, Auténticos Planes; ¿son parte de una posible evolución o simplemente “canciones puntuales”?

- Yo siempre me he considerado un compositor pop, solo que tengo cierta querencia por los sonidos acústicos, pero creo que todas mis canciones pueden englobarse dentro de este estilo, que por otra parte es tremendamente amplio. No sé, “Páginas Tuyas” es de mi primer disco, y es una canción muy pop. Ya sabes, hago las canciones que me apetece en cada momento.

- Has encontrado un sonido limpio y muy característico a lo largo de estos años; ¿cuánta culpa de ello tienen Yuri Méndez y Pepe López?

- Pues mucha. Son los músicos con los que trabajo, y me entienden muy bien, y yo les entiendo a ellos. Pepe es un instrumentista superdotado, y Yuri tiene una concepción de la música tremendamente hermosa y pura. Tengo mucha suerte.

- Con este disco, además, te has lanzado a la autoedición de mano de un sello que has creado junto a otros amigos, La Viejita. Cuéntanos cuándo se os ocurre formarlo, quiénes lo componen y cuáles son vuestros objetivos.

- Sí. Más que un sello es un concepto. Hace unos meses, tuve la oportunidad de tocar en Bogotá y Medellín con mi amigo Manolo Tarancón, invitados por la Fundación Barrio Colombia. Estuvimos hablando un montón de lo mucho que nos gustaría llevar las cosas nosotros mismos, con cariño y dedicación, sin depender de promesas y expectativas que nunca se cumplen, simplemente ofreciendo nuestra música de una forma humilde y honesta.

La Viejita es algo que yo quería hacer con el disco anterior, pero al final no me animé. Gracias al empuje y la ayuda de Manolo, lo hemos hecho realidad con este disco, y aunque nos sabemos diminutos, estamos muy contentos con todas las pequeñas cosas que vamos consiguiendo, aunque sea muy poco a poco.

- Pronto comenzarás la gira de presentación del disco, ¿qué ciudades vas a visitar? ¿Actuarás sólo o con banda?

- Sí, los primeros conciertos han sido en Valladolid y Salamanca, donde me acompañó Pepe López, y en Madrid el día diecisiete. Este último fue un concierto muy especial, rodeado de amigos.
Dentro de poco toco en Oviedo, Barcelona, Vigo, Coruña, Santiago, Valencia, Murcia, Zamora… tengo muchas ganas de tocar en León, que es mi casa.

En cuanto a la gente que me acompaña, todo depende de la disponibilidad de cada uno, y de las características del bolo. Siempre me gusta tocar con amigos, así que seguro que viviremos momentos muy especiales.

- ¿Tienes algún proyecto más en mente?

Yo siempre estoy componiendo, intentando aprovechar el tiempo, grabando demos… ahora toco mucho el piano, me relaja.

Fabián, para terminar nos gustaría que nos contaras algo sobre cada una de las canciones de Después Del Incendio Y Otras Cosas Así, ¿te animas?

"Piedras"

Habla de la idea de no bajar la guardia, de buscar hasta en las piedras, incluso después de haber encontrado eso que andábamos buscando.

"La Huida"

Me la inspiró una canción muy cortita de Super Furry Animals: "The Getaway Song".

Hey Venus! Es uno de mis discos favoritos de la vida.

"Diecisiete"

"Diecisiete" es la historia de una camarera de la que me enamoré muchísimo una tarde, sin ningún motivo aparente. Me fui a casa y le escribí una canción, pensando en cómo hubiese sido nuestra vida juntos. Toma ya.

"Nieve en el tejado"

Habla de tomarse un respiro. “Sácame a la calle, llévame a algún bar, deja que se apaguen las luces”. Es algo así como “Tú lo sabes, yo también lo sé, pero vamos a olvidarnos del mundo por un rato. Sácame por ahí.”

"Oh, María"

Ésta es muy evidente: Se la escribí a una chica que se llama María, y que es un amor de persona.

"Oh, tú"

"Oh, tú" es un empeño de Pepe; le apetecía mucho grabar un instrumental ruidoso sobre la progresión de acordes de "Oh, María". Al principio yo no quería, pero al escucharla, le di las gracias por ella.

"La Tempestad Etc"

"La Tempestad" es una de las dos canciones de este disco que podrían formar parte del anterior cedé. Tiene un rollo muy clásico, como de standard cincuentero. Es la favorita de Pepe.

"Planes, Auténticos Planes"

Una vez, hablando con Carlos Madrid y Fran Cano, uno de ellos (creo que Carlos), dijo que había visto una peli en la que uno de los protagonistas le decía al otro: “Teníamos planes, auténticos planes. ¿Dónde se perdieron?” Decidimos, entonces, que había que hacer una canción con esa frase.

El primero que la hizo fui yo, y por eso se la dedico a los dos en el disco.

"Después del Incendio"

Esta es, quizá, la canción más honda del disco. Habla de tener miedo y de afrontarlo a pesar de todo, no porque seamos especialmente valientes, sino porque no hay otra salida, en realidad, si queremos ser honestos con nosotros mismos.

"La Primera Canción"

Es el otro tema que podría estar en Adiós, Tormenta. Me atraía mucho la idea de que "La Primera Canción" fuese en realidad la última, invitando a poner el disco una y otra vez.

El "debut" de Beady Eye en Madrid

2011-03-22T09:11:00.000+01:00

Sensaciones post-ruptura: El efecto gaseosa

En las inmediaciones de La Riviera, lo habitual en cualquier evento que incluya "Gallagher" en los créditos: una fila de lambrettas aparcadas en la puerta, decenas de mods perfectamente uniformados y hordas de británicos, a esas horas ya “alumbrados” para la ocasión.

Dentro de la sala, se podían distinguir claramente varias generaciones según la posición que ocupaban. En las primeras filas, las nuevas generaciones: jóvenes hambrientos de la habitual socarronería del menor de los Gallagher. En la parte central, los “alumbrados” más preocupados de tener fácil acceso a la barra central de la sala que de otra cosa. Al fondo, los treintañeros nostálgicos que crecimos con los primeros discos de Oasis como banda sonora. Todo en orden. Se apagan las luces.

Ya avisaron que ninguna canción de Oasis formaría parte del repertorio en directo de Beady Eye (interpretaron su disco debut al completo excepto Wigwam), algo que más allá de sentimentalismos me parece de una coherencia aplastante. Comenzaron con Four letter Word, una de las más enérgicas de Different gear, still speeding. Y la euforia se apoderó de una sala repleta. Lo primero apreciable fue el buen estado de forma de la voz de Liam, algo a lo que habíamos renunciado desde hace años. Debe de estar cuidándose. ¿O acaso lo hacía para fastidiar a Noel? Cosas de hermanos.

La simplona pero efectiva Beatles & Stones mantuvo el nivel de intensidad que poco a poco fue decayendo con Millonaire (al acabarla se coreó por primera vez, que no última, el nombre de Noel) y For anyone, para recuperar la apoteosis por unos minutos con The roller, el primer single de la banda.

Wind up dream precedió a Bring the light, otro de los momentos de la noche. Standing on the edge of the noise nos devolvió al sonido más directo y sucio de Definitely Maybe para llegar a la calma con el baladón Kill for a dream, que sonó excesivamente plana y carente de emoción.

Con Three ring circus iniciamos la parte final de un concierto que apenas duró 60 minutos. The beat goes on, para un servidor el mejor tema de la banda hasta la fecha, sonó épica y mostró con todo esplendor el potencial de una banda, que más allá del siempre deficiente sonido de La Riviera demostró una solvencia impoluta. Recuperaron también la cara B Man of misery, de las más contundentes de la noche, para finalizar con lo más parecido a Champagne Supernova que Liam ha podido componer: The morning son. Fantástico final.

Regresaron para un único bis, con la impecable versión de Sons of the stage de World of Twist, dejando a los asistentes la sensación de que Beady Eye tienen recorrido, pero que la sombra de Noel Gallagher siempre planeará sobre ellos.

Desbandados por Santander

2011-03-21T09:05:00.000+01:00

El pasado viernes comenzó en Santander la gira Desbandados, en la que tendremos la oportunidad de ver a Quique González en estado puro, unicamente acompañado por su inseparable Jacob. Temas desnudos, muchos de ellos rarezas, caras b o simplemente temas que estaban en el olvido serán rescatados en pequeños recintos como pide a gritos el proyecto para deleite de sus muchos incondicionales.

Y como en Sextohombredigital nos gusta estar en todos sitios pero a veces nos es imposible, agradecemos infinitamente la colaboración de nuestra amiga Miriam, que nos cuenta con todo lujo de detalles lo que nos vamos a encontrar en Desbandados.

Texto: Miriam

Al escuchar "La primera canción" de nuestro amigo Fabián no puedo evitar pensar en "Aunque tú no lo sepas". Con ella descubrí no sólo a su autor, si no también que hay mucha más música que la comercial con la que nos bombardean a todas horas, y que encima "engancha" mucho más. De alguna manera, es mi primera canción.

Pocos gestos del chico tímido quedan, no sé si por estar "en casa", entre amigos. Así fue como nos hizo sentir Quique ayer: entre amigos, contando anécdotas, con seguridad y un gran sentido del humor. Y su único acompañante en esta nueva aventura, Jacob, no pasó inadvertido y demostró ser mucho más que un músico discreto en público, pero rotundo con su música. Hasta se atrevió con la guitarra acústica!!!
No podía faltar algún despiste, que justificó con un: "estando solos se nos ven hasta las costuras" (pa’ comérselo :P)

Todo comenzó al piano con un maravilloso "Reloj de plata" al que hilvanó con puntadas muy finas "Discos de antes", perfecto. De ahí nos llevó por "Justin y Britney", "En el disparadero", "La vida te lleva por caminos raros" (canción de Diego Vasallo), "Crece la hierba" hasta llegar a un tema de Jackson Browne que ya había traducido y versionado su referente, Enrique Urquijo: "These days". A "Trucos fáciles para los días duros" le siguió "Nos invaden los Rusos". Para presentar "La casa cuartel" sacó todo su sentido del humor contando su entretenida relación con la guardia civil de su pueblo que provocó más de una carcajada.

Quique siguió desgranando muchas de sus mejores canciones como “Polvo en el aire”, “Los desperfectos”, “Cajita de música” y “Dos tickets”, para luego sorprendernos con una versión del “Hoy puede ser un gran día” de “Serrat” y con “De haberlo sabido”, enlazando el final de ésta con “el sitio de mi recreo” del gran Antonio Vega.

Tras “Doble fila” y "Peleando a la contra" interpretaron una de las más solicitadas en sus conciertos, "Fito". El primer intento de despedida lo hicieron con la canción con la que yo he empezado esta crónica: "Aunque tú no lo sepas" (yo no contaba esta vez con ella, pero siempre es un placer escucharla)

Después de unos minutos de descanso, como era de esperar, volvieron al escenario con la maravilla creada a raíz de un texto de Kirmen Uribe, "No es verdad", una deliciosa versión del "Adelita" de principios del siglo XX, que de no haberla oído, nunca hubiera imaginado, para despedirse definitivamente después de un emotivo "Avión en tierra", con un final diferente para esta ocasión.

Como siempre llevar a alguien a sus conciertos es acertar, como esas recetas que te dan diciendo: con ella siempre quedas bien. Pues está claro que con Quique también!!!
"Desbandados" se anunciaba como "un repertorio mucho más libre, más intimista y en acústico" con caras B, versiones, rarezas y canciones no editadas y no defraudó. La única pega que le pongo a este espectáculo es su precio, demasiado elevado para muchas economías, incluida la mía.

Silvia Penide - Las erres dobles (2010)

2011-03-18T09:23:00.000+01:00

Una de las voces más peculiares y emocionantes del panorama musical regresa a la actualidad con el EP Las erres dobles, cuatro años después de sus últimas canciones incluidas en el ya lejano Desafinante crónica.

La gallega ha conseguido crear un mundo propio en el que viajan inquietudes tanto personales como musicales, con aire a las vertientes más “cantautoriles” pero con un poso a inquietud artística no tan propia de ese movimiento.

En apenas cinco canciones y en menos de quince minutos nos trasmite rabia, dolor y alguna dosis de esperanza. Eleva la voz en “En voz baja”, nos inquieta en “Dulce”, popea en “Estamos girando”, se muestra más sensible en “Erres dobles” para acabar de estallar en “Una tormenta”. Y por aquí nos gustan mucho las tormentas, los incendios y las canciones bonitas.

Dustin O’Halloran – Lumiere (2011)

2011-03-17T09:18:00.000+01:00

En su nuevo disco de estudio, Dustin O´Halloran se ha sabido rodear muy bien. ACME Ensemble se ocupa de la sección de cuerda, Adam Wiltzie, componente de Stars of the Lid, de la guitarra y, mi adorado Peter Broderick del violín. Y Dustin, como no, se reserva el papel principal: el piano.

Totalmente autoproducido y compuesto a caballo entre Nueva York, Berlín e Italia, ‘Lumiere’ supone un avance en el sonido de O`Halloran. Sin abandonar la vereda de lo neoclásico, esta vez el resultado es un álbum instrumental mucho más orquestado y recargado, alejándose de la sobriedad que marcaban los anteriores (Piano Solos, 200 y Piano Solos, Vol. 2, 2006). El piano clásico marca de la casa está más arropado que nunca, como si las diferentes melodías se abrazasen entre sí.

Los nueve cortes que componen ‘Lumiere’ son pequeñas piezas sinfónicas, breves fragmentos de una banda sonora inexistente. No es casual que su autor haya colaborado en películas como ’Marie Antoinette’ (Sofia Coppola, 2006) o ’An American Affair’ (William Olsen, 2010).

Si bien el comienzo del disco, con ‘A Great Divide’, nos podría llevar a la conclusión de que se trata de otro disco ambient, no es así. Pronto esos pasajes quedan atrás y es entonces cuando un piano mínimo reclama su lugar para no abandonarlo nunca. El ‘diálogo’ del disco se establece con un violín desgarrado en busca de complicidad.

El resultado: 45 minutos intensos, emocionales, de alto voltaje romántico que te dejan completamente aturdido, casi sin respuestas, al final, a medida que la última nota se va perdiendo en tu oído.

"Fragile N. 4"

Smile - All Roads Lead To The Shore (2011)

2011-03-16T10:07:00.000+01:00

Sonrían, por favor

Mientras algunos se llevan las manos a la cabeza y se limitan a repetir, una y otra vez, lo mal que está el mundo de la música, lo poco que se venden los discos o el daño que internet ha hecho a la industria, otros, los músicos de verdad, se dedican a hacer canciones. En algunos casos, como en el de Smile, canciones redondas, cercanas al sobresaliente en su mayoría, que han ido madurando a lo largo de los últimos años para acabar dándole forma a All Roads Lead To The Shore, uno de los mejores discos que ha caído en mis manos en los últimos meses.

Los de Getxo, como decía, se han tomado con calma la elaboración de su segundo disco; han sumado un guitarrista más a la banda y han dejado que las canciones crezcan de manera natural y se inclinen hacia un sonido más rockero que les sienta mucho mejor. El tono optimista de sus canciones, las buenas vibraciones que desprende cada uno de sus estribillos y la excelente producción convierten All Roads Lead To The Shore en uno de los candidatos a mejor trabajo del año desde ya, qué más da que aún estemos en marzo. Además, por si todo lo mencionado anteriormente fuera poco, los vizcaínos cuentan con colaboraciones de auténtico lujo como las de Neal Casal o Johnny Kaplan, casi nada.

Resulta difícil resaltar alguna de las doce magníficas canciones del disco, pero haremos un esfuerzo; Nothing More, Let Go y Sweetest Scene son auténticas bombas de relojería, hits elevados a la máxima potencia en los que encontramos el lado más surfero de la banda, donde mejor se desenvuelven. All He needs no se queda atrás, y la cálida Do As I Want, la emocionante Nº1 (qué voz la de de John) o Time To Go son también razones de peso para darle una oportunidad a un disco que no decepcionará a nadie.

All Roads Lead To The Shore es un disco que sabe a mar, a sol, a verano. Un disco, al fin y al cabo, destinado a dibujar una sonrisa en la cara de todo aquel que lo escuche.

Podéis escuchar el disco completo en Spotify

Nacho Vegas - La zona sucia (2011)

2011-03-15T09:13:00.000+01:00

Cosas que hay que contar

Una de ellas, es que ésta no es la típica crítica al artista que acaba por conseguir el reconocimiento que tantos años lleva mereciéndose por el mero hecho de haberlo conseguido y que haya dejado de ser algo “minoritario”.

Otra. ¿Qué porcentaje de culpa tiene su ya extinta y morbosa relación con la dama blanca del pop en que ahora llene conciertos y todo el mundo sepa de él tanto como de Love of Lesbian? No sé qué pensáis vosotros, pero de aquella unión la más beneficiada fue la música de ella. A Vegas sin embargo, le quedó El manifiesto desastre.

Y por último, más allá de que este disco este o no al nivel esperado, Nacho Vegas es el mejor letrista, o contador de historias como me gusta llamarle, del siglo XXI. Y me habré quedado a gusto.

Un nuevo Vegas se vislumbra en La Zona Sucia, su quinto disco largo, el de sonido más acústico. No diré que al escucharlo den ganas de salir a la calle a dar saltos de alegría, pero sí que se nota un cierto tono optimista y una mejor y más clara utilización del humor y el sarcasmo en sus canciones.

Nos sigue contando historias sobre la vida y la muerte, aunque nos sorprende con quizás su primera canción de amor, Cuando te canses de mi, y por la casi completa desaparición de la temática de las drogas, apenas mencionada en la oscura y siniestra El mercado de Sonora.

Sin embargo, canciones como Reloj sin manecillas (de pegadizo estribillo) o Perplejidad y Lo que comen las brujas, ambas con coros infantiles incluidos, suenan más accesibles que nunca. No es una crítica, pero no es lo que nos tenía acostumbrados y a uno le cuesta asimilarlo. Cuando la última canción editada en un LP por Nacho Vegas es Morir o matar es complicado reconocerlo en esta nueva vertiente.

Más reconocible resulta en la abrasadora Incendios y en el himno para borracheras de órdago que es Taberneros, una adaptación de una canción popular asturiana llevada a su terreno con gran acierto. O en la dupla La comedia humana y Cosas que no hay que contar, ambas composiciones con sello de denominación NV y a la postre dos de las composiciones más brillantes del álbum.

Y como no, La gran broma final. Más allá de juegos post-ruptura, estamos ante el clásico tema de Nacho que perdurará y que la gente continuará pidiendo en sus conciertos dentro de unos años. A este ritmo, como no, con todas las butacas vendidas.

Paupers field - Dylan Leblanc (2010).

2011-03-14T09:11:00.001+01:00

DYLAN LEBLANC

Paupers field es el primer trabajo de la nueva sensación del country folk americano. Hablamos del jovencísimo Dylan Leblanc.

Este veinteañero de Louisiana, consiguió firmar sin lugar a dudas, uno de los mejores discos debut de 2010. Un disco con aroma de otro tiempo, que podría estar perfectamente firmado por algún viejales con calidad a raudales de los años 60.

Y es que el joven Leblanc no inventa. No trata de innovar ni hacer experimentos con el folk tradicional. Apuesta por lo clásico, por lo que ha mamado desde la infancia, bajo su techo (padre guitarrista de estudio). Y esto se percibe ya desde la portada del álbum.

Paupers field es un disco sereno y elegante. En él, priman las letras y los versos sentidos, dando la importancia debida a las guitarras acústicas y a ese sonido inconfundible del pedal steel, que brilla sobremanera. Así, consigue melodías melancólicas y suaves, que transmiten sosiego y serenidad, a la par que belleza. Pero por encima de todo, brilla la voz de Dylan Leblac. Una voz impropia para la edad de este singer songwriter.

Especialmente brillantes resultan temas como Low, canción con la que abre el disco; If time was for wasting, primer single de paupers field; La serena y delicada Emma Hartley, en la que las brillantes guitarras son abrumadoras; o If the creek don´t rise, en la que cuenta con la gran voz de Emmylou Harris, como ya hiciera en su día el gran Ryan Adams, en aquel temazo llamado Oh My Sweet Carolina, de su álbum debut, Heartbreaker (al que la crítica especializada se empeña en asemejar).

Si hay que poner un pero, diré que el conjunto del álbum, resulta un tanto monótono. Peca de sonar muy parecido a lo largo de las 12 canciones. Pero sin duda alguna, estamos ante un gran álbum debut. Un álbum que hará que estemos muy atentos a lo que sea capaz de ofrecer este joven sinnger songwriter norteamericano.

La Biblioteca: El Alzamiento, Brian Keene

2011-03-11T09:10:00.000+01:00

Jim desliza el revolver sobre su sien. En su refugio, a tres metros bajo tierra, está a salvo, pero sabe que no habrá un futuro. Todos a los que quería y conocía están muertos o algo peor… vivos. Oye los gritos de Carrie, su mujer, vagando en la superficie desde hace una semana con un cuerpo que se cae a pedazos. Perdida toda esperanza, y justo cuando va a apretar el gatillo, suena su móvil…

Baker se siente culpable. Fue uno de los máximos impulsores del experimento que acabó con el mundo. Ahora está hablando con un antiguo compañero de trabajo, que ya no conserva nada de humano. Se hace llamar Ob y está aislado en una habitación indestructible, o eso parece porque ese ser ha comenzado a golpear el cristal blindado que los separa mientras que una pequeña fisura se va formando en su superficie…

Frankie se esconde en los servicios del zoológico de la ciudad. Huye de unos matones que buscan una dosis de caballo que ella misma se acaba de chutar minutos antes. Pronto descubrirá que ellos no son su principal problema. En el exterior comienzan a escucharse extraños ruidos emitidos por unos animales que murieron tiempo atrás de inanición…

Tras el experimento con un acelerador de partículas se abre una brecha espacio-tiempo que conecta el mundo con unos seres de una realidad oscura y salvaje, de la que poco se sabe. (Nota: Tranquilos, no da tanta vergüenza ajena como el guión de El barco). El resultado: nada vuelve a ser lo mismo. Los muertos vuelven a la vida, pero no como esos seres lentos y descerebrados de las pJim desliza el revolver sobre su sien. En su refugio, a tres metros bajo tierra, está a salvo, pero sabe que no habrá un futuro. Todos a los que quería y conocía están muertos o algo peor… vivos. Oye los gritos de Carrie, su mujer, vagando en la superficie desde hace una semana con un cuerpo que se cae a pedazos. Perdida toda esperanza, y justo cuando va a apretar el gatillo, suena su móvil…

Baker se siente culpable. Fue uno de los máximos impulsores del experimento que acabó con el mundo. Ahora está hablando con un antiguo compañero de trabajo, que ya no conserva nada de humano. Se hace llamar Ob y está aislado en una habitación indestructible, o eso parece porque ese ser ha comenzado a golpear el cristal blindado que los separa mientras que una pequeña fisura se va formando en su superficie…

Frankie se esconde en los servicios del zoológico de la ciudad. Huye de unos matones que buscan una dosis de caballo que ella misma se acaba de chutar minutos antes. Pronto descubrirá que ellos no son su principal problema. En el exterior comienzan a escucharse extraños ruidos emitidos por unos animales que murieron tiempo atrás de inanición…elículas. Éstos son rápidos, inteligentes e increíblemente crueles. Saben utilizar armas y son capaces de comunicarse entre ellos. Quieren acabar con la humanidad sirviéndose de ella. Elilum, teraphim, demonios, djinns, monstruos… la humanidad los ha conocido bajo diferentes nombres. Cuando un cuerpo muere y el alma abandona ese recipiente, ellos entran en acción, ocupando su lugar.

Y llegará un momento en que los muertos andarán por la tierra. Y su número superará con creces al de los vivos.

Y en ese mundo acabado, extinguido, varios personajes se verán obligados a sobrevivir a cualquier costa, y a hacer frente a las hordas de no muertos y a no menos vivos. Porque son en las situaciones extremas cuando los límites quedan difuminados, confundiéndose entre sí, y los salvadores se convierten en verdugos.

Jim, Baker, Frankie, Martin, Gusano, Delmas y Jason, Skip, el coronel Schow… El fin del mundo les ha unido en un arriesgado viaje por unos parajes desolados y sin futuro, en el que no todos vivirán para disfrutar de un nuevo día.

Sin llegar a ser una obra que perdure en el tiempo, ‘El alzamiento’ cumple su cometido: entretener. Y lo hace con creces. Su ritmo no baja en ningún momento, con constantes sorpresas y giros argumentales. Es acción pura y dura, y toma su presencia ya desde las primeras páginas, combinada, no podía ser de otra forma, con fuertes dosis de escatología y gore.

Sin embargo, la originalidad de este libro está en los zombis, por llamarlos de alguna forma, ya que, para los puristas del género, poco tienen que ver con la imagen oficial. Como ya dije antes, hablan, piensan, planifican… y matan, de la forma más cruel posible. Los zombis diseñados por Keene son rápidos e inteligentes y se mueven en un mundo apocalíptico diseñado a su medida, contando en muchas ocasiones con la ayuda de ciertos animales. En fin, que el panorama para los supervivientes pinta muy mal. Los no muertos, tanto humanos como animales, parecen ser la raza del futuro.

Por último decir que ‘El alzamiento’ cuenta con una segunda parte, titulada ‘La ciudad de los muertos’ (Dolmen, 2011) y que es de obligada lectura para completar la historia.

‘La ciudad de los muertos’ continúa la historia justo donde acabó la primera, con zombis acercándose por todas partes y con el sonido amortiguado de varios disparos en la oscuridad…

“Pensó en las películas de zombis que había visto durante años. En las películas, las criaturas no eran inteligentes; se tambaleaban de un sitio a otro como máquinas de comer, vacías y sin consciencia. En las películas, los zombis no te devolvían el disparo. El único parecido que podía encontrar entre los de la vida real y los del cine es que ambos eran lentos y comían carne humana.
Su falta de velocidad era una ventaja obvia: lo único que tenía que hacer era poner tierra de por medio entre ellos y él. Pero lo que les faltaba de movilidad lo compensaban con malicia. Eran inteligentes. Podían planear y calcular.
No bastaba con ser más rápido que ellos: tenía que ser más inteligente.”

Toro y Moi, Underneath The Pine (2011)

2011-03-10T09:14:00.000+01:00

Así es como se hace llamar Chazwick Bundick. Este chaval de Carolina del Norte a sus 25 años ha empezado a hacerse un hueco en el panorama "Chillwave".

Y es que acaba de salir a la venta su nuevo trabajo llamado "Underneath the Pine", justo 13 meses después de su primer álbum "Causers of This", con el que ya prometía maneras.

Es inevitable comparar su estilo al de Stereolab, Jamiroquai, Air o el Dream Pop que hacen Beach House, pero Bundick consigue fusionar esas influencias americanas y europeas, y, a la vez conseguir algo realmente único.

Con canciones íntimas muy cercanas al Lo-fi consigue mantener el interés por como combinarlas con sus ritmos cósmicos. Un Pop alegre a ritmo de música negra se puede disfrutar con temas como ‘Got Blinded’ o ‘How I Know’, el piano sale de suplente pero lo notas y de que manera en temas como ‘Divina’ o en ‘Good Hold’ y remata con el funky arrollador y bailón de ‘Still Sound’ o de ‘Elise’

El título del disco hace referencia al lugar donde le gustaría ser enterrado, y es que empezó a grabarlo un día después de enterrar a un amigo.
Diría que un grandísimo homenaje........disfruten

"Still sound"

Depedro en Logroño

2011-03-09T09:17:00.000+01:00

Una vez más, y con esta ya van tres, Jairo Zavala, ahora conocido como Depedro, visitaba la ciudad de Logroño. Pisó La Rioja por primera vez en el Actual de hace tres años, volvió en septiembre para regalarnos un concierto inolvidable en una bodega de Navarrete y, de nuevo, el pasado viernes, cubrió el cielo de la ciudad con sus Nubes de Papel.

El Biribay lucía buen aspecto para la ocasión, y Depedro, bastante puntual, subió al escenario entre aplausos, silbidos y piropos varios para coger la guitarra y empezar a desnudar canciones. La primera en caer, Diciembre, hizo que hasta los más ruidosos se callaran y giraran la cabeza hacia el escenario. Jairo invitó a su banda, y en cuanto todos cogieron posiciones, comenzó uno de esos conciertos que te dibujan una sonrisa en la cara. Depedro y los suyos aprovecharon los primeros momentos del show para rescatar algunos de los mejores temas de su aclamado debut como Two parts in one, Llorona, Don´t leave now o La memoria, para después, poco a poco, ir sumergiéndonos en su segundo álbum, el que venía a presentar.

De Jairo poco se puede decir que no se haya dicho ya, tiene una de las voces más personales y sugerentes de la escena española, y además, aunque sus cuerdas vocales se empeñen en quitarle protagonismo, es un guitarrista excepcional. Perdonad que no recuerde el nombre de sus músicos, pero sería injusto no resaltar a cada uno de ellos; desde el batería al bajo, pasando por el contrabajista sin olvidarme del trompetista, todos ellos maestros en su oficio que consiguen que las canciones lleguen siempre a buen puerto.

Entre Empty Fields, Nubes de Papel, Te sigo soñando (la eterna preferida del público), Como el viento, una sorprendente versión de Blister in the sun de los Violent Femmes, Chilla que tiemble y otras muchas se nos fue pasando la noche, con ese inconfundible aroma a mestizaje que desprenden sus deliciosas canciones hasta que Jairo y sus músicos se despidieron. Volvieron al escenario, cómo no, y sin duda este bis fue lo mejor de la noche; arrancó con Jairo de nuevo en solitario interpretando La brisa (mi preferida), continúo con una animada versión de Cançao do Mar de Dulce Pontes, prendió la mecha final con otra versión, esta vez la de What goes on de la Velvet Underground y explotó definitivamente con Comanche, un grito de guerra perfecto para poner fin a una exquisita noche de música en directo. Otra más a cuenta de Depedro.

Aquí os dejo el set list y algunos vídeos que grabamos;

Diciembre

Two Parts in One

Llorona

La Memoria

Tomorrow

Don´t Leave Me Now

Mientras Espero

Empty Fields

Equivocado

Nubes de Papel

Te Sigo Soñando

Blister In The Sun (Violent Femmes)

Chilla Que Tiemble

Como El Viento

La Brisa

Cançao Do Mar (Dulce Pontes)

What Goes On (Velvet Underground)

Comanche

Radiohead - The King of Limbs (2011)

2011-03-08T09:24:00.001+01:00

No recuerdo críticas tan injustificadas y precipitadas (¿en 1 día se puede analizar la calidad y repercusión de un disco?) como las que en avalancha hemos podido leer en las dos últimas semanas sobre el nuevo e inesperado disco de Radiohead.

El octavo disco de los de Oxford llegó por sorpresa, con apenas unos días de preaviso y sin tiempo para la reacción. Y con las mismas prisas la crítica se ha apresurado a machacar a The King of Limbs por ser, ojo, previsible.

Y es que en cada nuevo disco tienen la “obligación” de inventar el teléfono o la luz. Mínimo. Supongo que ser los mejores en su campo no es suficiente. Queremos más.

Me parece casi absurdo mencionar que Radiohead ya no son un grupo de guitarras. De hecho apenas lo fueron y la electrónica es la base de su mapa sonoro. The King of Limbs es más un viaje que un disco. Así te hacen sentir los primeros y asfixiantes compases de Bloom, como el inicio de un trayecto entre placentero e incómodo. Bloom te introduce en una espesa niebla, que apenas lograremos quitarnos de encima a lo largo de los 8 cortes del disco.

Los ritmos desacompasados de Morning Mr. Magpie y la hipnótica (y fantástica) Fedal, deudora de la corriente dubstep, forman una primera parte del álbum más experimental e impactante, con Little by Little como único guiño algo más clásico. Brillante.

Lotus Flower es el inicio de la parte más amable del disco. En ella encontramos el único estribillo reconocible de la colección y que sirvió de inmejorable presentación del disco gracias al impactante video, en el que descubrimos las dotes casi contorsionistas de Thom Yorke. Codex es belleza en estado puro. Apenas un piano y LA VOZ de Yorke. Podría haber sido el corte nº13 del Ok Computer. Un instant classic. Uno más.

En la recta final, Give up the ghost y las múltiples capas de voces superpuestas es otro de los hitos del disco. Delicada y sofisticada a la vez, acabarás por suplicar con Thom aquello de don’t hurt me. Separator (muchos son los que creen que el título es indicativo de que tendremos un The King of Limbs 2.0) abre las ventanas para que entre algo de luz justo antes de llegar al final, pero ya es demasiado tarde: estamos empapados.

"Lotus Flower"

Christina Rosenvinge, en Murcia

2011-03-07T09:19:00.001+01:00

Nuestra musa favorita presentaba nuevo disco en Murcia y allá que fuimos a recibirla como merecía. La Joven Dolores ha sido acogido con entusiasmo entre público y crítica y anoche pasó con nota la reválida del directo, la prueba más complicada.

Hace algo más de un año que tuve la ocasión de verla en el mismo auditorio (Victor Villegas) y misma sala (Ángel Clarés) presentando Tu labio superior, en aquella ocasión con Steve Shelley (Sonic Youth) a la batería, Chris Brokaw (ex Come) a la guitarra, Jeremy Wilms al bajo y Charlie Bautista en guitarras y teclados, el único que repitió en la formación anoche. Aún notando una bajada de intensidad con respecto a dicho concierto y con la falta de rodaje lógico de las nuevas canciones, vivimos un concierto emocionante y lleno de momentos de empatía con una de las artistas más en forma del panorama nacional.

Interpretó al completo su nuevo disco, comenzando con Jorge y yo y terminando con una interpretación magistral de Canción del Eco, desde ya convertida en clásico. Las canciones más celebradas de La Joven Dolores fueron Weekend (La gran broma final 2.0), La idiota en Mi mayor (¿sobran las palmas?), La noche del incendio (crece y crece y crece), Desierto (¿la interpretó demasiado pronto?), y Debut (eléctrica y electrizante).

Tu labio superior sirvió de complemento inevitable al setlist del concierto: Negro cinturón, Anoche, Nadie como tú y las que supusieron los momentos más karaoke de la noche, La distancia adecuada y Animales vertebrados (nunca nos cansaremos de ella). Sonó también A contrapelo, incluida en el EP Tu labio inferior, pero ni rastro de cualquier referencia a su discografía anterior. La Christina más introspectiva es pasado.

Sometimes I wish we were an eagle - Bill Callahan

2011-03-04T09:21:00.001+01:00

Bill Callahan

¿Bill Callahan? Puede estar preguntándose más de uno ahora. Quizás si dijera Smog, seudónimo bajo el que ha firmado su obra durante casi 20 años...

Sometimes I wish we were an eagle, es el último Long Play publicado por el singer songwriter de Maryland. Segundo álbum que publica con su nombre propio. Y ¿cómo resumir en pocas palabras esta gran colección de canciones?

Dicen que una imagen vale más que mil palabras. Bastaría mostrar como se le iluminaba la cara a un amigo, al hablar maravillas sobre él ...

Pero como no es posible, diré que es uno de esos discos que merece la pena tener bien guardado en casa. Un disco actual, que rezuma a clásico. Uno de esos que no te cansas de escuchar una y otra vez, y que en cada escucha, te vuelve a sorprender con pequeños matices inadvertidos hasta ese momento.

Un disco redondo. Sencillo, tranquilo, coherente y adictivo. Todas las canciones mantienen una misma línea, pero sin sonar a lo mismo. No peca de esa redundancia habitual en muchos álbumes de folk americanos. Hablando en plata, para la 5ª canción no está uno aburrido de escuchar más de lo mismo.

El secreto está en la calidad vocal y musical de Bill Callahan y en una gran producción. No abusa ni sobrecarga los temas con demasiados arreglos. Pero introduce unos imponentes arreglos de cuerdas e incluso electrónicos en ocasiones, o con aires asiáticos, perfectos para engrandecer cada una de sus composiciones, resultando un lujo para los oídos.

Grandes letras y una magnífica instrumentación cuidada al detalle, acompañan a la imponente voz de Callahan. Todo parece girar al rededor de su portentosa voz .Y es que vaya timbre gasta el americano. Súbitamente te transporta a la América profunda de los años 60.

Resumiendo, uno de esos discos que disfrutas incluso antes de que arranquen los primeros acordes de Jim Cain, porque sabes lo que te espera. 9 grandísimas canciones, 45 minutos de tranquilidad sosiego y disfrute. Sin excesos, donde todo encaja y suena de manera brillante. Una demostración de madurez, y claridad de ideas, adquirida durante una dilatada carrera. Un disco para de escuchar y degustar poco a poco, sin prisas. Sólo hay que dejarse llevar y disfrutar. Muy recomendable!

Beady Eye - Different Gear, Still Speeding (2011)

2011-03-03T09:10:00.001+01:00

Modern family

Como cuando tus padres se divorcian, si tu grupo favorito se separa te queda el consuelo de que de cualquier celebración siempre obtendrás dos regalos en vez de uno. El primer regalo surgido de las cenizas de Oasis viene de parte del padre, Liam. Bueno, de Our kid y de los restos del naufragio, es decir, Gem Archer y Andy Bell. Nombrar al batería de cualquier banda en que estén involucrados los Gallagher no merece la pena porque es probable que no dure ni dos telediarios.

El que esperara algo de este disco que levante la mano, pero no nos lo creemos. A pesar de alguna aportación de mérito a la discografía de Oasis (Songbird, Born on a different cloud), Papa Liam es un compositor más que limitado y de los tímidos Gem y Andy tampoco esperábamos fuegos artificiales. Sorpresa!

Nos hemos encontrado con un disco más que decente, con un sonido heredero de los últimos Oasis pero que da más importancia a los teclados y con cierto toque soul que acaricia las bonitas melodías de las 13 canciones que componen Different Gear, Still Speeding. Lo de los plagios a los clásicos sería repetirnos.

La cosecha de Liam es más que cumplidora. Bring the light fue lo primero que escuchamos de Beady Eye y nos enamoraron esos teclados tan setenteros y los coros femeninos. For anyone es otra vuelta de tuerca más (¿más?) para lograr ser la reencarnación de Lennon. Beatles & Stones es, obvio, otro homenaje más. Wigwam (Hey Jude 2.0) y The Morning son (gran final de disco) son de corte más épico pero igual de interesantes. Sus letras son más que olvidables, pero ha aprendido de Noel el arte de crear melodías.

Andy se encarga de abrir el disco con el tema más potente de la colección, Four letter word. Millionaire flojea pero lo compensa con la preciosa The beat goes on. Curiosamente, el corte con sonido más puramente Oasis lo firma Bell con Kill for a dream, una balada marca de la casa.

Gem firma el tema más directo y sucio del disco con Standing on the edge of the noise, y a la vez el tema más pop y mainstream, The roller (Instan Karma 2.0), que sirvió de carta de presentación del disco. Wind up dream es otra aproximación a la época solista de Lennon y Three ring circus parece hecha a medida para el lucimiento vocal de Liam.

¿Influye en mi análisis del disco las bajísimas/nulas expectativas que tenía sobre este disco?
Es posible, pero arañando un poco de objetividad a mi yo fan, veo este disco al menos al nivel de Heathen Chemestry o Don’t Believe the Truth. Y aunque sea compararlo con los peores discos de Oasis, eso es más de lo que jamás hubiera imaginado viniendo de un tipo como Liam Gallagher.

Ahora le toca a Mama. Lo tiene más difícil porque las expectativas son infinitamente mayores.

Fabián - Después del incendio y otras cosas así (2011)

2011-03-02T09:17:00.000+01:00

Jugar con fuego

“Las traiciones durante la guerra resultan infantiles comparadas con nuestras traiciones en tiempos de paz. Los amantes, primero se muestran nerviosos y tiernos hasta que lo hacen todo añicos, porque el corazón es un órgano de fuego.” (El paciente inglés)

Ardamos, pues.

Después de esperar a la primavera y despedir a la tormenta, llega el momento de analizar los restos del incendio, el poso de todo aquello que pudo ser y no fue, las brasas de aquel fuego vivo que alumbró con fuerza los mejores días y buscar otras horas de luz bajo nuevos soles, no sé si más grandes o más brillantes. Simplemente, distintos.

Fabián, como ya es costumbre, vuelve a desnudar sentimientos, a doler, a curar, a recoger hermosos fotogramas y traducir emociones cotidianas en Después del incendio y otras cosas así, su tercer disco (La Viejita Música, 2011), a través de diez soplidos de vida que no hacen más que avivar nuevas lumbres en las que recibir calor, cuando creíamos que la leña ya no podía prender, que todo era ceniza.

Resulta casi insultante la facilidad con la que el leonés es capaz de canalizar belleza y sencillez en las canciones, desde la naturalidad de Piedras, pasando por la candor de Diecisiete y La tempestad, etcétera, la pasión de Después del incendio y Nieve en el tejado, o la fuerza desgarradora de La huida y Planes, auténticos planes, dos ganchos a la mandíbula en forma de pop, muy en la línea de las ya lejanas Páginas tuyas que ahora ya son nuestras. Seda y más seda, al fin y al cabo. Y las canciones convirtiéndose en caminos.

Christina Rosenvinge - La Joven Dolores (2011)

2011-03-01T09:12:00.000+01:00

"Entre pálidas flores, hay puntas de alfiler"

En “La Joven Dolores”, Christina Rosenvinge vuelve a hacer las cosas como mejor sabe, contando/cantando sus temas a golpe de susurro y sensualidad, con ese aire de aparente fragilidad que la acerca a las musas.

Con estas 11 canciones historiadas, (o historias cantadas), Christina abre su universo interior, ese en el que mezcla mitología con secretos e historias totalmente personales, llenas de pequeños guiños fácilmente interpretables, y otros detalles incluso más íntimos y picarones.

Las guitarras, bajos, pianos, violonchelos y baterías se funden entre sí para formar una única melodía que se convierte en el marco perfecto para estas canciones y crea ese halo mágico de ensoñación que envuelve todo el disco.

Pero al contrario de lo que puede parecer, la mayoría de las canciones hablan de desamor y/o ruptura (excepto Jorge y yo), aunque de forma sosegada, desde el tiempo necesario para haberlas superado. En cada una de ellas encontramos una o varias frases totalmente rotundas de las que se quedan grabadas a fuego.

Un disco capaz de dar vueltas una y otra vez sin resultar pesado, un trabajo bien hecho que da gusto escuchar. Si es para que salga un disco así, merece la pena dejarlo con Christina, por duro que pueda ser.

Modelo de Respuesta Polar, en directo

2011-02-28T09:13:00.000+01:00

Fantástica presentación de estos 4 valencianos el pasado viernes en el escenario del Velouria en Albacete. Con un formato más acústico (si es que se puede llamar así a una formación de 2 guitarras eléctricas, bajo y batería), desmenuzaron algunas de sus composiciones con un resultado emocionante.

Con apenas un EP y un single como bagaje, Modelo de Respuesta Polar muestran un sonido muy compacto y trabajado que viaja del shoegaze al pop/rock más clásico. El denominador común de todas las composiciones que tuvimos el placer de escuchar es la gran intensidad que desprenden, música que te hace sentir y que se introduce por tus venas y activa cada órgano de tu cuerpo.

A pesar de lo corto del concierto, pudimos comprobar las buenas maneras de esta joven banda emergente, que tiene todos los mimbres para hacer mucho ruido en los próximos meses.
Buena pinta!

Super 8: Camino al Oscar. La red Social

2011-02-25T09:32:00.001+01:00

¿Película del año?

La red social es para muchos la película del año. 10 nominaciones al Oscar. 4 Globos de Oro (película, dirección, guión y música). 3 premios Bafta, de la academia inglesa (dirección, guión y montaje). 4 premios de la Asociación de Críticos norteamericanos (película y dirección entre otros) ...

Sin duda el último largometraje del genial David Fincher, se ha convertido en una de las películas más laureadas del año y seguro que una de las más taquilleras. Parece que la historia del creador del cara libro (Facebook), interesa. Y con ese currículum de premios y nominaciones, aún mas.

No vamos a descubrir ahora a Fincher, al que le avalan títulos como Seven, El club de la lucha, Zodiac, El increíble caso de Benjamin Button... En este caso ha vuelto a conseguir hacer una película interesante, haciendo una buena adaptación de un buen guión, aunque la historia puede resultar endeble y aburrida.

Y por eso se entienden la cantidad de premios que le están lloviendo a su director. Porque consigue que resulte interesante una historia que realmente no da para mucho. Consigue mantener el ritmo y la atención del espectador durante dos horas, sin filmar ninguna escena de acción, Únicamente se mantiene viva con la agilidad de sus activos y atractivos diálogos (se recomienda su visualización en versión original, porque el doblaje en este caso es patético).

La película resulta entretenida, pero no nos engañemos, es un tanto simplona. No se centra en la creación de la reina de las redes sociales. Sino que es otra cinta de abogados y jóvenes universitarios americanos. Una reflexión en voz alta sobre la soledad, la amistad, la traición, y la mentira de la amistad virtual ( El hombre con más amigos en facebook, su creador, no tiene ninguno en la realidad con quien tomarse una caña). Ahonda en la mezquindad del ser humano. En el actuar por interés, el poder del dinero, lo que es capaz de comprar... En fin, que no seré yo quien diga que La red social es una mala cinta, porque no lo es. Pero si esto es lo mejor que puede ofrecer la industria norteamericana... vayamos a ver Pa negre!

Además de la dirección, cabe resaltar la interpretación de Jesse Eisenberg, en el papel de Mark Zuckenberg, (el multimillonario más joven del planeta y creador de Facebook), así como un sorpresivo Justin Timberlake, que no lo hace nada mal, en el papel de Sean Parker (co fundador de Napster).

Como digo, una cinta que trata temas de rabiosa actualidad, basada en hechos reales y que hace continuas referencias a medios que utilizamos y que nos rodean en nuestro día a día. Una historia que vende, que atrae al espectador por la palabra clave... "Caralibro"... pero ¿merecedora de tanta nominación? Para mi, no!

La Familia - Esto es normal (2011)

2011-02-24T09:17:00.000+01:00

A pesar de que apenas hemos hecho los primeros kilómetros de esta autopista llamada 2011, ya podemos disfrutar de uno de los discos que está llamado a ser considerado como una de las grandes sorpresas del año; Esto es normal, de La Familia. La banda, formada recientemente por cuatro músicos provenientes de otros proyectos como Maryland, Igloo, O Trem Fantasma o Circular, nace en Galicia con la intención de hacerse un hueco en la escena pop nacional, y se estrenan con un disco que no ha tardado en recibir el reconocimiento unánime de los medios y el público en general.

Esto es normal es una colección de once temas pop, con acertados arreglos que en ningún momento llegan a saturar o entorpecer el desarrollo natural de las canciones, o lo que es lo mismo, todo suena como debe sonar y ni se echa en falta ni sobra matiz alguno. La Familia huye de lo artificial, se olvida de los conservantes y colorantes y se dedica a darle una forma natural a sus composiciones, convirtiendo la normalidad con la que tanto predican en un sello de la casa.Por si esto fuera poco, la facilidad para construír buenas melodías, unos textos muy bien trabajados y la personal voz de Santi Araújo convierten este primer trabajo en una inmejorable carta de presentación que a buen seguro les convertirá en una de las grandes revelaciones del curso.

Resulta difícil resaltar alguna canción de un disco que mantiene un altísimo nivel en todos sus cortes, pero si he de decantarme por alguna es imposible no mencionar el primer single, Solución (temazo), la magnífica Gira Mundial o la deslumbrante Un Rayo de Sol. Y, ya puestos, cómo dejar de lado Polo Norte o la redonda Hoy me siento Cowboy, todas ellas brillantes composiciones que consiguen que Esto es normal se convierta en un disco que está más cerca de ser imprescindible que simplemente recomendable. Y es que, aunque ellos insistan en ello, esto no es tan normal como pretenden hacernos creer...

Podéis escuchar el álbum completo en Spotify.

Entrevista: Fon Román

2011-02-22T09:18:00.001+01:00

Fon Román fue guitarrista de Piratas, una de las bandas referentes del pop/rock español de los últimos 15 años. A diferencia de su ex-compañero y amigo Ivan Ferreiro, Fon comenzó su carrera en solitario retomando el punto y final de su antigua banda con un sonido que hubiera podido ser perfectamente la continuación de Relax. Siempre parapetado tras sus maquinitas y sus pedales, este gallego acaba de editar su segundo largo en solitario con el que terminará por convencer a todos los indecisos.

Lo primero que me llama la atención es el tiempo que ha transcurrido entre tu primer disco y este Entretelas, más de 4 años. ¿Ha sido un proceso lento o necesitabas un descanso?.

Curiosamente el disco estaba acabado desde hacía 2 años y compuesto desde hacía 3, pero problemas con las mezclas, en las que estuvimos anclados un año, y el tiempo necesario para montar mi propia discográfica con su estructura humana (Pequeñas Iuminaciones), han hecho que se haya dilatado tanto la salida...

Entretelas es un disco claramente pop, pero a diferencia de Silencio cómodo…, tiene un sonido menos minimalista y con una producción más compleja. ¿Estás contento con el resultado del disco?.

Ha sido un disco muy laborioso, la producción ha estado más cuidada y atinada que en "Silencio Cómodo ", y la aportación tanto de los músicos como del ingeniero Inglés que lo grabó y mezcló ha sido determinante para que el resultado final haya superado mis expectativas...

Además tanto las letras como las melodías son más luminosas, como si hubieran sido gestadas en un periodo de felicidad. ¿Se me cae un mito y es posible hacer canciones a partir de la felicidad?.

Aunque mi tendencia innata es acercarme a la melancolía a la hora de componer, creo que en Entretelas me ha surgido una visión más optimista y menos dramática de las visiones y situaciones que nos toca vivir a cada uno y que son el material con las que se construyen las canciones. De ahí a que esté de acuerdo en que se muestren más luminosas...Creo que tiene que ver con la aceptación. El propio anhelo de ser feliz es lo que nos produce la infelicidad...

Tengo la sensación que Entretelas es un disco mucho más de directo que Silencio cómodo… ¿Piensas salir a la carretera a presentarlo?.

A priori es más dinámico que mi primer disco, esperamos que se trasmita a la hora de tocarlos en vivo. Estamos actualmente con ensayos y a partir de Marzo estaremos tocando en formato trío.

Y al hilo, ¿Disfrutas más el proceso de la creación y grabación del disco o a la hora de llevarlo al directo?.

Son en sí dos procesos contrarios, aunque nazcan del mismo sitio. El primer gesto creativo, el embrionario, sale de uno y vuelve a uno mismo. Uno es el receptor de sus propias emisiones. Después en cuanto lo grabas se convierte en algo manoseado, sobre todo por uno mismo, y luego disecado para que otros lo reciban...Después vuelve a recuperar algo de aquella primera energía vital en cuanto se transmite en directo pero el receptor es otro. Da igual el estilo de música, la grandeza de un concierto en directo es algo vivo, que fluye. Emisor y receptor en un flujo continuo...

Debe de ser bastante distinto afrontar una gira de presentación de un disco propio que cuando lo hacías con tu banda de toda la vida. ¿Echas de menos estar en una banda como Piratas o te encuentras más cómodo con tu carrera en solitario?

Pues sí, la carga es mayor, también la responsabilidad. Eres quién tiene que tomar las decisiones y es algo que personalmente me cuesta. En Piratas las decisiones eran compartidas y estábamos más centrados en tocar, trabajando en nuestra propia parcela. Aunque por otro lado también estábamos más descentrados :)...Ahora uno está en muchos frentes. Pero como dice la canción, el equilibrio es imposible...

No sé si sois conscientes de que fuisteis y seguís siendo fuente de inspiración para muchas bandas jóvenes. ¿Cómo te hace sentir esto?

Bueno, está bien, sientes que lo que hicimos valió para algo, que realmente no estábamos equivocados y ese rumbo que trazábamos en el que sólo nosotros creíamos era el correcto. Eso habla de que con energía unida en una misma dirección se logran sueños. Las influencias están en Movimiento y nos van enlazando. Es una cadena y es grato formar parte de ella.

Obligado me resulta preguntarte por tus propias influencias y referentes musicales o culturales.

No podría esquematizar mis influencias, son muchas y vienen de demasiados sitios, y tampoco podría decir cuales impactan con más intensidad para que sean influencia a la hora de generar un gesto artístico. Podrían ser unas palabras de Osho, un poema de Rilke, una instalación de Nam june Paik, un cuadro de Bacon, una canción de Scott Walker ( o Sufjan Stevens :) ) o una frase de alguien anónimo o de alguien muy cercano...

A colación, creo recordar que fuiste uno de los primeros artistas a los que escuché o leí hablar maravillas de Sufjan Stevens. Te doy las gracias porque seguí tu recomendación y me parece uno de los mayores talentos del panorama actual. Pregunta curiosa, ¿Qué te parece The Age of Adz?

Bueno, es una gran obra pero más oscura, densa y profunda que Illinois/Avalanche. Tenía el listón demasiado alto. Pero me parece bien que se haya internado en otros territorios más oblicuos. Aunque para mi está lejos de sus obras maestras.

¿Alguna recomendación?¿Un disco que te esté quitando muchas horas últimamente?

Aunque no hay nada que me tenga enganchado, me gusta mucho el disco del cantante de Sigur Ros que hizo con su compañero sentimental. Jonsi and Alex. Una delicia. También Department of Eagles, Gold Panda, Volcano Choir o Lucky Dragons....

Volviendo a tu música, en Entretelas se escuchan menos sintetizadores y en definitiva, menos electrónica de la que solías utilizar. Canciones de estructura más clásica.

Realmente hay más instrumentación que en mi anterior trabajo lo que pasa es que está por capas y puede que no destaquen tanto. También hay más elementos electrónicos que en "Silencio Cómodo", pero con un acercamiento al entorno acústico que es lo prevalece, aunque ninguno de los dos discos destaca por sus programaciones.

Todavía veo a Fon Román guitarrista antes que cantante. ¿Tiene para ti más importancia la música que las letras en tus canciones? ¿Sale antes la melodía o el texto?

Aunque tanto la letra como la melodía son importantes, si hablamos de hacer canciones Pop, creo que quizás bascule la importancia un poco más hacia la melodía y desarrollos armónicos. Puedo no entender las letras de Sigur Ros pero sin embargo sus melodías a través de esas palabras me conmueven. Pero si me recitase alguien esas mismas letras en Islandés, probablemente me quedaría neutro. Las melodías no necesitan palabras para para ser canción en cambio las palabras necesitan melodía para ser cantadas. Yo suelo componer primero las estructuras armónicas y el desarrollo melódico. Después escribo y luego intento adaptar las palabras a esos esqueletos de canción.

No es que me guste especialmente preguntar por ésto pero, ¿Qué opinas de las descargas ilegales? ¿Es la ley Sinde el diablo como tanta gente piensa?

No es todavía una ley. Lo que es indudable es que hay que buscar una regulación, acceder a contenidos debe ser lícito y es necesario pero creo que la decisión de si es gratis o no debería de tenerla, en este caso, el músico y por supuesto que no se comercie con su obra ni se lucren a su costa. Para eso es bueno que todas las partes se pronuncien e intercambien opiniones. La situación es compleja por eso hay que tratarla con mimo. No es fácil buscar un equilibrio sin partes enfrentadas. Sin diálogo no habrá consenso. Creo que el gobierno debería ver más hacia la compañías de Telefonía. Ellos son los que dan el servicio y los únicos que, de momento, no han entrado en escena. Y mientras todo esto se discute, el más damnificado y eso tiene que saberlo el usuario, es el músico. No tenemos ningún amparo ni subvenciones que nos ayuden.

Para terminar, en Sextohombre siempre nos gusta pedir a nuestros entrevistados una pregunta a ciegas para nuestro próximo invitado. Los Pedales nos dejaron la siguiente para ti: Como todos sabemos, alguna red social o similar, de las que siempre han ayudado a los músicos para darse a conocer, fueron muy populares en su día y luego cayeron en picado sin saber por qué. A día de hoy una de las que más en auge está es Facebook ¿Cuánto crees que perdurará? ¿Qué ves de bueno y de malo en estas redes?

Bueno, como músicos las redes sociales nos dan un acceso directo a seguidores y han hecho tambalear de alguna forma las antiguas fórmulas comerciales. Es el principio de un nuevo estadio en el que el músico no dependerá de intermediarios. Pequeñas estructuras personalizadas en un mar de información en el que la creatividad real de un artista tendrá más relevancia y tendrá canales para mostrarlo, aunque a la vez tendrá que saber canalizarlo.

De igual manera, ¿te animas a dejar una para el siguiente?

Mi sensación es que artísticamente estamos en un momento de poca ruptura, de repetición de fórmulas. ¿Que nuevo movimiento artístico/musical vaticinas o ves en el horizonte ?

Fon, muchas gracias por tu tiempo e infinita suerte con Entretelas.

Love of Lesbian en la Sala Concept de Logroño

2011-02-21T09:26:00.000+01:00

Hasta el pasado jueves, Logroño era una de las pocas ciudades del país que aún no había sido lesbianizada, y aunque al grupo del momento le ha costado lo suyo aterrizar en tierras riojanas, creo que todos los raros que estuvimos en el concierto estaremos de acuerdo; la espera ha merecido la pena. Como decía, la banda catalana llegaba a Logroño en el que sin duda es su mejor momento desde que empezaran su aventura allá por 1997; venían de llenar la madrileña sala Joy Slava durante cuatro noches consecutivas, están finalizando una de las giras más largas y exitosas que uno pueda recordar y, además, han conseguido el reconocimiento unánime no sólo de la prensa independiente que siempre les ha apoyado, también la de los grandes medios, que los han considerado como uno de los grandes fenómenos musicales del último año. La noche prometía, el público estaba con muchas ganas y ellos, como siempre, centraron todas sus fuerzas en convertir su primera parada en La Rioja en una noche absolutamente inolvidable.

Tuve la ocasión de verles en Bilbao cuando comenzaron la gira y, aunque había pasado dos años largos y cientos de conciertos, a uno siempre le sorprende ver cómo siguen viviendo sus actuaciones con las mismas ganas e ilusión que el primer día, no todos los grupos son capaces de ofrecer la frescura de Love of Lesbian y eso se agradece muchísimo. Cuando uno entra a un concierto de los catalanes sabe que va a escuchar grandes canciones, pero también que bailará, gritará y, sobre todo, se reirá de lo lindo con ellos, ya que siempre consiguen que hasta el público más frío acabe entregado a ese show que tan bien conjuga la -buena- música y el -buen- humor.

Del set list se podría decir que es lo más cercano a la corrección política que uno puede encontrarse en el mundo de la música; desgranan 1999 (el disco que más fans les ha hecho ganarse) minuciosamente para deleite de los recién iniciados, y van intercalando temas de este disco con otros de sus anteriores trabajos -Cuentos Chinos para Niños del Japón y Maniobras de Escapismo- para emocionar a los que llevan más años acompañándoles en este apasionante viaje. Así, entre los más grandes y recientes éxitos de la banda como Allí donde solíamos gritar, 1999, Club de Fans de John Boy, Incendios de Nieve o Segundo Asalto sonaron otros que consiguieron arrancarnos alguna lagrimilla a los más nostálgicos como Un día en el parque, Noches Reversibles, Los Colores de Una Sombra o Domingo Astromántico.

La banda estuvo pletórica; Santi Balmes tan cercano, confiado y ambiguo como siempre, Julián es esencial tanto a la guitarra como a los coros y segundas voces, Oriol con su eterna sonrisa, Jordi aportando gotas de electricidad y Joan Ramon que, como siempre, protagonizó el momento bizarro de la noche al aparecer en el escenario con un nada sugerente tanga. Llevan tantos años y tantos conciertos juntos que las canciones, diciéndolo de una manera mística, simplemente fluyen. Les basta una mirada, un guiño o el más leve gesto para entenderse, y esa complicidad es clave a la hora de presentar unas canciones que, lejos de acomodarse, parecen haber crecido con el paso de los meses.

En definitiva, fue una de esas noches que uno tarda en olvidar. Se les esperaba desde hacía mucho tiempo, y dejaron tan buena impresión que me extrañaría si a partir de ahora Logroño no se convierte en una parada obligatoria en las próximas giras de los lesbianos. Desde luego, somos muchísimos los fans de John Boy que les estaremos esperando con los brazos abiertos...

Set List

1. Allí Donde Solíamos Gritar

2. Un día en el parque

3. Las Malas Lenguas

4. Noches Reversibles

5. La Mirada de la Gente que Conspira

6. Segundo Asalto

7. Los Colores de Una Sombra

8. Domingo Astromántico

9. Música de Ascensores

10. Incendios de Nieve

11. El Ectoplasta

12. Carta a todas tus Catástrofes

13. Villancico Para Mi Cuñado Fernando

14. Algunas Plantas

15. Te Hiero Mucho

16. Miau

17. Me Amo

18. Club de Fans de John Boy

19. 1999

20. 2009. Voy a Romper las Ventanas

La Biblioteca: Natura morta, Josef Winkler

2011-02-18T09:22:00.000+01:00

En su día de descanso, Piccoletto se ha ido hasta el Vaticano, donde, en plena Via di Porta Angelica, su madre vende higos. Es un domingo como otro cualquiera. La plaza de San Pedro se encuentra atestada por cientos de turistas, ruidosos y conducidos como borregos, se arremolinan a la entrada de la iglesia o en los puestos de baratijas que prometen suerte y fortuna ad æternum.

Desde donde está sentado, el muchacho ve todo ese trasiego de gente en un constante ir y venir como si fuese un espectáculo. Y en ese momento también es consciente de que una chica sentada enfrente suyo le está mirando, y él, lejos de arrugarse, no dejará de insinuarse…

Así transcurren muchos de esos domingos, largos y tórridos, en una dejadez interminable que oculta sin embargo un abrupto juego de insinuaciones y provocaciones mutuas.

Pero esos días son apenas un pequeño oasis en medio del desierto. Porque, entre semana, el hijo de la vendedora de higos, cuyo nombre es Damino, pero al que todo el mundo llama Piccoletto, se gana la vida en un puesto de venta de pescado en la Piazza Vittorio Emanuele. Rodeado de vísceras y olor a podrido, es un habitante más de una Roma alejada del souvenir turístico. A su lado, la gente rebusca entre la basura algo que llevarse a la boca. O un poco más allá, un yonqui limpia una jeringa en una fuente pública. Es uno más en una ciudad oscura y marginal, castigada bajo un calor asfixiante.

Pero a sus dieciséis años, Piccoletto no piensa en esas cosas. Tiene todo el mundo por delante, al alcance de la mano, y toda una vida para exprimirlo. Quiere embriagarse de ella hasta perder la razón. Quiere probar, saborear, tocar, conocer absolutamente todo… porque, a los dieciséis años él también se cree inmortal.

Natura morta es precisamente lo que su título dice: una naturaleza muerta. Un gran bodegón donde su autor es capaz de dibujar a unos personajes que nada tienen de asombrosos y si mucho de reales. Es una narración insólita, extraña y a ratos grotesca. La acción es mínima y está ralentizada al máximo, como si se tratase de algo completamente secundario. Es una lectura, pese a su brevedad, que requiere su tiempo. Debe ser degustada poco a poco y sin ningún tipo de prisa.

Josef Winkler (Kamering, Austria, 1953) juega como un orfebre a pulir minuciosamente sus personajes, a dotarlos vida, sin olvidar sus grandes obsesiones: la iglesia, el sexo, la muerte. Resalta sus gestos, sus maneras, su sensualidad, más o menos soterrada, y los coloca dentro de un gran cuadro costumbrista, el de una Roma bulliciosa y callejera, extraña y familiar a la vez.

Natura morta: novela corta romana
Josef Winkler
Traducción de Miguel Sáenz
Barcelona: Galaxia Gutenberg, 2003. 102 p.
ISBN: 84-8109-436-6

Fon Román - Entretelas (2011)

2011-02-17T09:14:00.000+01:00

Pop elevado a uno

El primer disco de Fon Román (ex-guitarrista de Piratas) fue una grata sorpresa por lo inesperado y por comprobar que el sonido que Fon proyectaba en sus canciones era una bonita continuación de Relax, el último y glorioso disco de su antigua banda.

Aún así, Silencio cómodo en un jardín descuidado fue un ejercicio de iniciación y adaptación a un nuevo rol que nunca antes Fon había afrontado: vocalista y dueño de cada nota y cada palabra.

Entretelas supone un paso adelante. Primero en la confianza vocal que ha adquirido en estos años (más de cuatro años desde el lanzamiento de su debut) y que aporta seguridad a las canciones. Además, la producción en este caso se aleja del minimalismo de su primera obra y opta por un sonido más orgánico y clásico, más cercano al pop que al rock.

Las letras, aunque simplistas y algo dispersas, cumplen su función. Y es que no olvido que lo que realmente busco en Fon Román son melodías y sonoridades atractivas. Se dice en los mentideros que Fon fue el mayor responsable de los coqueteos de Piratas con la electrónica. De arriesgar en definitiva. Solo hay que comparar las carreras de Ivan y Fon para comprobarlo…

Más allá de romanticismos y gustos personales, Entretelas es un disco que huele a pop artesanal, ese que se hace con cariño y el gusto por el detalle, sin más pretensiones que plasmar en un pentagrama las emociones más básicas. Un POP mejor aún es posible.

"Dos elevado a uno"

El impagable valor de la carcajada

2011-02-16T09:35:00.000+01:00

Todo aquel que habla de cine (pelis o series; series, he dicho bien) suele hacerse bastantes pajas con eso tan elevado y artístico como la dirección, los movimientos de cámara, el guión, la fotografía y todas esas cosas que, sí, son muy importantes, pero no lo son todo. Muchas veces, un producto de perfil medio, catapulta un interés superior debido a un factor esencial: un personaje.

Existen dos tendencias en las series: la coralidad (The wire, Treme, Deadwood) y el peso de los protagonistas (Mad Men, Los soprano, Dexter, Breaking Bad). Tras el ocaso de las obras magnas que HBO inició en la primera mitad de la década pasada y a medio caballo entre las nuevas hornadas de series que se nos proponen (tanto HBO como AMC o Showtime) que todavía están en emisión y cuyo seguimiento supone casi siempre un calvario a cuentagotas. A mí, me pierde la paciencia. Por eso, no está mal, recurrir a productos acabados, aunque sean a priori menores. ¿Menores?

Que Boston Legal no va a pasar a la historia de las series es un hecho. Y una pena. En serio. Vale que peca de previsibilidad, chovinismo y hasta cierta misoginia. Puede que coquetee en ocasiones con lo zafio y el mal gusto también, pero ¿y qué? Nada es tan agradecible como el que sean capaces de arrancarte dos o tres carcajadas (no hablo de un gag gracioso, hablo de reír a mandíbula batiente) en cuarenta minutos sucesivamente durante cinco temporadas.

Centrada en las aventuras de Alan Shore (James Spader), un personaje absolutamente redondo, y Denny Crane (William Shatner), dos abogados de éxito de Boston, es capaz de bucear con ironía e inteligencia (en casos basados en hechos reales) en la política, las costumbres y la actualidad reciente americana, a la vez que desgrana las claves de una amistad verdaderamente pura de dos individuos solitarios, multimillonarios, insatisfechos e infelices atrapados tras una fachada de éxito y miles de dólares. A mí me ha cambiado la perspectiva de muchas cosas, así que... ¿qué voy a decir? Pues que hay que verla.

Los Últimos Bañistas EP (2010)

2011-02-15T09:14:00.000+01:00

Sirva este EP de carta de presentación de lo que será el primer disco de los cartageneros Los Últimos Bañistas, un grupo de pop rock de los de toda la vida. Es decir, buenas melodías y guitarras afiladas sin más pretensión que pasarlo bien.

Más cercanos a Lori Meyers que a Vetusta Morla, estamos ante un grupo de semejantes características y que lo tienen todo para ser los próximos habituales de los festivales veraniegos más cool.

El trío inicial del EP es demoledor. Nadia es un trallazo que deja sin aliento, de esas canciones que entran para quedarse. Después El gran apagón, mi favorita del disco, no menos potente y directa, para continuar con el primer single, El centro, que tiene un carácter más pop que las anteriores.

Los dos últimos cortes son más calmados. Esto es evolución, con un sugerente teclado, es quizás el tema más redondo y a la vez diferente de la colección. Y Nuevo con su sonido más acústico es un perfecto broche a este aperitivo sonoro. Queremos más.

Escúchalo aquí

La noche de los Goya

2011-02-14T09:00:00.004+01:00

La noche de Pa negre

Sin duda alguna la gran triunfadora de la 25 edición de los premios Goya, fue Pa negre, de Agustí Villaronga.

14 nominaciones la avalaban. Una menos que la gran "¿vapuleada?", Balada triste de trompeta (2 goyas: maquillaje y efectos). Parecía que sería difícil desbancar a los largometrajes de Alex de la iglesia, e Iciar Bollaín, pero...

... pronto quedó claro que le esperaba una gran noche a la película catalana, al acaparar los primeros premios importantes. Y así fue. Marina Comas, la jovencísima actriz novel, abría la lata y estrenaba el alubión de premios para la película. Le siguieron Dirección artística, Dirección de fotografía, y Laia Marull como actriz de reparto, con su tercer goya particular (actriz novel, de reparto y principal). Poco después llegaba el Goya al Guión adaptado para Agustí Villaronga, que certificaba que definitivamente era la noche de Pa negre.

Hubo premio para el joven Francesc Colomer, que subió felíz a recoger su premio como actor revelacion del año, entre otras cosas, por la expresividad de sus ojos (como decía Alfredo González). Justo después, turno para el goya a la actriz principal. Y no hubo sorpresas. La interpretación de Nora Navas, que ya le supuso la Concha de plata en el festival de San Sebastián, tuvo su recompensa. Séptimo Goya para la cinta.
Faltaban únicamente dos de los premios más importantes para finalizar la gala. Dirección y Película. Y sí, Agustí Villaronga, volvía a subir a recoger su premio, esta vez como mejor director. y lógicamente, el Goya a la mejor película, solo podía ser para Pa negre.

9 Goyas finalmente los obtenidos. 9 reconocimientos en apartados importantes. Ya lo presagiábamos y así lo predecía Sam, ganador de nuestra porra, en su reciente gran crónica de la película: Pa negre, debería ser la ganadora (aunque luego no la incluyera como mejor película ;) y así fue! Por lo que nos alegramos doblemente. Primero por el reconocimiento al buen cine, y segundo porque volverán a incluirla en cartelera (maltratada), e incluso en la red (todas eran porno).

Por otro lado, 3 premios importantes obtuvo Buried. Muy bien parada salió la gran cinta de Rodrigo Cortés. Para él fue el Goya al mejor montaje, ya que fue el propio director quien se encargó de realizó. El mejor guión original, dice mucho de una película, y en este caso, con toda justicia también recayó en Buried . Por último obtuvo la estatuilla al mejor sonido.

También la lluvia se hizo con otros 3 bustos de Francisco de Goya. Precisamente el primer premio de la noche fue para Karra Elejalde, inmenso en su doble papel. El donostiarra Alberto Iglesias daba la segunda estatuilla a la película por su música y conseguiría un tercero por Dirección de producción.

Y por último decir que el Goya al mejor actor, como estaba cantado, fue para Javier Bardem, por su papel en Biutiful. Por cierto, se quedó sin Bafta (se entregaban ayer también en Londres). Colin Firth fue el vencedor como ya hiciera en los Globos de oro, y muy posiblemente repita en los Oscar, por su papel en El discurso del rey.

Como decía, Sam fue el ganador de la porra con 9 aciertos de 12, uno más que Mikelón y Alfredo Gónzález, que vuelve a quedarse otro año más a las puertas. El gran derrotado de la noche fue Antoine, que se sentará en la Sillita de Sextohombredigital por sus míseros 2 aciertos!! Tiembla!

Y eso es todo. En breve más cine. Repasaremos las películas que optan a los Oscar 2011, y puede que incluso haya porra ... sí, casi seguro habrá porra! Les dejamos con la canción que ha obtenido el G0ya 2011: Drexler por Lope. Agur ;)

La porra de los Goya

2011-02-13T01:00:00.001+01:00

La porra de los Goya

El próximo domingo a última hora de la tarde noche, se hará entrega de los premios Goya 2011. El reconocimiento de la academia del cine Español, a las mejores cintas del año y a todos aquellos que hacen posible que sigamos disfrutando en las Salas de cine, (o en casa Sinde mediante!!) 8)

Y claro está, no podía faltar nuestra porra! Una semana para la entrega de los premos, así que podéis mandar vuestras apuestas y pensaros los resultados. El ganador, se llevará un CD de buena música, el que prefiera!! El disco que elija el ganador, le será enviado por cortesía de Sextohombredigital! (El Sexto...si es redactor a la sillita, y si no lo es podrá elegir quién se sienta! ;)

Pero vamos con el evento. Será una gala marcada por la polémica. Seguro que no faltan las mofas de Buenafuente a Alex de la Iglesia y Ángeles Sinde, que estarán sentados juntitos. El primero, presidente de la academia, ya ha anunciado su dimisión tras la gala, por la polémica ley de la segunda... Seguro que las cámaras se centran en él, pero no solo por eso. Puede que sea la noche de De la iglesia, porque su película Balada triste de trompeta opta nada menos que a 16 bustos de D. Francisco de Goya.
Vamos con los nominados que hay que elegir en la porra !

PELÍCULAS

4 Películas (destripadas aquí), optan a mejor largometraje del año:

-Balada triste de trompeta

-Bureid

- Pa negre

-También la lluvia

DIRECTORES

Los directores de las 4 películas nominadas, son :

- Agustí Villaronga (Pa Negre)
- Icíar Bollaín (También la lluvia)
- Álex de la Iglesia (Balada triste ...)
- Rodrigo Cortés (Buried)

ACTORES

4 Grandes actores de sobra conocidos:

- Luis Tosar (También la lluvia)

- Javier Bardem (Biutiful)
- Antonio De la torre (Balada triste ...)

- Ryan Reinolds (Buried)

ACTRICES

4 Actrices de las buenas:

- Elena Anaya (Habitación en Roma)
- Emma Suárez (La mosquitera)
- Belén Rueda (Los ojos de Julia)
- Nora Navas ( Pa negre)

Y los demás apartados de nuestra porra...

Actores de reparto

Karra Elejalde(También la lluvia)
Sergi López (Pa Negre)
Eduard Fernández (Biutiful)
Álex Angulo (El Gran Vázquez)

Actriz de reparto

Terele Pávez (Balada triste de trompeta)
Laia Marull (Pa Negre)
Ana Wagner (Biutiful)
Pilar López de Ayala (Lope)

Actor revelación

Juan Carlos Adubiri (También la lluvia)
Francesc Colomer (Pa Negre)
Manuel Camacho (Entre lobos)
Oriol Vila (Todas las canciones hablan de mí)

Actriz revelación

Carolina Bang (Balada triste de trompeta)
Marina Comas (Pa Negre)
Natasha Yarovenko (Habitación en Roma)
Aura Garrido (Planes para mañana)

Guión adaptado

Agustí Villaronga (Pa Negre)
Julio Medem (Habitación en Roma)
Jordi Cadena (Elisa K)
Ramón Salazar (Tres metros sobre el cielo)

Guión original

Álex de la Iglesia (Balada triste de trompeta)
Paul Laverty (También la lluvia)
Chris Sparling (Buried)
Alejandro G. Iñarritu (Biutiful)

Canción original

In the lap of the mountain (Víctor Reyes y Rodrigo Cortés) Buried
Loving Strangers (Russian Red),Habitación en Roma
Que el soneto nos tome por sorpresa (Jorge Drexler) Lope
No se puede vivir con un franco (Emilio Aragón) Pájaros de papel

Música original
Roque Baños (Balada triste de trompeta)
Alberto Iglesias (También la lluvia)
Víctor Reyes (Buried)
Gustavo Santaolalla (Biutiful)

Ale, ya podéis dejar vuestra elección en comentarios y serán introducid los datos en el cuadro!!

Super 8: Buried

2011-02-11T09:27:00.000+01:00

Creo que la historia es conocida por todos. Tras ser atacado su convoy por insurgentes, Paul Conroy, un contratista civil americano ha sido secuestrado y enterrado vivo en una zona indeterminada de Irak. Solo y asustado, pronto descubrirá que tan sólo cuenta con un zippo y un móvil. A partir de ahí, y sirviéndose de todo lo que va encontrando en el ataúd -todo lo que le ha dejado el secuestrador-, las llamadas telefónica no dejarán de sucederse, en una carrera a contrarreloj por salvar su vida.

Y a todo esto, él no sabe qué hace ahí. No es ni soldado ni nadie importante, es alguien que está haciendo su trabajo. Pero da igual, es un extranjero -americano para más inri- y con eso basta. Es un objetivo. Sin más. Porque, como dice uno de los personajes, casi virtuales, de la película: [secuestrar] es el único negocio que funciona aquí.

Si algo marca a “Buried” es el riesgo. Su idea es buena, original y, en principio, parece imposible llevarla a la pantalla, pero Rodrigo Cortés lo hace. Y con un par. ¿La originalidad? Un escenario mínimo -un ataúd- y un único actor, durante noventa minutos. Y lejos de hacerse aburrida -aunque hay ratos y ratos- mantiene la tensión hasta el final, con giros argumentales hábilmente enzarzados que logran mantener el ritmo sin dar demasiadas pistas sobre lo que va a pasar más adelante. ¿Cómo lo consigue? Técnicamente, con ángulos de cámara y planos aparentemente imposibles de conseguir. Y todo esto sumado a un guión eficaz y resultón.

En el papel protagonista nos encontramos a Ryan Reynolds (Blade: Trinity, Ases Calientes, Adventureland) que cumple con bastante solvencia, teniendo en cuenta el corto espacio de actuación. Con él, vamos avanzando por los diferentes estados por los que va pasando el personaje, y nosotros, de paso: confusión, desesperación, aceptación…

Algo que me ha gustado de la película es la crítica que hace a las grandes multinacionales que se reparten, en este caso, los restos de un país arrasado como es Irak. Según va avanzando el metraje, se suceden conversaciones cada vez más exasperantes y demoledoras, rayando en la mezquindad, cuyo máximo exponente es la conversación -grabada- que tiene el protagonista con la empresa para la que trabaja. Éste es, para mí, el pasaje más desolador de todos. Aquí es cuando el protagonista se da cuenta de lo que las personas importan para estas grandes multinacionales: N-A-D-A.

Otro punto fuerte del film es su final. Cortés tiene el coraje de plantear un final nada amable ni complaciente con el espectador. Es duro, angustioso y totalmente alejado del típico final previsible y simplón que suelen inundar las pantallas.

Pues bien, “Buried”, pese a sus virtudes, que no son pocas, no me ha llegado a convencer del todo. No sé si es que tenía muchas expectativas puestas en ella, pero nunca he llegado a entrar en la película del todo. Algo no me encajaba. No sabría explicar muy bien el qué. A veces pienso que le falta fuerza, empaque; otras, que la trama es demasiado inverosímil, demasiado forzada, para acabar cuajando.

En definitiva, creo que está un poco sobrevalorada y que, sinceramente, la película no es para tanto, aunque, sin ningún tipo de duda, es de lo mejorcito que se ha hecho por estos lares en el pasado año. Lo cual, diréis, no es muy difícil. Touché.

Aquí acaba mi opinión. Ahora os toca a vosotros.

Supersubmarina en directo

2011-02-10T09:05:00.004+01:00

Les falta !

El pasado viernes 04, era el turno de San Sebastián, en la larga lista de ciudades, donde los jiennenses están presentando su flamante álbum debut, Electroviral!

Un álbum fresco, con calidad, en el que se entremezclan el pop comercial y el pop rock alternativo, y que ha otorgado a Supersubmarina un "nombre" y un lugar importante en el panorama nacional, siendo reconocido como grupo revelación de 2010.

Así que allá nos fuimos, a ver qué eran capaces de ofrecer los 4 jóvenes de Úbeda en directo (Sala Doka). Y no me extenderé demasiado, ni me andaré por las ramas. Poco, la respuesta es poco, muy poco!! Les falta muchísimo para convencer y presentar un directo a la altura de lo esperado. Cuesta identificar su música en directo. No se reconocen esos trayazos de canciones que inundan su álbum, en vivo.

Flojos vocalmente. Totalmente estáticos en su presentación. Y fatal el sonido. Sus grandes canciones suenan totalmente planas, no consiguen transmitir, aunque una legión de jóvenes seguidores, se empeñen en cantar sus temas de principio a fin, votando sin parar. Ni tan siquiera así, se contagiaron de la magia que ofrecía su entregado público.

Quizás sea la inexperiencia y poco a poco vayan cogiendo las tablas necesarias para convencer y encandilar al respetable. Pero de momento, están muy lejos de ese punto. Tienen dos factores importantes a su favor.

Uno: Sus canciones. Si consiguen sonar en directo como lo hacen en el álbum ... la liarán!
Dos: Su público. Han conseguido una legión de fieles. Todos ellos muy jóvenes (de 15 a 25 años).

Les separa una fina línea del pop más comercial, y arrastran a muchísima chavalería. Si cuidan su sonido y sus directos, los Vetusta para pobres (como los definió uno que sabe mucho de esto), pueden convertirse en un grupazo llamado Supersubmarina. De momento apuntan maneras, pero les falta mucho en directo. Les falta!

Personalmente me llega mucho más esto que lo que vimos!

Super 8: Pa Negre

2011-02-09T09:12:00.001+01:00

De vez en cuando el cine patrio da buenas noticias. Y la vuelta de Agustín Villaronga es una de ellas. ¿Por qué? Porque es uno de los directores más inclasificable, distinto y auténtico que pululan por este negocio. Y si no me creéis, sólo tenéis que pasearos por su filmografía, jalonada de obras tan bellas y perturbadoras como ‘Tras el cristal’, ‘El niño de la luna’ o ‘El mar’.

Pues bien, resulta que ‘Pa negre’ ha tenido ese eco, esa publicidad, que nunca ha tenido Villaronga con en el resto de su obra. Es la gran sorpresa de los Goya de este año, con catorce nominaciones, optando a la mejor dirección. En definitiva, es la tapada y quién sabe si acaba convirtiéndose en la revelación.

‘Pa negre’ es la adaptación libre de dos obras del escritor catalán Emili Teixidor (‘Pa negre’ y ‘Retrat d’un assassí d’ocells’).

Vamos con el argumento. Lo voy a contar muy por encima, intentando desvelar lo menos posible.

Una aldea perdida en la Cataluña profunda. Años de posguerra. Andreu es un chaval de once años que lleva una existencia más o menos tranquila. Le gusta capturar pájaros y criarlos, junto con su padre. Uno de esos días en que explora el bosque, Andreu es testigo de la muerte de un compañero de clase. Todo parece indicar que ha sido un asesinato. Y ya nada volverá a ser igual tras ese incidente. En pueblo todo cambia de forma irreversible. El padre de Andreu tiene que huir por miedo a que le acusen del delito. Su madre se verá obligada a trabajar en la fábrica para sacar adelante a lo que queda de familia, pero, como apenas puede mantenerse, se ve obligada a mandar a Andreu a vivir con su abuela. Y es allí, en ese pueblo, con su nueva familia, donde se desarrolla toda la historia porque, por mucho que te alejes, el pasado siempre acaba por encontrarte…

Y no cuento más.

Bien, hasta aquí, ‘Pa negre’ podría parecer una película más ambientada en la Guerra Civil / Posguerra, pero va mucho más allá. Por supuesto, hay cosas que son comunes, como el retrato crudo del ambiente o el de esa miseria -moral y física- que reina en la sociedad. Pero en esta ocasión, los buenos y los malos quedan diluidos, simplemente dejan de tener importancia. El ser más bondadoso puede ser el ejecutor del más vil crimen.

No hay nadie inocente y eso es algo que Andreu no tardará en descubrir, cuando todos los secretos familiares queden desenterrados. Y lo aprenderá con lágrimas, y con sangre, en un viaje sin retorno que le llevará a abandonar abruptamente la infancia.

Como decía, ésta no es una película al uso y es que, aparte de lo anteriormente mencionado, el mayor hallazgo y, para mí, el mayor lastre de la película es la mezcla de géneros que cubren la película. Combina una historia costumbrista con ciertos elementos fantásticos. Algo así como un realismo crudo y un realismo mágico con ciertos entes sobrenaturales. Es aquí cuando la historia chirría un poco. Lo que empieza como una trama detectivesca (¿quién fue el asesino?) se convierte en un cuento gótico y hace que la historia se vuelva un poco difícil de seguir, llegando incluso a perderte en las sucesivas tramas que van apareciendo.

El resultado de todo ello: pese a no ser una película del todo redonda, si es una buena historia, absorbente y demoledora, con un final ciertamente agridulce. Agustín Villaronga lo ha vuelto a hacer. Ha creado magia. Ha jugado con nosotros otra vez y lo peor de todo es que no hemos podido apartar la vista en ningún momento. Porque Agustín Villaronga lo ha vuelta a hacer: ha vuelto a convertir el cine en arte.

Ah, no quisiera olvidarme. Dos menciones más. Primera, destacar todo el reparto de la película, sin excepción, que es donde recae toda su fuerza. Y hay que destacar, sobre todo los papeles femeninos, soberbias Nora Navas y Laia Marull; esta vez los hombres son meros comparsas (Roger Casamajor, Sergi López, Eduard Fernández). Y sin olvidarme de los niños, interpretados por Francesc Colomer y Marina Comas, tan atractivos y repulsivos a la vez. Mano muerta, mano muerta…

La segunda tiene que ver con el comienzo de la película, con una de las escenas más impactantes que recuerdo y que marca todo el desarrollo de la trama. Dura, cruda, salvaje. Sí, la del caballo.

The New Raemon - Libre asociación (2011)

2011-02-08T09:21:00.000+01:00

Viaje de retorno

En poco más de dos años, Ramón Rodríguez se ha ganado el respeto y admiración de la mayoría de la crítica y público con su proyecto en solitario, The New Raemon. El ex-líder de Madee (actualmente se encuentra embarcado en la gira de despedida de la banda) ha conseguido a base de letras cercanas, aunque no necesariamente amables, y melodías tarareables, que no fáciles, un sonido rápidamente reconocible por todos y muy alejado del ruido de guitarras distorsionadas y oscuras melodías que caracterizaban su anterior proyecto.

O así era antes de enfrentarnos a su tercer larga duración. Porque Libre Asociación supone un golpe de timón para desandar el camino recorrido y volver a abrazar la oscuridad.

Ramón desempolva las guitarras eléctricas que se alzan con el protagonismo de unas canciones mucho más contundentes y ásperas. Con sus primeros discos, las amables melodías compensaban las letras de desamor y desesperanza: aquí no tenemos escapatoria. De primeras es un disco mucho más difícil que cualquier otra cosa que hayas escuchado antes con la firma The New Raemon. Si acaso, recuerda a las sombrías canciones de la cara B del maravilloso EP La Invasión de los Ultracuerpos.

A pesar de la fuerte cohesión del disco, es fácil quedar prendado de la épica de Soñar la muerte, de ese banjo introductorio de la auto-inculpatoria Consciente hiperconsciente o de los coros inquisidores de Verdugo (“Hice lo que supe, y no lo que es debido”), el acertadísimo primer single.

Intuyo que para los amantes de la discografía de Madee será mucho más fácil adaptarse a la nueva cara de The New Raemon que para los seguidores de nuevo cuño. Pero al fin y al cabo éste es Ramón Rodriguez, con sus virtudes y con sus defectos. Auténtico.

Lights Out (FX), 2011

2011-02-07T09:21:00.000+01:00

El boxeo ha sido, a lo largo de las últimas décadas, un tema que ha inspirado mucha literatura, música y, por supuesto, cine. Pues bien, los amantes de este noble deporte están de enhorabuena porque la cadena norteamericana FX acaba de estrenar en este 2011 una serie que, con sólo tres capítulos emitidos hasta la fecha, ya tiene toda una legión de seguidores, Lights Out.

El argumento de la serie gira alrededor de la figura de Patrick Leary, un ex boxeador magistralmente interpretado por Holt McCallany que lleva cinco años retirado de los rings y vive en la más absoluta tranquilidad, preocupado únicamente por su mujer, sus hijas y el gimnasio que mantiene junto a su padre (un reputado entrenador de boxeo) y su hermano (antiguo boxeador y encargado de llevar las finanzas de Patrick). Patrick, que llegó a ser campeón del mundo, se retiró del boxeo a petición de su esposa, pero nunca pudo quitarse la espina de su último combate, en el que pudo ganar por K.O. aunque, decidiendo no mandar a la lona a su adversario y confiando en la decisión de los jueces, le arrebataron el cinturón de campeón de manera injusta. Leary quedó marcado de por vida, preguntándose qué habría ocurrido si hubiera noqueado a su contrincante, aunque el tiempo fue cerrando las heridas y, con la ayuda de su familia, consiguió olvidar todo lo sucedido.

La vida de Patrick sufre un inesperado giro cuando, en cuestión de días, varias malas noticias le llegan de golpe; su situación económica es preocupante y está cerca de la quiebra y, además, le diagnostican la denominada demencia pugilística, una enfermedad causada por la acumulación de golpes recibidos que puede llegar a acabar con su vida. Leary, lejos de venirse abajo, decide hacer cuanto está en sus manos para darle la vuelta a la situación, y, ocultando su enfermedad a su familia, se dispone a hacer lo que sea necesario para pasar este bache. Es una vieja gloria y, donde antes recibía miles de dólares por hacer un anuncio ahora le dan la espalda, así que se verá obligado a utilizar su habilidad con los puños en tareas que escapan de su ética y, por supuesto, de la legalidad.

Sólo hay dos cosas que pueden salvar a Leary de la quiebra; la primera es un joven boxeador al que entrenan en su gimnasio, un armenio llamado Omar con un gran futuro pero todos los defectos que acarrean el creerse el rey del mundo. La aspiración de Patrick, su hermano y su padre es convertirlo en un gran campeón, pero el difícil carácter de Omar convierte ese sueño en una quimera difícilmente alcanzable. Su otra tabla de salvación es la revancha contra Reynolds, el boxeador que le arrebató el título en su último combate. Las televisiones le ofrecen un cheque en blanco por revivir aquel combate pero él, de momento, no quiere volver a subirse al ring para no volver a ver a su mujer e hijas sufrir por él.

Este drama recién estrenado engancha desde el primer capítulo gracias a la impresionante actuación de Holt McCallany (por cierto, en la vida real perdió a un hermano que se dedicaba al boxeo), que encaja perfectamente en el papel del Champ, tanto que cuesta creer que no se trate realmente de una vieja gloria del boxeo. Su particular manera de ser, y la buena persona que vive bajo esa apariencia de bestia hace que el espectador le coja cariño desde el primer momento y sufra por cada golpe que la vida le va dando, que no son pocos. Los demás personajes también están a un nivel alto, y las distintas tramas que van apareciendo a medida que se suceden los capítulos consiguen que cueste adivinar qué es lo que va a ocurrir en el siguiente.

¿Acusará Patrick su enfermedad? ¿Se lo contará a su familia? ¿Volverá a pelear contra Reynolds? ¿Conseguirá alejarse del dinero fácil? ¿Mantendrá su gimnasio? ¿Convertirá a Omar en el nuevo campeón?. Demasidas preguntas, amigos, y muy pocas respuestas de momento. Permanezcan atentos a sus pantallas y anímense a ver esta serie que a mí, de momento, me está dejando K.O.

Super 8: También la lluvia (2010)

2011-02-04T09:25:00.000+01:00

No se llevará el Oscar

También la lluvia, película española elegida para representar a nuestro país en la presente edición de los premios Oscar, como era de esperar, no pasó el corte. Por tanto, no habrá representación española entre las 5 películas de habla no inglesa, aspirantes a llevarse la preciada estatuilla dorada.

Bueno, no lo habrá en parte, ya que Biutiful de Alejandro González de Iñarritu, sí ha sido nominada, con la actuación estelar de Javier Bardem, que además ha sido nominado en la candidatura de Actor principal.

Sinceramente, no creo que ésta decisión haya pillado por sorpresa a nadie que haya visto la película. Y no lo digo porque la cinta desmerezca tales honores, sino por la "incómoda" temática que trata.

Iciar Bollaín, nos tiene acostumbrados a sus denuncias sociales, ahondando en temas "hirientes" de actualidad. En esta ocasión, tampoco se ha mordido la lengua, dejando incluso al descubierto, las miserias de la industria cinematográfica. Y ese es un peaje demasiado caro para que la cinta superase el corte.

La película se desarrolla en Bolivia. Un elenco de actores españoles, vuelven 500 años después a tierras conquistadas por Cristóbal Colón (excelente interpretación de Karra Elejalde), para grabar una película sobre las injusticias sociales y las masacres que allí se cometieron con los indígenas del lugar. Durante el rodaje se ven sorprendidos por una revuelta social que afecta a los actores de reparto indígenas. La genialidad de Bollaín, es que al mostrar las barbaries del pasado, y con los hechos que acontecen, refleja cual espejo que a pesar de los años y las circunstancias, siguen siendo vapuleados en la actualidad.

Los protagonistas no vienen a por su oro, matando y esclavizando a los indígenas. Pero se rueda allí por el bajo coste por rodar allí, las facilidades y libertad para hacer lo que les plazca y por los míseros salarios que pagan a los indígenas. Estos abusos se repiten a mayor escala, con las grandes potencias multinacionales, los intereses políticos exteriores, y las empresas privadas. En este caso, la historia paralela que desata el conflicto, es la privatización del agua por una empresa norteamericana, privando así a los indígenas de su uso, de su derecho a sobrevivir, utilizando algo tan accesible como el agua de la lluvia.

Y no destriparé la trama. Simplemente diré que la dirección es excelente, el ritmo, el suspense, la acción, el drama, el miedo, el humor, la narración que en ocasiones raya el documental, la película dentro de la película, la soberbia dirección de actores, sus diálogos... Muy buena nota para la madrileña.

Los actores principales están a gran altura, sobre todo el maestro de la interpretación Luis Tosar. Genial Karra Elejalde en su papel, y un divertido Raúl Arévalo en el suyo. Correcto Gael García Bernal que siempre está bien. Creíbles todos en sus papeles, incluso los indígenas...

Pero si tengo que mojarme... a la película le falta un "algo". La historia está bien, entretiene y no decae, te mantiene en vilo. Es una buena película, necesaria, dura, bien plasmada, bien interpretada y bien dirigida. Pero aún así, le falta algo para ser brillante.

Havalina - Las Hojas Secas (2010)

2011-02-03T09:24:00.000+01:00

El año nuevo y la integridad

Editar un disco a finales de año conlleva el riesgo de que se pierda entre listas de lo mejor del año y la resaca navideña. Todo ello y un pequeño problema de distribución han hecho que el último disco de los madrileños Havalina no haya llegado a mis manos hasta éste ya asentado (¿solo estamos en febrero?) 2011.

Su tercer disco desde aquel cambio de nombre (antes Havalina Blu) y de idioma (sus composiciones eran en inglés), nos trae la evolución lógica de Imperfección (2009), alejándose definitivamente de los detalles pop de Junio (2008) y encontrando definitivamente el sonido característico de la banda.

Las guitarras suenan cada vez más crudas y contundentes y las melodías son más ásperas. No estamos ante un disco de digestión ligera y esa es una de sus mejores cartas de presentación. Y es que Havalina eligió el camino difícil, el de no dejarse influenciar por corrientes o modas: su sonido es cada vez menos obvio y sin embargo más auténtico.

El resultado son once composiciones honestas que hablan con un lenguaje sencillo y cotidiano de los temas habituales: el amor, la vida y la muerte.

¿Acaso se puede escribir de otra cosa?

Maika Makovski en el Actual 2011

2011-02-02T09:28:00.000+01:00

Aunque una gripe bastarda me impidió disfrutar de gran parte de la edición de este año del Actual, antes de ponerme febril pude disfrutar de alguno de los conciertos que más esperaba de este festival que crece año a año. Maika Makovski ha sido sin duda una de las grandes triunfadoras del 2010 que ya hemos dejado atrás, y su actuación en Logroño se presentaba como una oportunidad inmejorable para seguir afianzando una carrera que, ahora sí, parece haber despegado definitivamente. El lugar escogido para el concierto fue la Sala Modus de la capital rionaja, un local que, tal vez, no sea el perfecto para este tipo de eventos pero que, al fin y al cabo, es uno de los pocos lugares que apuesta por la música en directo en la ciudad. La expectación por la visita de Maika, unida a la actuación previa de los riojanos Moondomain y el bajo precio de las entradas hizo que la sala presentara un lleno espectacular y que incluso hubiera un buen número de personas que se quedaran fuera. Y nunca sabrán bien lo que se perdieron...

Como he dicho, abrieron el concierto los locales Moondomain con su autodenominado rock on fire. Los riojanos se encargaron de caldear el ambiente durante alrededor de tres cuartos de hora, tiempo en el que desgranaron con gran energía y fuerza su último álbum de estudio, Disbelieve. Aunque su sonido es bastante más "heavy" de lo que mis oídos están acostumbrados a escuchar, he de reconocer que sonaron estupendamente; guitarras afiladas, buenas líneas de bajo y contundencia a la batería. Eso sí, si algo llama la atención de este grupo es la increíble voz de Helen (muy similar a la de Gwen Stefani, por cierto), que es capaz de llevar las canciones hasta lugares inimaginables. Buen show el de Moondomain, que además contó con el apoyo incondicional de muchos de sus fans y amigos que se acercaron a compartir un momento tan especial para ellos como lo es una actuación en el Actual.

Después de una corta espera, por fin llegó el momento que todos estábamos esperando y Maika subió al escenario con esa sonrisa de confianza que sólo lucen los que saben que van a hacerlo bien. Si algo desprende esta mujer es precisamente eso, confianza, personalidad y carácter, atributos que, lejos de abandonarle, se van haciendo más visibles a medida que las canciones van fluyendo. Acompañada por su banda habitual, la mallorquina repasó en profundidad su último álbum, metiéndose a los fans en el bolsillo a golpe de canciones y convirtiendo al makovskismo a todos aquellos que hasta esa noche no la conocían. Además de una bonita voz capaz de soltar flores y veneno, es impagable ver cómo se mueve sobre el escenario; elegancia, pasión y, por qué no decirlo, sensualidad, mucha sensualidad. Se desenvuelve con soltura tanto con la guitarra como con el teclado, y sabe cómo mirar y sonreír en cada momento. No es que se desenvuelva bien sobre el escenario, es que se adueña de él de una manera absoluta.

Durante la hora y media larga que duró su concierto Maika repasó con detalle su último y exitoso álbum. A veces dulce, como en Friends, The Deadly Potion of Passion o Cars that went by, otras dura como en Game of Doses o Devil tricks, desatada en No blood o sugerente en Lava Love, demostró que domina a la perfección todos los registros, acompañada por sus músicos de confianza, que consiguen darle el empujón necesario para que las canciones brillen con más fuerza aún. Si a esto le sumamos la sorprendente aparición de Ignacio Celma (Havalina), que les acompañó en un par de temas, y el obligadísimo bis ante un público rendido a sus pies, el resultado global es un señor concierto que todos los asistentes tardaremos en olvidar. Se dice que a los grandes artistas se les mide en las grandes citas, y después del rotundo éxito de Maika en un festival del prestigio del Actual, cuesta imaginar que algo pueda detener a esta mujer de armas tomar. Abran paso, señores...